La imagen visual en perspectiva histórica

Nos encontramos frente a un cambio cultural y a un re-posicionamiento del valor de la palabra y de la

imagen como transmisoras de conocimiento e información. Este re-posicionamiento se relaciona con las
transformaciones que han producido la revolución tecnológica y la nueva industria de la información.
Proponer un acercamiento a la problemática de la imagen en la cultura contemporánea y hacer una muy
breve referencia a sus repercusiones en la formación de las nuevas generaciones. Más específicamente, me
propongo tratar la cuestión de la importancia y el valor que han adquirido las imágenes como fuente de
conocimiento e información en el mundo contemporáneo.

(Vanguardismo hace referencia a escuelas o tendencias artísticas del siglo XX con intención
renovadora, de avance y exploración, así como las vanguardias en arte se nos presentan como un producto
reflejo de la revolución industrial, del auge de la ideología del progreso, de la fe ilimitada en las ciencias y en
las doctrinas positivistas [ideas que conforman el paradigma de la modernidad]… también podrían ser
consideradas como un fenómeno de reacción.)

La imagen moderna y la imagen posmoderna

Arte Moderno generalmente se asocia con el siglo 1870-1970, aproximadamente desde el impresionismo
hasta el arte pop. A pesar de varias catástrofes mundiales: La Gran Guerra (1914-18), La Pandemia de
Influenza (1918-19), el Desplome de Wall Street y la Gran Depresión (finales de 1920, 1930), que socavaron
muchas de las certezas morales de la época, artistas modernos generalmente conservaba la creencia en las
leyes científicas fundamentales de la razón y el pensamiento racional. En términos generales, como la
mayoría de los occidentales de la época, creían que la vida tenía sentido; que el progreso científico fue
automáticamente bueno; que el Occidente cristiano era superior al resto del mundo; que los hombres estaban
por encima de las mujeres. Los modernistas también creían en el significado, la relevancia y la progresión
del arte, especialmente las bellas artes y la arquitectura. Siguiendo los pasos de Leonardo y Miguel Ángel,
creyeron en el “alto arte”, un arte que eleva e inspira al espectador cultivado, en lugar de un “bajo arte” que
simplemente divierte o entretiene a las masas. Adoptaron un enfoque innovador, viendo el arte como algo
que debería progresar constantemente, liderado por un grupo líder de artistas de vanguardia. La Segunda
Guerra Mundial y el Holocausto judío revirtieron todo. París fue reemplazada abruptamente por Nueva York
como la capital del arte mundial. A raíz de Auschwitz, todos arte representativo – excepto Arte del
holocausto – parecía repentinamente irrelevante, por lo que los pintores modernos recurrieron a arte abstracto
(aunque lleno de emoción, simbolismo o animación) para expresarse. Sorprendentemente, durante la década
de 1950, el Escuela de nueva york – presentando Las pinturas de Jackson Pollock así como la pintura más
tranquila de Color Field de Mark Rothko, encabezó una recuperación temporal del arte a ambos lados del
Atlántico. Estos pintores de vanguardia lograron redefinir el sobre para pinturas abstractas, pero se
mantuvieron dentro de los límites del modernismo. Creían en la creación de obras de arte auténticas y
terminadas con contenido importante. Pero la era “modernista” estaba llegando a su fin inexorablemente. Las
crecientes revelaciones de la Shoah, las pruebas de bombas atómicas, la Crisis de los misiles cubanos (1962)
y la Guerra de Vietnam (desde 1964), hicieron que la gente se desilusionara cada vez más de la vida (y el
arte). Ya, a mediados de los años 50, Jasper Johns y Robert Rauschenberg había producido las primeras obras
de estilo postmoderno de Neo-Dada y Pop. Pronto, el pop-art convencional marcaría el comienzo de la
posmodernidad propiamente dicha.

El término posmodernidad se utiliza para designar generalmente aun amplio número de movimientos
artísticos, culturales, literarios y filosóficos de finales del siglo XX, que se extienden hasta hoy. En principio
surge como oposición o superación de las tendencias de la Edad Moderna. Frente a la idea de progreso,
evolución e innovación de las vanguardias artísticas, el arte posmoderno defiende la cultura popular, la
hibridación; se caracteriza porel eclecticismo, la mixtificación, el “nomadismo” (ir de un estilo a otro),a
“deconstrucción” (tomar elementos estilísticos del pasado. Realiza mezclas de imágenes del arte
tradicional con el cómic, el graffiti, imágenes publicitarias o de medios de comunicación de masas, el arte
povera realizado con materiales de desecho, el land art o arte ecológico, el body art, el arte digital y el
net.art. También recurre a todo tipo de técnicas artísticas, desde las tradicionales a las derivadas de la
nuevas tecnologías. El collage, el montaje, el pastiche son medios utilizados en la creación de la obra.
Los temas tratados tienden a romper conceptos y normas de las bellas artes, saltándose conceptos
tradicionales de nacionalidad, género, familia. El arte es una forma de producción y reproducción cultural
solo se entiende teniendo en cuenta el contexto de la cultura de origen y recepción. Intentan cancelar el
elitismo entre arte superior e inferior. Rechazan la noción de progreso lineal. El artista es concebido como un
espejo de la sociedad, lo que incluye las representaciones del capitalismo e industrialismo y al mismo tiempo
una forma de crítica cultural. Rechaza la idea de que el “arte” es algo “especial” que debería “elevarse del”
gusto popular. Coincidiendo con una serie de nuevos desarrollos tecnológicos, el posmodernismo ha llevado
a casi cinco décadas de experimentación artística con nuevos medios y nuevas formas de arte, incluyendo ”
Arte conceptual “, varios tipos de ” Arte de performance “y” Arte de instalación “, así como movimientos
asistidos por computadora como el deconstructivismo y el arte de proyección. Utilizando estas nuevas
formas, artistas posmodernos han estirado definición de arte hasta el punto de que casi “todo vale”.

Ideología General
El arte posmoderno refleja una desilusión generalizada con la vida, así como el poder de los sistemas de
valores existentes y / o la tecnología para efectuar un cambio beneficioso. Como resultado, la autoridad, la
experiencia, el conocimiento y la eminencia del logro se ha desacreditado. Los artistas son ahora mucho más
cautelosos acerca de grandes ideas (por ejemplo, todo el “progreso” es bueno). El arte moderno era visto no
sólo como elitista sino también como blanco, dominado por hombres y desinteresado de las minorías. Es por
eso que el posmodernismo defiende el arte de artistas del Tercer Mundo, feministas y grupos minoritarios.
Sin embargo, los críticos dicen que – a pesar de su supuesto “rechazo” de las grandes ideas – el arte
posmoderno parece tener un montón de grandes ideas propias. Los ejemplos incluyen: “todos los tipos de
arte son igualmente válidos”; “El arte se puede hacer de cualquier cosa”; “La democratización del arte es una
cosa buena”.

Educación artística
El postmodernismo cambió las prioridades educativas en numerosos colegios de arte. Durante la década de
1970, el arte de la pintura (y en menor medida la escultura), fue visto como desgastado. Además, la idea de
trabajar durante cuatro años para dominar las habilidades necesarias de estas artes plásticas tradicionales, se
consideró retroceder. El arte, se creía, debía ser liberado de la élite y abierto al público, por lo que las
escuelas de arte comenzaron a convertirse en un nuevo tipo de graduado – alguien familiarizado con formas
postmodernistas al estilo instantáneo, así como técnicas básicas de producción. En pocas palabras, la
“creatividad” individual se consideraba más importante que la acumulación de habilidades artesanas.
Uso de la tecnología

La era del arte postmoderno ha coincidido con la llegada de varias nuevas tecnologías basadas en imágenes
(por ejemplo, televisión, video, serigrafía, computadoras, Internet) y se ha beneficiado enormemente de ellas.
La nueva gama de imágenes vídeo y fotográficas ha reducido la importancia de las habilidades de dibujo y
manipulando la nueva tecnología, los artistas (especialmente los que están involucrados en los nuevos
medios, como la instalación, el vídeo y el arte basado en lentes) Los procesos tradicionales involucrados en
“hacer arte”, pero todavía crear algo nuevo. Esto es ilustrado por la fotografía documental de Diane Arbus,
que se centra en los miembros de las minorías en la ciudad de Nueva York, y el videoarte del coreano-
americano Nam June Paik (1932-2006).

El enfoque posmodernista en la cultura popular / baja

El término alta cultura es utilizado frecuentemente para distinguir la alta cultura, o las bellas artes, de la baja
cultura popular de medios de comunicación, etc. Los modernistas, junto con sus partidarios influyentes como
Clement Greenberg (1909-94) consideraban la cultura baja como inferior a la alta cultura. Por el contrario,
los posmodernistas -que favorecen una idea más “democrática” del arte- ven a la “alta cultura” como más
elitista. Así, el pop-art -el primer movimiento posmodernista- hizo arte a partir de artículos de consumo
ordinarios (hamburguesas, latas de sopa, paquetes de jabón en polvo, tiras cómicas). Los artistas pop y otros
fueron aún más lejos en sus intentos de democratizar el arte, imprimiendo su “arte” en tazas, bolsas de papel
y camisetas: un método que por cierto ejemplifica el deseo posmodernista de socavar la originalidad y la
autenticidad del arte.

Mezcla de géneros y estilos

Desde el Neo-Dada, los posmodernistas han disfrutado mezclando cosas – o inyectando elementos
novedosos en formas tradicionales – para crear nuevas combinaciones y pastiches. Fernando Botero crea
pinturas de figuras primitivas de figuras obesas; Georg Baselitz pinta figuras al revés. Gerhard Richter
combinó el arte de la cámara y la pintura en sus «pinturas fotográficas» de los años 70, mientras que Jeff
Koons combinó imágenes consumistas (formas de globos) con técnicas escultóricas altamente acabadas para
crear sus esculturas pop de Balloon Dog (1994-2000). Mientras tanto, Andreas Gursky combina la fotografía
con imágenes generadas por computadora para crear obras como Rhein II (1999, MOMA, Nueva York),
mientras que Jeff Wall utiliza fotomontaje digitalmente procesado en sus creaciones pictorialistas
posmodernas.

Múltiples Significados

Los artistas posmodernos han desechado la idea de que una obra de arte sólo tiene un significado inherente.
En cambio, creen que el espectador es un juez igualmente importante de significado. La fotografía surrealista
de Cindy Sherman, por ejemplo, resalta la idea de que una obra de arte puede ser interpretada de varias
maneras. De hecho, algunos artistas -como el artista de actuación Marina Abramovic (1.946) – incluso
permiten a los espectadores participar en sus “obras de arte”, o incluso exigir la intervención de los
espectadores para completar su trabajo.

Satisfacer las necesidades de los consumidores

El crecimiento del consumismo y la gratificación instantánea durante las últimas décadas del siglo XX
también ha tenido un enorme impacto en el arte visual. Los consumidores ahora quieren la novedad. También
quieren entretenimiento y espectáculo. En respuesta, muchos artistas posmodernistas, curadores y otros
profesionales han aprovechado la oportunidad para convertir el arte en un “producto de entretenimiento”. La
introducción de nuevos tipos de arte -por ejemplo, performance, happenings- junto con nuevos temas
incluyendo cosas como tiburones muertos, moscas moribundas, enormes esculturas de hielo, multitudes de
cuerpos desnudos, edificios que parecen estar en movimiento, una colección de 35.000 figuras de terracota,
islas envueltas en tela de polipropileno rosa, cuerpos pintados, fantasmagóricas imágenes proyectadas en
edificios públicos, etcétera- han proporcionado a los espectadores una serie de nuevas experiencias (a veces
chocantes). Si estas nuevas formas de arte llaman realmente el “arte” sigue siendo un tema muy
controvertido. Los conceptualistas posmodernos dicen “Sí”, los tradicionistas dicen “No”.

Se concentra en el espectáculo

En la ausencia de un significado real a la vida – sobre todo cuando somos bombardeados día y noche por la
radio y la publicidad de televisión, mientras que al mismo tiempo se ven obligados a escuchar a los políticos
explicar que dos más dos es igual a tres – posmodernistas han preferido centrarse en el estilo y Espectáculo,
a menudo utilizando materiales publicitarios y técnicas para el máximo impacto. Este enfoque se ejemplifica
por los métodos de impresión comercial, imágenes de vallas publicitarias y colores primarios de artistas pop
como Roy Lichtenstein y James Rosenquist. Este enfoque en la superficie es una característica recurrente del
arte postmodernista, ya veces va por encima de la parte superior con imágenes melodramáticas,
deslumbrantes, incluso chocante. Vea, por ejemplo, la fotografía de moda de Nick Knight y David
LaChapelle. Desde 1980, el uso de computadoras y otras tecnologías ha revolucionado el arte multimedia
(por ejemplo, animación), y ha creado oportunidades específicas en áreas como la arquitectura y la
cartografía de proyección.
La importancia que el posmodernismo pone en llamar la atención de la audiencia se ilustra perfectamente
con las tácticas de choque de un grupo de estudiantes de Goldsmiths College, conocidos como los jóvenes
artistas británicos, en Londres a finales de los años ochenta y noventa. Hecho famoso por tres exposiciones –
Freeze (1988) y Modern Medicine (1990), ambos comisariados por un estudiante desconocido llamado
Damien Hirst (1969) y Sensation (1997) – los YBAs fueron criticados por su escandaloso y mal gusto
(Rachel Whiteread, Damien Hirst, Douglas Gordon, Gillian Wearing, Chris Ofili, Steve McQueen y Mark
Wallinger) se convirtieron en ganadores del premio Turner, mientras que otros (Jake y Dinos Chapman,
Tracey Emin, Marc Quinn y Jenny Saville) alcanzaron considerable fama y fortuna.

Roy Lichtenstein

James Rosenquist.

Actividad

1-Hacer un cuadro comparativo de arte moderno y arte posmoderno

2-Escoger una obra moderna y una obra posmoderna (autor y significacion de la obra)
3-Realizar una obra apartir de la combinacion de las elegidas en el punto anterior (tecnica
mixta)
4-Escoger una obra moderna y recrearla al posmodernismo