HISTORIA DE LA MÚSICA Y DE LA DANZA BACHILLERATO

TEMA 4 HISTORIA DE LA MÚSICA: (A) EL CLASICISMO. (B) DEL CLASICISMO AL

ROMANTICISMO: L. VAN BEETHOVEN, LA PLENITUD DEL SINFONISMO
(A) EL CLASICISMO
ÉPOCA.
 El período cultural que llamamos Barroco, desemboca en otro de carácter opuesto y de corta duración: el
Clasicismo.
 El Clasicismo marca la transición de la Edad Moderna a la Edad Contemporánea.
 Musicalmente se sitúa, aproximadamente, entre los años 1770 y 1820. (Transición 1740-1770)
 En el resto de las Artes esta época se conoce como “Neoclasicismo”, ya que se produce una nueva vuelta
a los ideales de la cultura greco-romana, basados en la razón al servicio del equilibrio y la belleza.
 La Música no puede copiar los modelos clásicos de la Antigüedad, pero si comparte la búsqueda de la
perfección formal y el ideal de belleza.

CONTEXTO SOCIO-CULTURAL.
Siglo XVIII, 2ª mitad:
Culminación de las monarquías absolutistas: el rey dispone de un poder total y su voluntad es ley.
Época de ascensión de la burguesía a amplios sectores del poder político y económico, lo que tendrá
consecuencias en el mundo de la cultura y de la música.
La “Ilustración”: movimiento intelectual que toma como base la cultura y el racionalismo. Su mejor producto
es la “Enciclopedia” francesa, resumen de los conocimientos científicos y filosóficos de la época (1751). (Las
ideas ilustradas fueron formuladas por los más destacados intelectuales del siglo, como Montesquieu y
Voltaire. En la Enciclopedia colaboraron los científicos y pensadores más importantes (Jean Jacques
Rouseau, 1712-1778), dirigidos por Diderot y D´ Alembert.)
Sus ideas son: la educación, la libertad política y el dominio de la naturaleza gracias al progreso científico.
Despotismo Ilustrado: gobierno que busca la felicidad de sus súbditos pero sin tener en cuenta su situación
real y sus aspiraciones: “todo por el pueblo, pero sin el pueblo”.
Tránsito del Siglo XVIII al XIX:
“Sturm und Drang” (Tempestad y empuje): Movimiento cultural alemán de carácter prerromántico,
con Lessing, Herder, Schiller, y sobre todo, Goethe. (Este último es el mejor paralelo de Goya y de
Beethoven, siendo los tres puente entre el clasicismo y el naciente Romanticismo.)
“Crítica de la Razón pura” de Emmanuel Kant (1724- 1804)
Revolución francesa “1789- 1794”.
En Francia como consecuencia de la Revolución francesa, se hace pública, en 1795, la Declaración de los
Derechos y Deberes del Hombre y del Ciudadano.

ESTILOS Y ESCUELAS PRECLÁSICAS:

 Estilo Galante y Rococó: (1730-1760), última etapa del barroco francés. Gracioso, fácilmente comprensible y
entretenido. J. Ch. Bach (1735-1782)
 Empfindsamer stil o Estilo sentimental, Alemania (1760-1780): Expresión inmediata del sentimiento
personal, con las formas expresivas. C. P. E. Bach (1714-1788), (considerado el padre de la sonata clásica)
 Escuela de Mannheim: (Alemania). Su aportación fue fundamental en el campo sinfónico. La orquesta
estuvo en la vanguardia de la técnica orquestal (cambios dinámicos espectaculares con el uso del
crescendo y diminuendo. Uso de las notas de la tríada ascendente en la presentación del primer tema,
introducción de los clarinetes...). A esta escuela pertenecieron J. Stamitz, F. Richter, C. Stamitz y Ch.
Cannabich

LA MÚSICA EN EL CLASICISMO: ESTÉTICA Y FUNCIÓN

El Clasicismo es el estilo de la música culta europea que se desarrolla aproximadamente entre 1770 y 1820
La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para desenvolverse en casas privadas y en
espectáculos públicos.
La música del clasicismo, siguiendo los ideales de la Ilustración y su estética, quiere expresar la idea de
perfección formal de la realidad, a través de una música alegre, bella y de formas claras, simétricas y
perfectamente equilibradas. Su lenguaje debía ser universal y no verse limitado por fronteras nacionales, ser
noble a la vez que entretenida; ser expresiva, dentro de los límites del decoro; debía ser “natural” y susceptible
de gustar de inmediato a cualquier oyente normalmente sensible.
Se intenta mostrar más la forma de las cosas, que el contenido o la ideología.
Entre los precursores del clasicismo se encuentran dos de los hijos de Bach: C.P.E. Bach y J.Ch. Bach.
Los grandes centros de difusión fueron Berlín, París, Mannheim y, sobre todo, Viena.

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Los grandes compositores del Clasicismo son: F.J. Haydn (1732-1809); W.A. Mozart (1756-1791) y las
primeras obras de L. van Beethoven (1770-1827). Trabajarán en Viena, considerada la ciudad más
importante dentro del contexto musical. Se les considera “La Primera Escuela de Viena” (Clasicismo vienés
1780)

CARACTERÍSTICAS.

- MELODÍA: Clara, sencilla, fácil de seguir y con pocos adornos. Formada por frases con una estructura muy clara,
equilibrada y simétrica (8 compases (4+4). 6 (3+3), o 16 (8+8) como modelos favoritos. Suelen constar de antecedente
y consecuente), articuladas por períodos claramente definidos por frecuentes Cadencias. Se convierte en el elemento
básico.
- ARMONÍA: Lenguaje tonal consolidado, funcional y muy jerarquizado, en torno a los grados Iº (reposo), Vº
(tensión) y IV. (La modulación (cambio de tonalidad) se emplea para desarrollar los temas y para aumentar la tensión
dramática). Uso del bajo Alberti para acompañar. Tonalidades fáciles y simples, con pocas alteraciones y
preferencia por los tonos mayores sobre los menores; por eso la música clásica aparece como alegre, brillante y
clara. (Las áreas iniciales y finales de las obras son estables y claras, con mayor tensión en las secciones centrales).
Desaparece el Bajo Continuo
- TEXTURA: Se pierde la polaridad melodía- bajo en beneficio de la “Melodía acompañada” que destaca la
melodía, aunque sin excluir otros motivos secundarios en el acompañamiento (contramelodías) que equilibran la
textura y la Homofonía. Contrapuntística en los últimos años del clasicismo en obras de Mozart y Beethoven.
- RITMO: Se suaviza la sensación de rigidez del “ritmo mecánico” barroco. El ritmo es sencillo y regular, pero no
mecánico sino buscando la naturalidad en las reglas del fraseo.
- AGÓGICA: Se mantiene estable, solo varía en función de las necesidades expresivas, pero sin excesos.
- DINÁMICA: Cambios progresivos de intensidad con fines expresivos (“crescendo” y “diminuendo). (Orquesta
de Manhein, Stamitz)
- TIMBRICA: La música instrumental es más importante que la vocal. La Orquesta crece, para adaptarse a la
sinfonía, aumentando las cuerdas y se incorporan la Trompa y el Clarinete. Se sientan las bases de la
instrumentación y orquestación modernas. Atención al colorido y sonoridad de cada instrumento. Origen del
Piano, que va sustituyendo al Clavecín. Desaparece el B.C.
- TEXTO: La configuración melódica, equilibrada y neutra, no permite la relación expresiva o descriptiva del texto.
Culmen de la llamada “Música pura”.
- FORMAS: Perfección y estabilización de las barrocas pero transformadas y formuladas de forma definitiva;
estructuras claras y transparentes.
La antigua Obertura da origen a la sinfonía moderna.
El Concierto grosso da paso al concierto solista con orquesta.
Nuevas: Moderna Sonata cuya estructura se aplicará al resto de las formas.
En la Ópera triunfa la reforma de Gluck. La ópera cómica y bufa rivaliza con la seria.
Música religiosa: menos desarrollo; dominada por lo operístico y lo instrumental.

MÚSICA VOCAL.
MÚSICA VOCAL RELIGIOSA:

La música religiosa durante el clasicismo va a estar en declive, ya que tanto la música instrumental como la Ópera
se van a convertir en los géneros preferidos por el público.
Se siguen componiendo los mismos géneros que en la etapa anterior: Misas y Oratorios. Cobra especial
importancia la “Misa de Réquiem” (Misa de difuntos).
Haydn: Oratorios “La creación” (1797) y “Las cuatro estaciones” (1801).
Mozart: Misas: “Misa de la Coronación” KV 317 (1779); “Misa en Do menor”, KV 427 (1782-1783) y el
“Réquiem” en Re menor, KV 626 (1791) su última obra.
AUDICIÓN Y ANÁLISIS: “Kyrie” “Requiem” en Rem. K.626. Mozart.

MÚSICA VOCAL PROFANA: LA ÓPERA.

El clasicismo fue uno de los periodos históricos más importantes para el género operístico.
La Ópera, nacida en el Barroco, experimentará durante el clasicismo un cambio común al resto de las formas
musicales, tendente a la naturalidad eliminará los excesos barrocos y acercará los argumentos y personajes al
nuevo público.
Se construyen más teatros, el público aumenta y los compositores encontraron en la ópera una de sus formas
favoritas de expresión.
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ÓPERA SERIA.
Especialmente en Francia, a mediados del siglo XVIII, la ópera seria había alcanzado una gran complejidad y
artificiosidad: los argumentos sobre temas mitológicos eran demasiado sofisticados y difíciles de entender, los
cantantes se inventaban partes enteras debido a la complejidad de las arias,... Esto hace que el público cada vez
estuviese más descontento con este tipo de ópera.
En 1752, en París, la representación de la ópera bufa de Pergolesi "La serva padrona", tuvo un enorme éxito
hasta tal punto que se crearon dos bandos, uno que va a defender este tipo de ópera y otro que va a estar en
contra. A este enfrentamiento se le conoce como "La querella de los bufones".
En un lado estarán los que defendían la tradición de la ópera seria francesa, mucho más elaborada que la bufa
italiana, a la que acusaban de frívola y superficial. Encabezaba este grupo Rameau. En el otro bando, estaban los
defensores de la nueva ópera que había llegado desde Italia, la cual consideraban que se ajustaba mejor a los
ideales del Clasicismo de sencillez y claridad. Era mucho más fácil de entender para todo tipo de público, ya que sus
argumentos eran mucho más cercanos al pueblo y además destacaban por la belleza de sus melodías. Al frente de
este grupo estaba Rouseau y algunos otros enciclopedistas.
Será W.C. Gluck (1714-1787), quien busque la reconciliación de ambos grupos, realizando una reforma de la
ópera seria con el fin de acercarla a lo que el público pedía. En el prefacio de su ópera "Orfeo y Eurídice" expone
los principios de la reforma que la ópera seria debía adoptar, que se resumen en los siguientes puntos:
 Utilizar música sencilla, dejando de lado la complejidad a la que había llegado la ópera seria.
 Evitar los contrastes entre recitativo y aria haciendo las arias más simples y los recitativos más expresivos.
 El argumento debe ser más sencillo y verosímil, desechando los elementos fantásticos y artificiales del
Barroco.
 La música debe estar siempre al servicio del libreto y de los personajes.
Bajo estos parámetros se va a componer la mayor parte de la ópera seria en Europa. Otras Óperas de Gluck son:
“Alcestes”; “Ifigenia en Aulide” e “Ifigenia en Tauride”.

ÓPERA BUFA.
Durante el clasicismo es cuando la ópera bufa va a ganar importancia gracias, sobre todo a la llegada de la
burguesía al poder. En Nápoles se tenía por costumbre intercalar fragmentos cómicos entre los diferentes actos de
las óperas serias. Estos fragmentos se fueron desarrollando y acabaron independizándose, dando lugar a un
género nuevo llamado ópera bufa. Esto sucedió a finales del Barroco y principios del Clasicismo.
Pronto se convirtió en el género preferido del público, que tomará el modelo de “La Serva Padrona” de
Pergolesi y alcanzará su máximo esplendor en las óperas de W.A. Mozart. Además de utilizar las mismas
características musicales que la ópera seria, la ópera bufa contaba con algunas particularidades:
 Los argumentos recogen temas de la vida cotidiana, dándoles un carácter cómico y en ocasiones sentimental.
 Utilizan el idioma de cada país y en ocasiones sustituye los recitativos por partes habladas.
 Los dúos y los conjuntos vocales se fueron haciendo cada vez más habituales.
 En los finales de acto los personajes entraban de manera gradual, de forma que la tensión iba en aumento y se
resolvía cuando todos cantaban al final.
 El lenguaje que utilizaban era asequible, sin grandes grandilocuencias.
Es un tipo de ópera más fresca y alegre que la seria, siendo su finalidad entretener a un público cada vez más
amplio y sin conocimientos musicales. Mozart será uno de los principales compositores de este género. La ópera bufa
italiana llegó a toda Europa. En Alemania se denominó Singpiel, en Francia se llamó Ópera Cómique, en
Inglaterra Ópera Balada y en España Zarzuela.

MOZART Y LA ÓPERA.
Mozart es la gran figura de la Ópera del siglo XVIII. Une lo mejor de las corrientes operísticas italiana, francesa y
alemana, creando un nuevo estilo.
Cultiva los diversos tipos de Ópera:
 El Singspiel alemán en “El rapto del Serrallo” y en “La flauta mágica”.
 La Ópera veneciana de carácter cómico en “Las bodas de Fígaro”
 La obra en la que consigue una perfección suma y en la que aúna las diversas corrientes es “Don Juan”,
llevando a la cumbre el estilo dramático, el tratamiento orquestal…
 Su influencia es decisiva en la evolución del estilo operístico.

AUDICIÓN: La Flauta Mágica (Mozart) “Der Hölle Rache” (“Aria de la Reina de la noche”).
- Dueto entre Pamina y Papageno: "Bei Männern welche Liebe fühlen”:
- “Aria de Papageno”. “Der Volgelfänger bin ich ja”

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MÚSICA INSTRUMENTAL.
INTRODUCCIÓN
Durante el Clasicismo, la música instrumental alcanza un punto álgido en la historia. La supremacía de la música
vocal que se había dado hasta la época del barroco ya se ha superado y la sociedad del Clasicismo exige una
producción de música instrumental.
A- Factores del cambio instrumental. Los dos factores importantes que provocaron la revolución instrumental fueron:
 Los avances tecnológicos que permiten la creación de nuevos instrumentos y la mejora de los antiguos.
 La implantación de un nuevo estilo de orquesta, siguiendo el ejemplo de la orquesta de la ciudad alemana
de Manheim. Dirigida por grandes directores como J. Stamitz y sus hijos, fue considerada la mejor
orquesta de Europa gracias a sus interpretaciones magistrales que suponían una innovación en la música
orquestal del momento. Su originalidad venía dada por factores como: la gran organización del timbre de la
orquesta, la utilización de reguladores exagerados o el hecho de resaltar los temas principales de las obras. El
llamado crescendo de Manheim que se hizo famoso en toda Europa.
También cabe destacar la figura de Carl Philipp Enmanuel Bach, hijo del gran músico del Barroco, que
rompiendo con el estilo musical de su padre, creó una forma directa de hacer música instrumental, mucho más cercana
a la expresión íntima del autor y a las emociones del público a quien iba dirigida. Con su libro “Ensayo sobre el
verdadero arte de tocar los instrumentos de tecla”, editado en el año 1753, creó un nuevo estilo de interpretación
que constituyó la base para los tres grandes músicos del momento: Haydn, Mozart y Beethoven.
B- Las formas instrumentales:
 La música del clasicismo quiere expresar la idea de perfección formal de la realidad, a través de una música
alegre, bella y de formas claras, simétricas y perfectamente equilibradas.
 Se perfeccionan y estabilizan las formas barrocas pero transformadas y formuladas de forma definitiva con
estructuras claras que respetan los principios compositivos de repetición, variación y contraste.
 Es así como en este período toma una enorme importancia la forma Sonata y la Sinfonía.

Las Formas instrumentales más importantes del clasicismo son:

- Moderna Sonata, cuya estructura se aplicará al resto de las formas.
- La antigua Obertura da origen a la Sinfonía moderna.
- El Concierto para solista y orquesta.
- Música de Cámara. (Dúos, tríos, cuartetos, quinteto…)

INSTRUMENTOS Y ORQUESTA

Los Instrumentos y La Orquesta.

En la 2ª mitad del siglo XVIII, la Orquesta experimenta los siguientes cambios:
- Desaparece el Bajo Continuo y con él el Clavecín. El instrumento que hará sus veces, es decir esa unión de
empaste entre los instrumentos, será la Trompa.
- El Piano surge con fuerza y será un instrumento de vital importancia.
- El tercer instrumento característico será el Clarinete. (surge a finales de 1750)
- La Orquesta crece en tamaño, se duplica la familia de la Cuerda y la de Viento crece y toma cada vez más
protagonismo. Los instrumentos de Viento-madera más importantes (Flauta, Oboe, Fagot y luego el Clarinete)
se combinan por pares para formar la sección autónoma de la madera.
- Los Trombones se utilizan en la música sacra y de escena. (Beethoven los incluye en la 5º, 6ª y 9ª Sinfonías)
Formación de la ORQUESTA CLÁSICA.
 La orquesta crece para adaptarse a la Sinfonía.
 Aumenta la sección de Cuerda: 10 violines primeros; 10 segundos; 8 violas; 6 violonchelos y 4 contrabajos.
 Viento-madera: 2 flautas; 2 oboes; 2 clarinetes; 2 fagotes.
 Viento-metal: 2 trompas; 2 trompetas.
 Percusión: 2 timbales.
 Desaparecen el Bajo Continuo y el Clave.
 Se introduce el Clarinete.
 El Piano desplaza al Clave.

FORMAS INSTRUMENTALES:

LA SONATA CLÁSICA: se convierte en el vehículo ideal para lograr el respeto a la forma y a la norma y conseguir
el equilibrio que busca la música de la época Clásica.

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La Sonata que nace en el Barroco, cambia radicalmente con la llegada del Clasicismo, dotándose de una forma muy
estricta que debe seguir el músico. Constituye la base estructural de casi toda la música instrumental de este
período. Llevan esta forma: la Sinfonía, el Concierto, la Música de Cámara (dúo, trío, cuarteto, etc.) y la Sonata
para instrumento
 LA SONATA. El término SONATA tiene dos significados:
 Como Genero: Una sonata es un género de música instrumental para uno o dos instrumentos, con varios
movimientos (normalmente 4) respondiendo el primero de ellos a la forma sonata.
La Sonata recibe diferentes nombres según la agrupación instrumental para la que se compone:
- Para instrumento solo o acompañado: Sonata.
- Para agrupaciones con un pequeño número de instrumentos: Música de Cámara (Dúo; trío, cuarteto…etc.)
- Para Orquesta: Sinfonía.
- Para instrumento solista y orquesta: Concierto.

I ALLEGRO II ADAGIO III MINUETTO O IV FINAL (F. Sonata o

(Andante o Largo) SCHERZO ( a partir Rondó)
de Beethoven)

Forma Sonata: Forma: Lied ABA Tempo: Allegretto Allegro o Presto (tonalidad
(Esquema de Sonata) Tema con Variaciones. (Tonalidad libre) principal)
Exposición-Desarrollo- (tonalidad vecina) Forma: Minueto A- B Forma Sonata, Rondó,
Reexposición. (Trío)- A´ Rondó-Sonata.
(tonalidad principal) (Tonalidad libre)

 Como Forma: Se convierte en el principal modelo de composición que se aplicará al primer movimiento de
todas las formas instrumentales. La estructura de la forma Sonata responde a un esquema tripartito,
ABA´ que consta de:
Un solo movimiento, sin interrupción, con la siguiente forma o estructura:
- Exposición. (A)
- Desarrollo. (B)
- Reexposición. (A´)
Puede tener una Introducción, antes de la Exposición, y una Coda al final del movimiento.

INTRODUCCIÓN A: EXPOSICIÓN B:DESARROLLO A´: REEXPOSICIÓN CODA.

Opcional: Puede ser Dos temas A y B Libre. En otras Se presentan los dos temas Opcional. Recoge
lenta y abarcar desde unidos por un puente tonalidades y de la Exposición con material de uno o
un acorde, como la modulante: combinando el pequeñas modificaciones. los dos temas, y
Sinfonía nº3 A: tonalidad principal. material de los dos Los dos temas A y B se mediante procesos
“Eroica” hasta los Carácter enérgico. temas principales. presentan en la tonalidad cadenciales, se
62 compases de la nº Puente modulante. principal para un mayor afirma
7, ambas de B: tonalidad vecina. carácter conclusivo. inequívocamente la
Beethoven Carácter más lírico y tonalidad principal.
melódico que el tema A.
Compositores:
Haydn: para Piano, 28 Sonatas (Divertimenti) compuestas antes de 1766. 34 Sonatas compuestas después de1766.
Mozart: 19 sonatas para Piano.
Beethoven: las 10 primeras Sonatas para Piano. (En total compone 32 Sonatas para Piano)

AUDICIÓN Y ANÁLISIS FORMA SONATA: "Sonata No. 16 in C-Dur, Kv 545: I Allegro", Mozart.
“Sonata nº 1, en Fa menor, Op. 2º 1, I “Allegro” Beethoven

MÚSICA DE CÁMARA. El estricto esquema de la Sonata fue el eje central de la música del clasicismo, dentro de la
música de cámara fue prácticamente la única que se cultivó, pero recibió nombres diferentes según la agrupación
instrumental para la que estuviera escrita. Entre las agrupaciones preferidas de la música de cámara destacan:
- Dúo: La Sonata para Piano y Violín.
- Trío: para tres instrumentos, el más utilizado es el trío de cuerda: Violín, Viola y Violonchelo. Y el trío con
Piano: Violín, Violonchelo y Piano.
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- Quinteto: de cuerda: 2 Violines, 1 Viola y un Violonchelo.

- Quinteto de Viento: Flauta, Oboe, Clarinete, Fagot y Trompa.
- Quinteto con Piano: 2 Violines, Viola, Violonchelo y Piano.
De todas las agrupaciones de Cámara, la que tiene un papel primordial es el Cuarteto de Cuerda: dos
Violines, una Viola y un Violonchelo. Se origina a partir de la sonata a trío barroca. En el Cuarteto de cuerda se unen
la personalidad y carácter de cada intérprete en un todo armónico en el que los miembros individuales son
potenciados, está escrito a cuatro partes solistas relativamente independientes y equilibradas.
La evolución del Cuarteto la realiza Haydn con los publicados entre 1768 y 1772 de la forma siguiente:
- Fijó la estructura en 4 movimientos, así como el número y tipo de sus componentes
- Trabajó la concentración temática y el equilibrio entre los diversos tiempos.
- Y sobre todo introdujo el contrapunto de forma peculiar, no concertante, por lo que consigue la integración de
la polifonía en la escritura del cuarteto.
Haydn: 77 Cuartetos de cuerda, entre ellos los titulados: “Russische Quartette” y “Preussische Quartette”. 3 Tríos para
Violín, Viola y Violonchelo; 24 Tríos para 2 violines y Violonchelo; 9 para dos Flautas y cello; 30 Tríos con Piano,
entre ellos el trío en Sol Mayor con el Rondó All´ongarese. Dúos: 7 sonatas para Violín y Piano; 6 para violín y viola.
Mozart: Dúos para violín y Piano. Dúos y tríos de Cuerdas. Tríos con Piano. Cuartetos y Quintetos de cuerda.
Cuartetos con Piano. Obras diversas como Casaciones, Serenatas, Divertimentos etc.
Beethoven: Los 6 primeros Cuartetos Op. 18
AUDICIÓN: Cuarteto Op.33, nº 2 Haydn. Cuarteto “El Emperador” Op. 76, n. 3, in C Major, II. Poco adagio
cantábile Haydn.

FORMAS ORQUESTALES SINFÓNICAS: Sinfonía y Concierto solista

 SINFONÍA: (En su forma clásica es una gran Sonata para orquesta). Forma instrumental compleja
destinada a toda la Orquesta. Consta de 4 movimientos

1º: ALLEGRO 2º: ADAGIO 3º: MINUETTO O 4º: ALLEGRO

SCHERZO

Siempre en Forma Forma Sonata, binaria, Forma ternaria Forma Rondó, Sonata o
Sonata ternaria o variaciones variaciones.

Los orígenes de la Sinfonía moderna van estrechamente unidos a los de la Sonata. Nació de la introducción
precedente de la Ópera (Obertura Napolitana: Allegro- Adagio- Allegro), que al independizarse y ampliarse, a
mediados del s. XVIII, se convierte en la Sinfonía Clásica. A los tres movimientos iniciales se les añade un cuarto,
el Minueto, formando los cuatro movimientos de la Sinfonía Clásica.

Precursores y cambios:
- En el Norte de Italia por compositores como: Sammartini y Boccherini.
- J. Ch. Bach y C. P. E .Bach, que realizan experimento similares a través de la forma Sonata, en la Escuela de
Berlín.
- La Orquesta de la ciudad de Mannheim, dirigida por Stamitz, que se convierte en el centro de la actividad
Sinfónica desde 1750.
- Viena es la tercera ciudad donde la actividad sinfónica llegará a su máximo esplendor con Haydn, Mozart y las
primeras sinfonías de Beethoven.
Se considera a Haydn, el padre de la Sinfonía, por ser quien la eleva a protagonista de la música clásica. Es el
compositor oficial del príncipe Esterhazy, por lo que su obra tiene un carácter y un gusto claramente aristocráticos.
Compone 108 sinfonías, entre ellas, son famosas. “La Chase” (nº 73), “L, Our” (nº 82), “Las Sinfonías de Londres”
(nº 93 a 104), “El Reloj” (nº 101).
Mozart, son relevantes las tres últimas Sinfonías, nºs 39, 40 y 41 o “Júpiter”. Las tres son de una expresividad,
dramatismo y densidad nunca antes alcanzada. Su innovación no es formal, sino lingüística, tanto en el ámbito tonal
como en el contrapuntístico y tímbrico.
Beethoven, de las 9 Sinfonías que compone, las dos primeras siguen el estilo clásico. 1ª y 2ª Sinfonía

AUDICIÓN: - Sinfonía nº 94 Hbo I 94, en Sol Mayor. Segundo movimiento “Andante” Haydn.
- Sinfonía nº 40, en sol menor, KV 550, I “Molto Allegro” Mozart.

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- Beethoven: Sinfonía nº5 en Do menor, Op. 67.

 CONCIERTO: Forma instrumental compleja para Orquesta y Solista, normalmente Piano, Violín o un
instrumento de viento. Consta de 3 movimientos. (Igual que la sonata pero suprimiendo el minueto o
scherzo)
1º: ALLEGRO 2º: ADAGIO 3º: ALLEGRO.

Forma Sonata con doble Exposición, Forma Sonata; binaria; ternaria o Forma Rondó, Sonata o
para su interpretación por el Solista y variaciones. Variaciones.
la Orquesta. Termina con una Cadencia
virtuosa interpretada por el Solista.

Plan Formal del Concierto clásico:

Las características fundamentales de esta forma son:
 El concierto solista es como una sinfonía compartida entre la orquesta y un solista en la que ambos tienen
la misma importancia.
 La forma del concierto es, generalmente, la misma de la sinfonía.
 Se diferencia de la sonata y sinfonía en que normalmente tiene sólo tres movimientos, prescindiendo del
minueto o scherzo.
 Otra diferencia es que los temas del primer movimiento son expuestos por la orquesta y también por el
solista, es decir, suele tener cada uno dos exposiciones.
 En esta forma y, para el lucimiento del solista, suele haber una Cadenza o Cadencia al final del primer
movimiento.
 El último movimiento es casi siempre un rondó, que permite la brillantez del final.
 El lenguaje del solista se escribe en estilo virtuoso, para permitir su lucimiento.

Será Mozart quien establezca la forma definitiva del concierto para Piano (compuso 28 para piano), con los
compuestos entre 1785 y 1791, y la culminación del Concierto de la Coronación (nº 28). Compuso otros importantes
para Violín, Trompa, Arpa, Clarinete, Oboe, etc.
Haydn, 9 Conciertos para Piano, y también otros para Órgano, Violín, Trompeta, Trompa....
Beethoven, con sus 5 Conciertos para Piano será es que lleve el género a la cumbre, sobre todo con el nº 5 “El
Emperador”. Es igualmente importante el de Violín.
AUDICIÓN: 2º movimiento (Adagio) del Concierto para Clarinete y Orquesta en La M. KV 622, Mozart.
- Concierto para Piano y Orquesta nº 20, en Re m, KV 466, 1 mov.

EL CLASICISMO EN ESPAÑA:
MÚSICA ESCÉNICA:
 LA ÓPERA: Influencia de la Ópera italiana. Compositores como Vicente Martín y Soler (1754-1806)
triunfarán en Europa con obras escritas en estilo italiano.
 LA ZARZUELA: El compositor principal es Antonio Rodríguez de Hita (1724-1787) con zarzuelas
costumbristas, como “Las labradoras de Murcia”
MÚSICA INSTRUMETNAL:
 Tiene como centro principal La Capilla Real de la Corte, a la que llegarán músicos italianos como Luigi
Boccherini (1743-1805), que destaca por su obra para Cámara, en la que integra la influencia de la música
popular española con aires de danza y rasgueos de Guitarra.
 MÚSICA PARA GUITARRA: Durante el Clasicismo la Guitarra alcanzará una gran popularidad gracias a la
publicación de tratados para aficionados. El compositor más destacado es Fernando Sor (1778-1839), se le
considera el fundador de la moderna escuela de guitarra española.

LA DANZA EN EL CLASICISMO.
- El nacimiento del verdadero Ballet: El Ballet d´action.
A mediados del s. XVIII el Ballet se transforma de la mano del bailarín y coreógrafo francés Jean G. Noverre
(1727-1810).
Crea un nuevo género de Ballet en el que la danza, el mimo y la música pueden contar una historia sin tener
que recurrir a la poesía o la canción. De esta manera nace el Ballet moderno, concebido como la conjunción de
música, coreografía y escena, unidos para expresar una idea dramática.
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- La danza de sociedad: el Minueto.

A finales del s. XVIII, la danza de moda entre la aristocracia es el Minueto.
El Minueto es una danza de pasos de origen francés con ritmo ternario y movimiento tranquilo. Tiene una
forma tripartita compuesta por:
 Un primer minueto. (A)
 Un segundo minueto, llamado trío (en origen compuesto para un trío de instrumentos). (B)
 Repetición del primer minueto. (A)
El Minueto se introduce también en la música instrumental como movimiento habitual de la Sinfonía, la Sonata
y la Música de Cámara.

COMPOSITORES.

Franz Joseph HAYDN, compositor austriaco (Rohrau an der Keita, Austria, 1732-Viena 1809). Considerado el padre
de la Sinfonía, porque lleva esta forma a ser protagonista de la música clásica. Es el compositor oficial del príncipe
Esterházy, por lo que su obra tiene un carácter y gusto aristocrático. Algunas de sus obras se inspiran en melodías
populares. Sus composiciones abarcan prácticamente todos los géneros: vocales, instrumentales, religiosos y profanos.

Obras.

 108 Sinfonías, entre ellas la nº 92 “Oxford”, nº 94 “La sorpresa” nº 101 “El reloj”.
 9 Conciertos para Piano. 5 para Violín. 3 para Violonchelo. Concierto para Trompeta. Para Trompa.
 Música de Cámara: Dúos, tríos, cuartetos.
 28 Sonatas para Piano.
 Música religiosa: 4 Oratorios, entre ellos destacan “La Creación”; “Las estaciones”. Misas.
 15 Óperas.

Wolfgang Amadeus MOZART, compositor austriaco (Salzburgo, 1756-Viena 1791). Uno de los compositores más
influyentes en la historia de la música occidental. Niño prodigio, a los cuatro años tocaba el Piano; entre los seis y a
los siete compone varias obras. A pesar de su corta vida tiene una abundante producción cifrada en cerca de 800 obras.

Obras:

 41 Sinfonías.
 27 Conciertos para Piano. Diversos Conciertos para Violín y también para Flauta; Trompa y Clarinete.
 Divertimentos. Serenatas. Marchas, etc.
 19 Sonatas para Piano. También para Piano Minuetos; Variaciones; Fantasías.
 Música de Cámara: Dúos y Tríos de Cuerda. Tríos y cuartetos con Piano. 36 Sonatas para Violín y Piano.
Cuartetos y Quintetos de Cuerda. Otros para con instrumentos de Viento.
 20 Óperas: “El rapto del Serrallo” “Don Juan” “La flauta mágica”.
 Religiosas: Diversas Misas. Entre ellas el “Réquiem”, su última obra.

(B) DEL CLASICISMO AL ROMANTICISMO: L. VAN BEETHOVEN, LA PLENITUD DEL SINFONISMO.

SOCIEDAD:

La vida de Beethoven (Bonn, 1770-Viena 1827), coincide de lleno con el período de las primeras revoluciones
sociales y las grandes transformaciones del ordenen económico. Cuando solo contaba 6 años, en 1776, se produjo
la Independencia de los Estados Unidos de América, cuya constitución recoge los principios ideológicos de la
Ilustración. Pero el suceso más importante, de la historia de Europa, es la Revolución Francesa (1789-1794). Las
ansias de libertad tanto tiempo contenidas y el querer aplicar inmediatamente la ideología progresista burguesa
precipitaron los acontecimientos. A la Declaración de los Derechos Humanos y a la Constitución sigue la
proclamación de la República y el ajusticiamiento de Luis XVI en 1793.
El Congreso de Viena (1814-15) está presidido por una ideología reaccionaria que pretende dar marcha atrás en
la historia y volver al antiguo orden, consiguiéndolo durante las primeras décadas del siglo XIX a base de favorecer
la reimplantación de monarquías absolutas (Austria, España, Prusia).

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Pero la semilla de las nuevas ideas basadas en la libertad, la igualdad y la fraternidad, lema de los
revolucionarios, no tardará en derribar el absolutismo de la mayor parte de los países, estableciendo formas de
gobierno que respetases la voluntad del ciudadano, la igualdad ante la ley y la libertad de las personas.
PANORAMA ARTÍSTICO- CULTURAL: El prerromanticismo:

En la segunda mitad del siglo XVIII comenzará a sentirse una cierta fatiga y rebeldía contra las normas y ataduras
clásicas. La transición entre Neoclasicismo y Romanticismo no será brusca, ni en la Literatura ni en las artes, ni
en la música.
La vigencia de este período prerromántico podría colocarse aproximadamente entre 1775 y 1830.
Frente a la “Diosa razón” precedente, que quiere justificar cerebralmente la creación de las obras, surge la
revolución del sentimiento, que rechaza toda regla o atadura formal.
En Alemania es donde surgirán los primeros teorizantes del movimiento prerromántico, con el movimiento
literario llamado “Sturm und Drang” (tempestad y empuje) de Lessing, Herder, Schiller y, sobre todo, de
Goethe. Este último es el mejor paralelo de Goya y de Beethoven, siendo los tres puente entre el Clasicismo y el
naciente Romanticismo.
El filósofo Schopenhauer será quien mejor delimitará el cometido de la música para el hombre romántico. Para él
la música, que es la imagen de la voluntad insaciable de placer, es el refugio interior, donde, perdiéndose de vista
la realidad, no llega la voluntad ni el dolor.
El prerromanticismo francés, preludiado por Rousseau, colocará a la Naturaleza pura y salvaje como centro del
hombre en vez de Dios.
En España también se trata de exaltar lo exótico, primitivo y las viejas glorias del siglo XVI, los poetas de la 2ª
Escuela Salmantina y Sevillana, y, sobre todo, Meléndez Valdés y Cadalso (“noches lúgubres”).
En Arte, las ideas neoclásicas perviven incluso dentro del siglo XIX (Luis David, Ingres Canova, Thorwaldsen),
sobre todo en la arquitectura y escultura. La “balsa de la Medusa” de Gericault, podría ser la pintura que mejor
anticipa tanto al Romanticismo como al Realismo.
En Música, si prescindimos de algunos atisbos románticos de profundidad expresiva en las últimas obras de
Mozart (“Réquiem”) o de Haydn (“La Creación”), suele considerarse a Beethoven como el puente del Clasicismo
al Romanticismo, en cuanto que él liberó a la música del indigno cometido de criada del mundo elegante, para
convertirla en vehículo de la propia expresión. Pero el paso surge en él no como una rebelión contra los clásicos,
sino como una necesidad de ensanchar el camino precedente para poder expresar sus sentimientos.
Los músicos que adquirieron su madurez hacia 1830 se habían formado en las corrientes literarias
anteriormente mencionadas, por lo que su música, a partir de tal fecha, será muy distinta, evocativa, expresiva
y cercana a la literatura. Este factor explicaría el apogeo de la canción o Lied y del poema sinfónico, formas
nacidas bajo la influencia de la literatura de la época.

BEETHOVEN. (Bonn 1770- Viena 1827).

Su importancia histórica:
Es uno de los más grandes genios de todos los tiempos, su música representa el nexo entre el Clasicismo, que
clausura, después de llevarlo a la cima, y el Romanticismo, cuyas puertas abre.
Recoge la herencia de Felipe Manuel Bach, Mozart y Haydn, dentro de la técnica de la Escuela de
Mannhein, evolucionando progresivamente por la fuerza y vigor de la expresión hasta retroceder en su último
período hasta Bach.
Su principal mérito quizá resida en ser el transformador del cambio de función social de la música.
Convierte la música de patrimonio de unos pocos aristócratas en patrimonio de la Humanidad, al llevar la
música y el mensaje interno del creador, de los salones de los nobles al concierto público.
Su obra domina casi toda la producción instrumental del siglo XIX. Muchos de los compositores del siglo
XIX prefirieron derivar hacia otros estilos y formas al no poder sobrepasar al genio de Bonn.

Su vida: (Bonn 1770- Viena 1827)

Nace en Bonn el 16 de Noviembre de 1770, en el seno de una familia modesta. Su padre cantor de la Capilla de
Bonn, le dio las primeras lecciones de Piano, Violín y Flauta. Los malos tratos de su padre, alcohólico, dejarán una
honda huella en toda su existencia.
Fija su residencia en Viena en 1792 y estudia con varios maestros como Haydn, Schend, Albrechsberger,
Salieri y Foster.
Es un excelente pianista y conocedor de la Literatura universal (Shakespeare, Goethe, Schiller...). Dedicado de
lleno a la composición, vive de sus publicaciones y de las lecciones que daba entre las familias de la aristocracia,
cuyas amistades y ayuda económica se granjeó. No sirve a nadie.

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A finales de 1801 se acrecienta su sordera, cuyos primeros síntomas se habían manifestado desde 1787,
creándole una profunda depresión de la que nos queda testimonio en el Testamento escrito en Heiligenstadt,
que le pone al borde del suicidio.
Política y civilmente se considera a sí mismo como un moderno demócrata y republicano. No soporta el
dominio de los tiranos, por eso borrará de su tercera sinfonía el título de “Heroica” cuando supo que Napoleón
Bonaparte, a quien iba dedicada, se había hecho coronar Emperador.
No fue dichoso en amores. No se casó. No se sabe con certeza quién era la “amada inmortal” de algunas de sus
cartas.
La sordera marcará su vida y carácter con un sello que se refleja necesariamente en su música.
Los desequilibrios, pues, de su desgraciada infancia, los fracasos amorosos, los impulsos revolucionarios (que
se hunden con la reimplantación en 1814, tras el Congreso de Viena, de los gobiernos reaccionarios), y su sordera,
son los factores que forjarán su temperamento pasional, que llega a ofender a sus amigos, pero que también sabe
humillarse y pedir perdón afectuosamente. De ahí que como buen romántico, se refugie en su música, en su soledad
y en la contemplación de la naturaleza, que compensarán en él la ausencia de comunicación con el mundo
exterior.
Componía lentamente y en un estado de gran excitación. Meditaba y borraba mucho.
En los últimos años de su vida la sordera es casi total. Muere en Viena el 27 de Marzo de 1827

Su Estilo:
- Su música es una continua lucha interior, dolor y rebeldía, como lo fue su vida. Al no poder comunicarse con
el mundo exterior mediante la palabra, concentra toda su fuerza dramática en su música.
- La pasión, la dinámica, el contraste, los cambios impulsivos y emocionales dominan toda su obra. Con
Beethoven la música se convierte en una efusión lírica del mundo interior del artista.
- No crea formas nuevas, amplía las ya existentes, dándoles nueva vida, y libera las formas clásicas del
formulismo en el que habían caído.
- Su escritura es segura, firme y armónica; sólo incidentalmente es contrapuntística.
- La forma “tipo Sonata” dominará la mayoría de sus obras (cuartetos, sonatas, sinfonías y conciertos); por
eso participa del clasicismo. Pero establece numerosas variantes, una de ellas es la de reemplazar el
“Minué” del tercer movimiento por un “Scherzo”, más movido.
- Es una gran maestro en el arte de la Variación de los temas, que amplifica (Sonata nº 30; las 33
variaciones sobre un tema de Diabelli..etc.)
- Es un maestro consumado en el desarrollo de los temas. Asombra ver como de temas tan simples como las
4 primeras notas del comienzo de la 5ª Sinfonía, haya sacado tanto partido: antítesis, deducciones,
alargamientos, transformaciones rítmicas y melódicas, etc.
- Crea un estilo nuevo en el tratamiento del Piano, cuya técnica amplía mediante virtuosismos, vigor,
contrastes, matices, etc. Son característicos los acordes llenos y pesados en el registro grave del
instrumento.
- Introduce en la Orquesta el uso de nuevos instrumentos, como el Contrafagot, Trombones, Flautín;
amplía la percusión, etc.
- En la Sinfonía nº 9 añade coros y solistas

Su obra:
Se divide en tres períodos, fundamentados principalmente en la evolución de la forma Sonata.
- Primer período: clásico, de imitación o de asimilación (1795-1801). Las obras de este período se relacionan
directamente con Haydn y Mozart. Se incluyen los 6 primeros Cuartetos Op. 18, las 10 primeras Sonatas
para Piano (incluye la “Patética”), y la 1ª y 2ª Sinfonía.
- Segundo período: de realización o transición (1801- 1815). Síntesis del pasado y mirada hacia el futuro. La
coincidencia de su sordera y fracasos amorosos le apuntan ya el camino futuro del arte como confidente y
expresión de sus ideas y sentimientos. El primer toque fue la 3ª Sinfonía o “Heroica”. Sin abandonar las
formas precedentes, las adapta libremente a sus ideas, reteniendo tan sólo lo que no interfiera en su
inspiración; algunas sonatas sólo tiene tres movimientos y en otras falta el movimiento lento. También
pertenecen a este período la 5ª, 6ª. 7ª y 8ª Sinfonía, hasta el Cuarteto nº 11, Sonatas nº 12 al 27 (Op.22
hasta el Op. 90), el Concierto para Piano nº5, y “Fidelio” su única ópera.
- Tercer período o de contemplación (1816-1827). Al refugiarse en su mundo interior, su inspiración vuela ya
libre de toda atadura. El genio se sublima y se acentúan las innovaciones. En los movimientos se
entremezclan nuevos episodios y temas; mayor empleo del estilo contrapuntístico /fuga y recitativo

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dramático, mayores dificultades interpretativas, etc. Aquí se incluyen desde la Sonata 28 a la 32 para
Piano, la 9ª Sinfonía, los últimos Cuartetos y la Misa Solemne.
También son importantes sus Oberturas; los 5 Conciertos para Piano y Orquesta y uno para Violín. A los que
hay que añadir Variaciones, dúos, tríos, Septimino, serenata...
Pero lo más sobresaliente de su producción quizá sean las 32 Sonatas para Piano, las 9 Sinfonías y los 17
Cuartetos para Cuerda, 10 Sonatas para violín y piano, 7 para violonchelo, 2 Misas (incluida la Misa solemne), 6
oberturas (“Coriolano”, “Egmont”, “Las Criaturas de Prometeo”, 3 de “Leonora” para la ópera Fidelio).
Canciones a “Adelaida” y a la “Amada ausente”, que son el prenuncio del Lied alemán.
A través de las Sonatas para Piano se puede seguir casi toda la evolución del estilo beethoviano. Con
frecuencia en las del segundo y tercer período el nº de movimientos se reduce a tres y hasta dos. No sigue siempre el
orden tradicional, comienza a veces con un lento o adagio en vez de un allegro (la “Patética”), y en las sonatas
nºs. 12, 13 y 14 (“Claro de luna”) se suprime el Allegro del premier movimiento. En las últimas sonatas aparece
la fuga y la variación. Beethoven traduce en ellas sus alegrías y sus penas. Se oponen movimientos y temas en una
lucha tenaz, triunfando siempre el gigante. A veces saca del piano sonoridades que lo hacen parecerse a una orquesta.
Las 9 Sinfonías sobresalen por la calidad excepcional de sus temas, el vigor de sus ideas y la pericia de sus
desarrollos. Las más conocidas son la 3ª Heroica, la 5ª, la 6ª “Pastoral”; la 7ª llamada por Wagner “apoteosis de
la danza” y la 9ª, donde rompiendo todo molde agrega un coro y cuatro solistas, que interpretan la “Oda a la
alegría” de Schiller, con tema amplio y profundo, pero sencillo, canta genialmente la alegría humana, el dolor y la
fraternidad de todos los hombres.
INNOVACIONES.
- En algunas sonatas suprime uno o más tiempos. Sustituye el tradicional Minueto por un Scherzo, de
forma más libre.
- Invierte a veces el orden acostumbrado de los tiempos.
- En las últimas sonatas utiliza la Fuga, con lo que las obras ganan en interés dramático, al igual que con
ciertos recitados instrumentales y vocales, como el que sirve de introducción a los coros de la Novena
Sinfonía.
- En las últimas obras, la libertad de forma es absoluta, con audacias armónicas que rompen con todos los
moldes establecidos.
- Beethoven se sirve de la forma únicamente para expresar sus sentimientos, dejando que la inspiración
corra libremente.
- Lucha con voluntad férrea por dar fiel reflejo musical a la tragedia y al dolor de su vida interior,
volviéndose hacia sí mismo. Esto es ya un rasgo romántico.
Colocado entre dos épocas, clasicismo y romanticismo, Beethoven participa de ambas tendencias, convirtiéndose
en una de las figuras de mayor personalidad que haya existido, no sólo en lo musical. Es humano como pocos,
impetuoso y apasionado a veces, delicado otras, sublime muchas y siempre reflejando en su vida y en su obra un gran
corazón, noble y generoso.

AUDICIONES:
- Sonatas.
- Concierto para Piano y Orquesta nº 5, en Mib Mayor “Emperador”, Op 73. 1ºmov.
- Sinfonía nº 5, en Do menor, Op 67, 1er mov.
- Sinfonía nº 9, en Re menor, Op 125, 4º mov. “Coral”.

MÚSICA INSTRUMENTAL.
Realizar audiciones de diferentes obras para diferenciar los conceptos de: Sonata; Música de Cámara; Sinfonía
y Concierto.
TEXTOS

1- La música vocal en el Clasicismo

“Busqué confinar a la música a su verdadera función de servir a la poesía en la expresión de los sentimientos y a las
situaciones de la trama sin interrumpir ni enfriar la acción mediante inútiles y superfluos ornamentos. Soy de la
creencia de que la música debe dar a la poesía lo que la viveza de los colores y las luces y sombras bien dispuestas
contribuyen a un dibujo bien compuesto, animando las figuras sin alterar sus contornos. Además soy de la creencia de
que la mayor parte de mi labor era buscar una sencillez hermosa y evitar la exhibición de dificultades a expensas de
la claridad. No he asignado ningún valor al descubrimiento de algo novedoso, a menos que lo sugiriese de manera
natural la situación y la expresión. Además, no hubo regla que no considerase con gusto como digna de ser
sacrificada con el solo motivo de crear un efecto.” Gluck. Prefacio de Alceste.

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a) ¿Qué importancia tuvo Gluck en la reforma de la ópera?

b) Explica la expresión “la mayor parte de mi labor era buscar una sencillez hermosa y evitar una exhibición de
dificultades”, referida a la ópera en la Clasicismo frente a la ópera barroca.
c) Comenta brevemente la diferencia entre ópera seria y ópera bufa en este período.

2- La música instrumental en el Clasicismo

“En un estilo en el que, como ocurre en la actualidad con el de los alemanes, hay una mezcla de pueblos diferentes,
cada nación halla algo con lo que tiene afinidad y, por consiguiente, nunca puede disgustarle. Al reflexionar sobre
todos los pensamientos y experiencias mencionadas anteriormente... hay que conceder una preferencia al estilo
italiano puro sobre el francés de igual categoría. Sin embargo, debido a que el primero ya no está enraizado con la
misma fuerza que antes y se ha convertido en atrevido y extravagante, y que el segundo se ha conservado demasiado
sencillo, todo el mundo estará de acuerdo en que un estilo en el que se mezclen y fundan los buenos elementos de
ambos, deberá ser, sin duda alguna, más universal y agradable. Pues un estilo de música que sea recibido y aceptado
por muchos pueblos y no sólo por una sola nación, una sola región o una tierra en particular, un estilo de música que,
debido a las razones apuntadas, sólo encontrará aprobación, deberá ser, si también se funda en un juicio sano y en
sentimientos buenos, el mejor de todos”. J. J. Quantz. On playing the flute.

a) ¿En qué medida la internacionalización de la vida y el pensamiento del siglo XVIII tuvo su equivalente en música?
b) ¿Por qué el autor se muestra partidario de un estilo en el que se mezclan las distintas pautas nacionales?
c) Explica qué significa el término “Empfindsamkeit” referido a la música de mediados del siglo XVIII.

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