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Diapositiva 1: Buenas
Diapositiva 2:
Antes de iniciar a hablar de arte es importante saber que significaba el arte para los griegos
del momento, y para ello entenderemos 3 conceptos fundamentales:
TECHNE :Que se traduce como arte, lo griegos lo entendían como todo producto de la
habilidad técnica, aplicándolo a toda actividad humana.
KALÓN : Palabra empleada por los griegos, traducido como “lo bello”, tenía un sentido
distinto al que suele entenderse por dicho término hoy en día. Correspondía a todo lo que
gusta atrae o despierta admiración. Designaba lo que complace a los ojos y a los oídos,
también abarcaba desde los sonidos hasta el carácter
KANÓN El arte clásico estimaba que para cada obra existía un canon, una forma
obligatoria para el artista. La exigencia de la norma. Pero también incluían la dimensión del
arte y sus exigencias visuales, como también las formas esquemáticas contra las orgánicas.
Diapositiva 3:
La clase anterior estuvimos hablando sobre el arte griego y el grecorromano
Cuando hablamos de este estilo de arte grecorromano lo hacemos del elaborado por los
antiguos artistas griegos, el cual estaba caracterizado por la búsqueda de la llamada belleza
ideal, que recreaba el mundo ideal según el estilo de Platón 
Los griegos procedieron a instituir el principio de consideración racional del hombre y la
naturaleza, donde encontraron la razón que explica la experiencia sensorial que sin duda
tiene la estética en el arte griego. La belleza para los griegos estaba en la armonía, la
proporción o la perfección.

Protágoras, el filósofo griego mantuvo que el hombre era la medida ideal de todas las
cosas . La raíz de la belleza o de la virtud para los griegos era el conocimiento de las partes
y su relación con el todo.
Todas estas ideas las fueron plasmando en la arquitectura y la escultura aplicando los
conceptos de su canon de belleza y el orden arquitectónico, donde la belleza era la
proporción armónica entre las parters y el todo, fueron un cuerpo o un edificio.
La escultura grecorromana, como el arte de esta época en general, es una de las más
sobresalientes y que más destacan aún hoy en día. Se buscaba la belleza y se representaba
el arte canónico, una referencia a la que siempre se vuelve

Diapositiva 4:
La escultura es la manifestación artística en la que más destacaron los griegos.
El tema que más repitieron fue el del cuerpo humano, que sirvió para
representar a héroes, divinidades y mortales. Los materiales que más
emplearon fueron el mármol (coloreado) y el bronce.

La época Arcaica (s. VII y VI a. C.)

Durante la misma las figuras eran representadas normalmente de

manera estática (sin movimiento), de frente (ley de la frontalidad) y en posturas rígidas.
Sus ojos eran grandes y expresaban una sonrisa forzada (sonrisa arcáica). En ellas se
aprecia una clara influencia de la escultura egipcia. Son muy representativos de este
período los llamados "Kuroi" (jóvenes atletas).

La época Clásica 
Las figuras se hicieron más naturales y expresivas, adquiriendo
más movimiento y posturas menos forzadas. Desapareció la ley de la frontalidad.
Los escultores se afanaron en la búsqueda de la perfección y la belleza ideal,
aplicando estrictos cánones o reglas en sus obras. Fidias (esculturas del
Partenón), Mirón, Policleto y Praxiteles fueron los más importantes.

La época Helenística (s. IV-II a. C.)

En este período las esculturas fueron dotadas de mayor dinamismo (movimiento),

así como de gran realismo. Ya no se trataba de representar el ideal de belleza,
sino la naturaleza tal cual es, fuese alegre o dolorosa, bella o fea o, incluso,
trágica (Muerte de Laocoonte y sus hijos).

Diapositiva 5:

la escultura griega fue imitada y reproducida por los romanos. Gracias a ellos

conocemos cómo fueron muchas de las grandes obras hoy desaparecidas. Al
igual que la arquitectura, ejerció una importantísima influencia en estilos más
modernos, tales como el renacentista y el neoclásico

La escultura romana destacó sobre la griega en lo que respecta a la creación

de la escultura retrato. Para estos retratos, se utilizaba el mármol y el bronce
y las estatuas eran apolícromas.

Entre las distintas técnicas de escultura que había en esta época, destacan
especialmente el retrato, ya mencionado anteriormente, las estatuas, los
sarcófagos, los relieves arquitectónicos, los camafeos

Diapositiva 6:

Escultura en bulto redondo, de cuerpo entero en actitud de pie como dirigiéndose

al público, realizada en mármol. Las superficies parecen lisas y pulidas aunque
en su armadura se aprecian relieves de mucho trabajo. Se aprecia algo de
frontalidad y su actitud es reposada y serena, con una posición de contraposto al
estilo de la Grecia Clásica. La luz incide de forma homogénea y suave y no se
aprecian restos de policromía. En cuanto a sus formas de expresión se aprecia un
naturalismo acusado con algo de idealización. El parecido con la realidad es
evidente pero en su rostro se ve al político sereno y seguro: realidad idealizada.
La anatomía está muy bien trabajada al igual que los pliegues de sus ropajes.
Todo está pensado para dar una dimensión temporal de eternidad.

La escultura mide aproximadamente dos metros de altura. hay que ver en esta
obra una intencionalidad política de propaganda como podemos observar en los
relieves representados en la coraza donde, bajo la representación de la bóveda
celeste aparece Tiberio, hijo de Livia e hijastro y sucesor de Augusto, recibiendo
de los partos las águilas e insignias arrebatadas a las legiones romanas al mando
de Craso. así mismo, a ambos lados aparecen representadas las alegorías de las
dos provincias incorporadas recientemente al Imperio como eran la Hispania (a la
izquierda) y la Galia (a la derecha). En la parte inferior se observa a la Madre
Tierra con Rómulo y Remo y el cuerno de la Abundancia, escoltado por Apolo y
Diana, ambos dioses. Así mismo bajo los pies de Augusto aparece una
representación de Cupido cabalgando a lomos del delfín (alegoría de Venus).

Así mismo, el hecho de que aparezca Augusto con los pies descalzos, cosa que en
la obra original en bronce no sucedía, nos informa sobre la consideración que
recibe Augusto como "dios" y nos informa sobre la fecha de la obra, posterior a
la muerte de Augusto pues éste no fue divinizado hasta después de su muerte.

La parte posterior de la coraza no presenta relieves, ya que se concibió para estar pegada
a la pared. Sin embargo la original también estaba decorada, lo sabemos por los restos de
pintura encontrados en la escultura en mármol.

Diapositiva 7 y 8 :

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Diapositiva 9:

Características del arte Helinístico

 Dejaron de basarse en modelos ideales para hacerlo en modelos más
naturalistas de acuerdo con la perfección directa de la realidad, los artistas
se ocuparon de todos los aspectos de la figura humana.
 Sobresalieron obras de dimensiones superiores a las naturales, en
comparación a las proporciones establecidas en el período clásico.
  Abundancia decorativa y ornamental de los grandes monumentos, como
por ejemplo el Altar de Zeus en Pérgamo.
 Las ciudades helenísticas fueron diseñadas de acuerdo a un plan
geométrico con formas regulares, algunas de forma circular, con un centro
del que irradiaban calles enlazadas entre sí por círculos concéntricos.
 Se abrió paso a una realidad exagerada, en la que se enfatizaron y
sofisticaron las formas heredadas de la Grecia clásica, como ejemplo el
Coloso de Rodas.
 Las figuras cambiaron, su pose era más distendida e indolente.
 Aparecieron los retratos de personajes convertidos en héroes.
 Destaca la estructura dinámica que producía una sensación de
inestabilidad.
 Dinamismo en  las expresiones queriendo  lograr estados anímicos y el
interés de reflejar la anatomía y expresión dramática.
 el trabajo es más recargado que en cualquier otro período, lo que refleja
una preferencia por la complejidad del diseño que también se puede ver en
la arquitectura de la época. Prefirieron el uso de los elementos decorativos
del orden corintio.
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 En esta nueva era de expresionismo, las estatuas emanaban energía y
poder.
 Las figuras humanas comenzaron a irradiar sufrimiento y emoción.
 Las poses son las más diversas de cualquiera de las épocas, y representan
una gran variedad de acciones y estados físicos.
 El detalle anatómico es el más parecido a los cuerpos reales, y se presta
especial atención a cómo los cuerpos se transforman y cambian en
diferentes posiciones, mostrando una fuerte tradición de observación
empírica.
 Nuevas composiciones y estados de ánimo se exploran en esculturas
helenísticas que incluyen la vejez, la embriaguez, el sueño, la agonía y la
desesperación.
 La sensualidad genuina también aparece, en obras como Afrodita, Pan y
Eros.
 Mientras que para una versión más sutil, vea a la exquisita “Afrodita de
Cirene”.
 El retrato se hizo popular en este período. Los sujetos se representan con
un sentido de naturalismo que muestra sus imperfecciones, por ejemplo, la
escultura melancólica e introspectiva de Demóstenes de Polieucto.

Los escultores helenísticos tuvieron más éxito que sus antecesores clásicos,
mejorando la comprensión de la anatomía, tanto en la configuración detallada de
la superficie del cuerpo como en su respuesta a la tensión y a la relajación, pero
esta comprensión anatómica se usó de forma selectiva según el tema y el carácter
del trabajo. A finales del cuarto y principios del tercer siglo, los seguidores de
Praxiteles lograron un modelado de la piel aún más suave, que siguió siendo una
técnica favorita donde se buscaban efectos sensitivos o sentimentales, por
ejemplo: en desnudos femeninos, hermafroditas y en niños pequeños.

En la representación de la anatomía, los escultores helenísticos no solían escapar

de las fórmulas clásicas, ya que éstas eran bastante fieles a la naturaleza y no
había necesidad de comenzar de nuevo. Tampoco alteraron los sistemas de
proporción para la figura masculina, aunque pronto se aceptó un canon femenino
alternativo, con hombros más estrechos, cintura más alta y caderas más anchas.
En el drapeado hubo un cambio más radical.

los maestros clásicos habían preferido sugerir emociones con simples

gestos pero, a mediados del siglo IV se permitío cierta intensidad de
aspecto. Los escultores helenísticos tenían otras normas. En el trabajo
de carácter tradicional mantuvieron la vieja impasibilidad, pero donde el
objetivo era naturalista o dramático, disfrutaron de su virtuosismo. El
dolor, el miedo, el placer, la diversión, la embriaguez, el cansancio, el
sueño y la muerte estaban a su alcance en el segundo siglo, así como
todas las gradaciones de la edad y, cuando lo deseaban, podían producir
tipos raciales plausiblemente diferenciados. Como podría esperarse, el
retrato se hizo más vívido.

Los escultores helenísticos no hicieron ningún cambio en la técnica del

tallado de mármol, a excepción del nuevo procedimiento para trabajar
con un modelo, que puede haber sido utilizado en el primer siglo para
algunas obras originales, así como para copias. En su mejor momento, el
estándar de acabado seguía siendo igual al del trabajo clásico.

En el período helenístico se abrió paso a una realidad exagerada, en la que se

enfatizaron y sofisticaron las formas heredadas de la Grecia clásica. Producto de esta
ponderación surgieron obras de inigualable monumentalidad y belleza como el
"Coloso de Rodas".

Diapositiva 10:

Gálata herido

Aparecieron los retratos de personajes convertidos en héroes. La estructura dinámica

que producía una sensación de inestabilidad, reflejada en las formas dramáticas y
apasionadas, en el dinamismo de las expresiones por el deseo de lograr estados
anímicos y el interés de reflejar la anatomía y expresión dramática causada, hicieron
que se acentuaran las torsiones de las figuras, la tensión muscular y el claroscuro del
modelado, al tiempo que los rostros expresaban sus sentimientos, ya fueran de
alegría, placidez, angustia o dolor.

http://kokita-eri-historiadelarte.blogspot.com/2018/12/galata-moribundo.html

Diapositiva 11:  Venus de Milo

La escultura Venus de Milo es una obra griega del período
helenístico aunque su estilo se corresponde con la estética
predominante del período clásico. La estatua Venus de
Milo representa a una mujer con el torso desnudo, el cabello
recogido y con un vestido ceñido a la cintura que la cubre desde esa
parte hasta las caderas. Esto se da por un dato curioso y es el hecho
de que en la Antigüedad griega, la desnudez total era reservada a los
cuerpos masculinos y, cuando aparecía en cuerpos femeninos,
normalmente se asociaba a la diosa. La escultura representa a una de
las diosas más veneradas de la Antigüedad Clásica, tanto por griegos
como por romanos. Los griegos la llamaban Afrodita y los romanos
Venus. Para ambas culturas, se trataba de la diosa de la fertilidad, la
belleza y el amor.
Eso fue un poco de contexto general, ahora si vamos a hablar de la
escultura como tal, la cual se encuentra hecha de mármol blanco.
Mide 211 centímetros de alto y pesa 900 kilos, lo que lleva a
contemplar su monumentalidad.
Esta escultura tiene unos componentes importantes que son validos
resaltar, como por ejemplo La rodilla doblada, mientras está de pie,
refuerza el contorno de sus formas. Se trata una vez más de la
famosa disposición de contraposto, en la que el cuerpo distribuye su
peso sobre una pierna que funciona como punto de apoyo, lo que
permite que el conjunto adquiera una forma sinuosa.
En general el contraposto consiste en representar la figura humana
apoyada sobre todo en una pierna recta y en tensión, algo adelantada
respecto a la otra, mientras la otra se flexiona suavemente aún en
posición de reposo, lo que proporciona una sensación de estar dando
un paso y de cierto balanceo de la cadera.
Con esta posición, hombros y pelvis se inclinan inversamente. El
manto drapeado que cubre a Venus, desde su zona púbica hasta los
pies, está tallado con gran maestría creando relieves y movimientos.
Sobresale del manto la pierna izquierda de la diosa.
La cabeza es visiblemente muy pequeña con relación al cuerpo. Aún
así, el artista mantiene el canon de las proporciones de ocho cabezas,
preservando la armonía entre las partes. Existe la misma distancia
entre los senos que entre el pecho y el ombligo. Asimismo, el rostro
se alarga a la medida de tres narices.
Estilo. En la escultura pueden verse los elementos estilísticos de
artistas como Praxíteles y Fidias. Por ejemplo:

 la flexibilidad de la línea,
 la postura de la figura representada,
 el drapeado del vestido.

Junto a otros recursos, la obra está en una posición que muestra

movimientos serpenteados con gran naturalidad y "realismo". En
cualquier caso, la Venus emerge desde el suelo contornándose para
darle el mayor protagonismo al rostro.

El rostro representa el ideal clásico de belleza. Destacan la frente

alta, la nariz estrecha, la boca pequeña con los labios carnosos y las
mejillas lisas.

Tiene una expresión serena y melancólica. El rostro se encuentra

ligeramente girado hacia la izquierda.

El cabello rizado se encuentra recogido peinado en un moño y está

sujeto mediante una cinta.
El cuerpo ha sido perfectamente tallado, destacan el realismo en la
zona de los pechos y en la zona abdominal.

Así como la musculatura que se encuentra representada relajada. Los

detalles del cuerpo femenino son elegantes y guardan una
proporción armoniosa.

Se trata de una composición abierta, es decir, está realizada con el

objetivo de ser vista desde diferentes ángulos, destaca la línea
helicoidal que va desde la base hasta la cabeza.

También se observa un contrabalanceo en los hombros, el hombro

derecho se encuentra más bajo mientras que el hombro izquierdo
está en una posición más elevada.

Destaca el juego de luces y sombras, se aprecian el contraste entre

las finas texturas de la piel, los pechos, la texturas del cabello y de la
túnica o manto (lleno de pliegues rugosos y fuertes).

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Diapositiva 12
El tesoro persa conquistado por Alejandro y repartido por sus sucesores movió un
cambio en la mentalidad griega, hasta entonces desentendida de todo lo que fuera
actividad económica, aparte de la imprescindible para la vida corriente. Surgió, de ese
modo, un verdadero capitalismo, apoyado en el aumento de circulación fiduciaria
debido a nuevas técnicas de acuñación de moneda y de incremento de metales nobles
para su acuñación y al formidable desarrollo de las vías de comunicación, tanto
terrestre como marítimo. El aumento de capacidad de las naves y el establecimiento
de itinerarios fijos sirviéndose de los viejos caminos de los soberanos persas,
concebidos casi únicamente para un servicio militar, así como la habilitación de
puertos comerciales, contribuyó a este comercio.

El hábito de vida urbana conformó el espíritu de centenares de miles de hombres,

antes acostumbrados a la vida rural, y, al igual que ocurre en la actualidad, el progreso
del urbanismo, que constituye uno de los más claros vínculos entre aquel mundo y el
actual, formaron el carácter de la nueva sociedad.

Además, es importante destacar que mientras en la Grecia Clásica se limitaron al

campo de la Filosofía y al arte, en el período helenístico, a consecuencia del desarrollo
económico, y del enorme aumento de la vida urbana, fueron evolucionando desde un
sentido puramente estético hasta otro totalmente práctico, en lo que también puede
apreciarse una característica en común con la actualidad. Esto provocó una serie de
inventos que mejoraron el nivel de vida de esta época.

En conclusión, la importancia de este período radica en los progresos que se lograron

ya que gran parte del desarrollo de la actualidad, tiene una base ya sea científica,
literaria o artística de la etapa helenística. Además, es en este período en el que la
Grecia Clásica se universaliza, pues comienza a admitir aportaciones de pueblos
orientales. Surge de esta forma una cultura mixta, convirtiéndose el arte en un factor
de unión.

Creo que hoy en día seguimos viendo esto. El arte une a todo el mundo. A través de
ésta, podemos comprender mejor otras culturas que ni siquiera son de nuestra época
y es en parte gracias a la herencia de este período.