UNIVERSIDAD NACIONAL MAYOR DE SAN MARCOS
(Universidad del Perú, Decana de América)
Facultad de Derecho y Ciencia Política
PINTURA Y ESCULTURA DE MÉXICO (1970-2020)
Arte y Literatura del Perú y América Latina
GRUPO 1
Presentan los alumnos
Baltazar Poma, Felix Clinton
Ccoyllo Sanchez, Alonso Sebastian
Lobato Noriega, Angie Itaty
Martinez Carrion, Emily Adriana
Mendoza Llanos, Richard Adrian
Montañez Quiroz, Sandy
Novoa Llerena, Lucero Beatriz
Pino Vasquez, Gianella Milagros
Paredes Prado, Genesis Lorena
Santos Chavez, Gabriela Selene
Zafra Ortiz, Ariana Josselyn
Docente
Mg. Georgina Antonieta Verde Márquez
LIMA – PERÚ
2022-2
INTRODUCCIÓN
El arte en México alcanzó un auge importante en el siglo XVI. tanto en edificios
religiosos como en viviendas intergeneracionales. Esto aplica a los monasterios de Acolman,
Huejotzingo, Tecamachalco y Zinacantepec. En su mayoría eran pintores locales y se dice
que fueron asesorados por los hermanos que los hicieron. También aparece en manuscritos
como el Códice Mendocino, donde los temas religiosos se difunden con la construcción de
templos y casas. En la Nueva España, como en otras partes de la nunca vecindad, el retrato se
convirtió en una parte importante del repertorio artístico a partir del siglo XVII,
especialmente en el siglo XVIII. Se esperaba que el retrato reflejara las virtudes morales y la
piedad del retratado.
PINTURA
"Pintar es lo más magnífico que existe, pero hacerlo bien es muy difícil". Frida Kahlo. A lo
largo de la historia la pintura mexicana ha tenido gran relevancia en el mundo del arte, esta ha
buscado siempre resaltar por sobre las otras con características muy singulares
correspondiente a la cronología de cada una de estas, se podría decir que la pintura mexicana
siempre ha mantenido una estrecha relación entre el tiempo y la representación de la sociedad
en esta (Bernando Couto,1872). Por tanto, es entendible que la pluralidad de aspectos visibles
en estas obras responda al contexto histórico presente en ese momento.
Evidencia de lo antes comentado son las obras pictóricas que hoy comentaremos, por ejemplo
los murales de Cacaxtla los cuales datan de mucho más de mil años de antigüedad, estas
pertenecientes a las antiguas culturas mexicanas, un ámbito muy interesante de esta es que a
pesar del tiempo ha mantenido su estado de conservación mostrando aún sus colores
originales con ello no solo brinda un gran deleite visual si no también una gran información
referente a la antigua cultura mexicana pues representa el ritual de sacrificio dado en nombre
del dios del maíz.
Murales de Cacaxtla
Ahora bien, si continuamos observando las obras resaltantes en el tiempo es imposible no
mencionar la pintura de “la virgen de Guadalupe” de Marcos Cipac de Aquino, esta es una de
las imágenes más famosas y de hecho una de las más icónicas y representativas de México,
esta es el resultado del proceso de mestizaje y la identificación de una virgen con rasgos de la
raza mexicana, y ya no sólo del típico estereotipo español.
Virgen de Guadalupe-Marcos Cipac de Aquino (1550 aprox)
Como tercer punto tenemos a la asunción de la virgen, está perteneciente al virreinato
mexicano de Nueva España, donde Juan Correa como hijo de afrodescendientes decides
retratar esta pieza que hoy se encuentra en la catedral de México, esta muestra el ascenso de
la virgen María al cielo, acompañada además de ángeles, un punto restante de esta obra es
que posee una influencia marcada en las ideas iconográficas de la cultura europea sin
intención de aplicar elementos propios de la cultura mexicana manteniendo un gran contraste
con la obra anterior.
Asunción De la virgen María - Juan Correa
En cuarto lugar, hablaremos del pintor y muralista Antonio Gonzalez Orozco, quien se inició
en el mundo de la pintura gracias a su padre, quien lo presentó con el maestro muralista
Leandro Carrión, de la ciudad de Chihuahua al igual que González. A los 20 años, viajaría a
estudiar en Ciudad de México, donde conoció a quien sería su maestro más importante, el
afamado artista Diego Rivera. La obra de González Orozco, catalogada como parte del
realismo poético, consiste principalmente en pinturas tanto en caballete como en murales, en
las que destaca acontecimientos importantes de la historia mexicana con un enfoque
figurativo. Es de destacar la pintura llamada “Juárez, símbolo de la República frente a la
intervención francesa”, realizada el año 1972 en el Salón de Carruajes Históricos del Castillo
de Chapultepec.
Juárez, símbolo de la República frente a la intervención francesa - Antonio González Orozco
(1972)
El quinto artista que se mencionará es Eliseo Garza Aguilar, pintor y performista,
considerado como uno de los principales exponentes del arte provocador y reflexivo del
Tercer Milenio. Nacido en Ciudad de México, empezó su carrera artística en su país natal
luego de concluir sus estudios básicos. Posteriormente, pasó una temporada viviendo en
China, la cual funcionó como fuente de análisis de los que derivaría su obra; además, otros
artistas como Edvard Munch y Francisco Toledo sirvieron también como inspiración para
Garza. Sus pinturas se encuentran distribuidas en galerías y colecciones privadas de diversas
partes del mundo, una de las más destacadas es “La Consagración de la Primavera”, acrílico
sobre lienzo y exhibida por primera vez el año 2009
La Consagración de la Primavera - Eliseo Garza Aguilar (2009)
Por último, mencionaremos al pintor Daniel Lezama. Nacido en la capital mexicana, su obra
se caracteriza por un estilo académico, definido como “naturalista” por sí mismo, en este
utiliza símbolos e imágenes del discurso nacionalista mexicano, reinterpretándola en
contextos contemporáneos. Suele retratar temas fuertes, y en su obra es evidente la influencia
tanto de artistas mexicanos del siglo XIX y XX, como de pintores europeos como Rubens,
Caravaggio y Goya. Una de sus obras más importantes es la llamada “El sueño del 16 de
septiembre” presentada el año 2001.
El sueño del 16 de septiembre - Daniel Lezama (2001)
ESCULTURA
Como menciona Mitzy Pulido (2019): "La escultura es una de las artes más antiguas (...)
fueron catalogadas como obras maestras y destacan por su monumentalidad". Por ello,
mencionaremos unas cuantas características.
❖ En los años 70, el Salón de la Plástica Mexicana presentó el Salón Anual de
Escultura, junto con el de dibujo en 1971 y a la par el de grabado en 1972.
❖ En este tiempo se optó por dar paso a nuevas expresiones de arte escultural, dejando
de lado los materiales tradicionales de este proceso.
❖ Todo cambio/innovación tiene una reacción. Mientras los escultores investigaban
nuevos lenguajes plásticos y los desarrollaban en sus obras, los críticos intentaban
darles alcance e intentaban valorarlas, obligados a inventar denominaciones para las
nuevas propuestas estéticas.
❖ No es posible afirmar que estas innovaciones escultóricas fueron
inspiradas/influenciadas gracias a los sucesos políticos y sociales del movimiento del
68.
❖ Las esculturas de este tiempo son consideradas como bienales nacionales (de México)
por su autoexpresión, renovación y autenticidad.
❖ 1971 se organizó el Primer Salón Anual de Escultura presentado por el Museo de Arte
Moderno.
❖ En los años 80 aparecen más escultores jóvenes con quienes se acaba el
individualismo, y se pasa a una etapa de colectividad.
❖ Se diferencian por sus objetivos y por sus temáticas.
❖ Presenta tres corrientes: indígena, socialista y neoclásica.
★ CASO JORGE MARÍN:
Nacido en México en 1963, Jorge Marín tiene una notable carrera artística con más de
150 exposiciones en América Latina, Estados Unidos y Europa.
Las esculturas en bronce de Jorge Marín reflejan la fuerza intrínseca y la fuerza que
emana de su creación y le permite al artista construir cuerpos dinámicos, llenos de
movimiento, que desafían la gravedad y giran en el espacio apoyado en un punto. Las
obras de arte de Jorge Marín representan la lucha entre la frialdad del bronce y las
diversas emociones que evoca el sujeto: el balance perfecto de los equilibristas y sus
figuras aladas se ha convertido en su sello particular.
Otro rasgo notable en el trabajo de las esculturas de Jorge Marín es la máscara, un
intento de despersonalizar sus esculturas y convertirse en otro medio de expresión de
un cuerpo que contiene símbolos universales en sí mismo. Jorge Marín ha
incursionado en diversas dimensiones escultóricas, desde miniatura a monumental, el
formato se ha exhibido tanto en México como en el extranjero, aprovechando el
espacio público, generando un diálogo sin precedentes entre la obra de arte y el
espectador, que es igual a la monumentalidad de un par de Alas que son cómplices de
personajes fantásticos que, en cuadrados y crestas, se integran en el mobiliario.
★ CASO JOSÉ LUIS CUEVAS
Nació el 26 de febrero de 1934 en la capital de México, realizó trabajos no solo para
su país natal sino también para Nueva York, Francia y España. Debido a que le
gustaba distorsionar figuras, las obras que más resaltan de dicho escultor fueron
dibujos tanto de criaturas deformes como de las desgracias que sufría el mundo
contemporáneo, esto producía muchas controversias con diversos artistas y escritores.
Asimismo, se le caracteriza porque rechaza al muralismo y al nacionalismo, lo que
lleva a su sobrenombre “el maestro de lo tenebroso”. Su objetivo era ofrecer una
visión existencialista de la condición humana que traía consigo la desesperanza. Las
esculturas estaban hechas a base de metales como el bronce y el hierro, las más
conocidas fueron el tamborilero de Alcázar (1991), autorretrato (1995), giganta
avanzando (1995) y figura obscena (1996). En el ámbito de premiaciones, a finales de
los noventa recibe el premio Tomás Francisco Prieto, el cual se presenta de manera
anual para el reconocimiento de la trayectoria profesional y humana de los artistas,
también Cuevas escribió una columna semanal en Excélsior (periódico de la vida
nacional), entre otras. El expresidente Enrique Peña Nieto lo considera como un
individuo sinónimo de libertad, creación y universalidad.
¿Cuál es el artista más importante de México y a que se debe su
reconocimiento?
En opinión conjunta del grupo, se considera a Diego Rivera como el artista más importante
del país mexicano, ya que este fue uno de los muralistas más grandes del
siglo XX.
Diego Rivera nació en Guanajuato, México el año 1886 y desde muy
pequeño mostraba inclinación hacia el dibujo, por ello entró a una
academia de dibujo, donde fue alumno de diversos artistas reconocidos
en ese entonces, uno de ellos José María Velasco. Tiempo después iría a
Europa a estudiar pintura donde recibió una buena
formación realizando estudios de diversas obras y talleres. En una
oportunidad, en su residencia en Francia conoció a Alfonso Reyes Ochoa y
Pablo Picasso, quien hizo que Rivera presente interés y se adentrara en el
movimiento cubista y gracias a esto, según Lelia Driben, Diego aportó de
gran manera a la cultura mexicana, donde introdujo las artes plásticas a la
modernidad. Luego de esto, Rivera mostraría un acercamiento al postimpresionismo por la
influencia de Paul Cézzane, donde su popularidad aumentó debido a los acabados y colores
llamativos que empleaba en sus obras. En 1910 al haber iniciado la Revolución Mexicana,
“Diego Rivera plasmó una ideología contundente sobre el proyecto de nación posterior a la
Revolución mexicana, al igual que una estética innovadora que puso los pilares para un
nuevo arte de carácter nacional.” (Schmidt, 2021). En 1920, se dirigió a Italia para estudiar el
arte renacentista y volvió a su país el año siguiente participar en el renacimiento de la pintura
mural junto a una estética innovadora que puso pilares para un nuevo arte de nivel nacional,
también se dedicó a estudiar las culturas mexica y maya, lo que tiempo después se evidenció
en sus obras ya que se observa el empleo de figuras y trazos gruesos semejantes a los de esa
época, también fundó el Sindicato de Obreros, Técnicos y Escultores, que dió inició a la etapa
más fundamental del movimiento muralista mexicano. En 1929 contrajo matrimonio con la
famosa pintora Frida Kahlo, quien también es una de las figuras más representativas del arte
mexicano, sobretodo por sus autorretratos, cabe mencionar que Diego Rivera también se unió
al Partido Comunista Mexicano y mostraba su adhesión a la causa socialista, en su residencia
en Estados Unidos mostró un mural que incluye la figura de Lenin, lo que causó polémica y
llamó la atención de la prensa norteamericana, que acabó siendo destruida. En la década de
los cuarenta siguió realizando su actividad de muralista en diversos lugares y así llegó a su
país con diversas obras y colecciones, como menciona National Geographic (2019) “Rivera
ha sido considerado el portavoz de los indígenas y el gran portavoz de la historia de México,
convirtiendo sus obras en el símbolo de una nación.” El artista murió a finales de noviembre
de 1957 en su hogar.
Luego de conocer el recorrido personal y profesional de Rivera, se procederá a mencionar las
obras más relevantes y significativas que tiene ya que debido a eso es que él es reconocido y
valorado como artista. Las cuales son:
- Paisaje zapatista (1915)
- Zapata Líder Agrario (1931)
- Vendedora de Flores (1934)
- El Cargador de Flores (1935)
- Unidad Panamericana (1940)
CONCLUSIÓN
La expresión artística mexicana tanto en pinturas como esculturas tuvo una gran
influencia y auge en el pasado sentando las bases para lo que en la actualidad es el arte
contemporáneo del país. Hubo grandes artistas reconocidos por sus obras, en este caso
mencionamos a Diego Rivera quien ha mostrado ser un artista auténtico e irremplazable.
Además, queda como reflexión que elaborar este trabajo nos permitió como equipo
poder conocer, valorar y apreciar el arte mexicano.
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