Pintura renacentista
Características Generales de la Pintura Renacentista:
1. Evolución durante el Renacimiento
- Basada en las experiencias de Giotto.
- Introduce innovaciones fundamentales para la pintura moderna.
2. Variedad de Técnicas
- Pintura mural al fresco.
- Pintura de caballete sobre madera con temple de huevo hasta mediados del S. XV.
- Introducción del óleo y el lienzo por influencia flamenca y veneciana.
3. Temas:
- Religiosos o profanos (mitológicos, alegóricos e históricos).
- Secularización de temas religiosos, tratando a los personajes como humanos.
- Aumento de importancia del retrato en la Florencia del S. XV.
4. Inclusión de Arquitectura y Naturaleza:
- Introducidas como fondo en las escenas.
5. Perspectiva:
- Gran logro del Renacimiento.
- Perspectiva lineal (Quattrocento) y perspectiva aérea (Cinquecento).
6. Composición:
- Simétrica y organizada en esquemas geométricos elementales.
- Excepción en el Manierismo.
7. Importancia del Dibujo:
- Destacada en el Quattrocento.
- Pierde relevancia frente al color en el Cinquecento.
8. Tratamiento de la Luz:
- Conceptual en el Quattrocento.
- Dirigida e iluminación selectiva en el Cinquecento.
9. Expresión:
- Figurativa, naturalista e idealizada.
- Énfasis en la belleza y proporción del cuerpo humano.
- Desnudez como medio de exhibición de conocimientos anatómicos.
- Rompimiento con la belleza ideal en el Manierismo.
La Pintura del Quattrocento
La pintura del Quattrocento se distingue por su enfoque en el dibujo como delimitador de
formas, la captación de la profundidad del espacio utilizando las leyes de la perspectiva, y la
composición. Se destaca el estudio detallado de la anatomía humana y del paisaje que
rodea a las figuras. Se emplea la luz para unificar el ambiente y definir los planos. En la
pintura mural se sigue utilizando el fresco, mientras que sobre tabla se emplean el temple y
el óleo, especialmente en la segunda mitad del siglo XV.
La primera generación florentina
Durante la primera mitad del siglo, hay artistas que aún mantienen conexiones con el gótico,
como Fra Angélico, mientras que otros muestran preocupación por el espacio y el volumen,
incorporando elementos clásicos, como Masaccio, Paolo Ucello y Piero de la Francesca.
- Fra Angélico (1395-1455):Representa la continuidad con el gótico, pero introduce
elementos renacentistas como la perspectiva y el volumen.
- Masaccio (1401-1428): Considerado el introductor del nuevo estilo renacentista, aplicó la
perspectiva lineal y creó la sensación de profundidad en sus obras.
- Paolo Ucello (1397-1475): Destacó por su dominio de la perspectiva y pintó escenas de
batallas con gran interés narrativo.
- Piero de la Francesca (1416-1492): Su interés por la perspectiva, las matemáticas y la
geometría se refleja en sus obras, que se caracterizan por figuras geométricas y
escultóricas, así como por el uso magistral de la luz y el color.
- 2ª Generación florentina
A partir de 1460, la pintura adquiere mayor detallismo, refinamiento decorativo y
suntuosidad, influenciada por el estilo flamenco. Destacan Sandro Botticelli y Domenico
Ghirlandaio.
- Sandro Botticelli (1445-1510): Admirador de la belleza femenina, sus obras se
caracterizan por figuras elegantes y sensuales, con un estilo que combina elementos
góticos con renacentistas.
- Domenico Ghirlandaio (1449-1494):Conocido por su arte narrativo y por sus retratos, que
muestran habilidad para captar la psicología de los personajes y los detalles de la vida
cotidiana.
Escuela de Umbría
En la segunda mitad del siglo surge una escuela preocupada por el espacio abierto y por la
creación de paisajes luminosos y simétricos. Su principal representante es Perugino
(1448-1523), maestro de Rafael, conocido por figuras delicadas y paisajes ordenados.
LA PINTURA DE CINQUECENTO
En el primer cuarto del S. XVI, durante el Pleno Renacimiento, Roma se convierte en el
centro artístico hacia el que los Papas atraen a los grandes artistas. La pintura de este
periodo se caracteriza por:
- La claridad y sencillez en los temas y en las composiciones.
Se eliminan los elementos superfluos.
-Las composiciones son sencillas, generalmente, de esquemas triangulares.
- Las formas son severas y monumentales.
- Se abandona la preocupación por el dibujo y los contornos muy definidos de las figuras y
hay un predominio de la luz y el color sobre la forma. La luz tiene un tratamiento más real y
un interés por el juego de luces y sombras.
- La culminación de los ideales clásicos: búsqueda de la belleza ideal, del orden, de la
simetría, el equilibrio y la serenidad.
Leonardo da Vinci (1452-1519) representa el arquetipo de “hombre renacentista”
interesado por todas las ramas del saber: pintura, escultura, matemáticas, biología,
ingeniería, aeronáutica, música.
Quattrocento los rasgos de su pintura.
-Claridad compositiva y monumentalidad de sus figuras- lo convierten en un representante
del Cinquecento.
Además, rompió con tradición florentina de predominio de la forma para pintar de forma más
suelta preocupándose más de los efectos de la luz abriendo el camino a la escuela
veneciana y a la pintura moderna.
-Estudio de ser humano –de sus rasgos físicos (estudios anatómicos) y de los gestos que
reflejan el carácter y las emociones - y de la naturaleza que le rodea.
El estudio de la naturaleza le llevó a sus dos principales aportaciones:
- La perspectiva aérea: representación de la profundidad haciendo menos nítidos los planos
del fondo porque la mayor cantidad de atmósfera que interfiere desdibuja los contornos y
colores.
- La técnica del sfumato: los contornos se difuminan utilizando contrastes suaves de luces y
sombras que dan a las figuras un aire enigmático y mutable al envolverlo todo en una
neblina que produce la impresión de inmersión en la atmósfera.
Entre sus obras más destacadas están:
La Virgen de las Rocas (hacia 1483). Representa una escena religiosa con la Virgen, San
Juan niño, el Niño Jesús que hace un gesto de bendición con la mano y un ángel. La obra
tiene una composición piramidal con un suave claroscuro para modelar los volúmenes. El
fondo es un paisaje rocoso verde y húmedo envuelto en neblinas de contornos difuminados
por la lejanía.
Entre 1495 y 1497 pinta La Última Cena. Recoge le momento tenso y dramático en el que
Cristo comunica a los Apóstoles que uno de ellos le ha traicionada. Este lo sirve para
expresar las distintas reacciones emocionales (mediante gestos) de cada uno de los
personajes según su carácter. El uso de la perspectiva es perfecto.
La Gioconda (1503). Óleo sobre tabla. Es un En el retrato hay dos focos de atención: el
rostro con una expresión tranquila, una sonrisa apenas dibujada y misteriosa, y las manos
de un minucioso modelado. Los detalles están muy cuidados. El paisaje es casi onírico. La
composición es equilibrada y piramidal. En esta obra lleva al extremo el sfumato y el
tratamiento de la luz a través del claroscuro creando una atmósfera que envuelve a la figura
en un velo misterioso. El retrato tuvo gran influencia ya en su época; por ejemplo, Rafael
adoptó esta técnica en sus retratos posteriores.
Rafael Sanzio (1483-1520) fue un destacado pintor del Renacimiento italiano, conocido por
su estilo personal caracterizado por el equilibrio, la armonía y la serenidad. Nacido en
Urbino, mostró talento desde joven y trabajó con el pintor Perugino, adoptando su riguroso
orden compositivo y rostros delicados. En Florencia, bajo la influencia de Leonardo da Vinci
y Miguel Ángel, pintó obras como la Madonna del Gran Duque, la Madonna del Jilguero y la
Madonna del Prado, que reflejan su belleza idealizada y composiciones piramidales. Tras
ser llamado por el papa Julio II a Roma, decoró varias estancias en el Vaticano, destacando
la Stanza della Signatura con temas humanistas como La disputa del Sacramento y la
Escuela de Atenas. También fue reconocido como retratista y nombrado arquitecto de San
Pedro tras la muerte de Bramante.
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) fue un destacado artista del Renacimiento italiano,
conocido por su dominio en la escultura, la pintura y la arquitectura. Su primera pintura
importante fue el Tondo Doni, una obra que refleja su estilo original y vigoroso, con figuras
musculosas y expresivas. En 1508, fue llamado a Roma por el Papa Julio II para decorar la
Capilla Sixtina, donde creó impresionantes frescos que representan escenas del Génesis y
profetas bíblicos. En 1536, pintó el Juicio Final en la misma capilla, mostrando un cambio
hacia el manierismo con figuras alargadas y dramáticas. Aunque admirado por su genio
artístico, sus representaciones de desnudos en la Capilla Sixtina generaron controversia, y
algunas figuras fueron cubiertas durante siglos por órdenes religiosas.
LA PINTURA MANIERISTA
Este estilo artístico, surgido en Italia en el Alto Renacimiento (de 1527 a fines de siglo), en
el que la pintura adquirió un gran desarrollo.
- Una reacción anticlásica que rechaza el ideal de belleza equilibrada y serena: gusto por la
desproporción, la tensión, el movimiento exagerado, la falta de claridad y la ambigüedad.
- Las figuras estilizadas, de cánones alargados, con exagerados escorzos, dando la
sensación de inestabilidad.
- Formas curvas y helicoidales que cubren todo el espacio.
- Los colores fríos e irreales (muchas veces no corresponden con la realidad de los objetos
representados) y muy contrastados.
- Las composiciones tienen diversos ejes, generalmente diagonales.
Jacopo Pontormo, influenciado por Miguel Ángel, distorsiona y alarga los cuerpos en
obras como "El Descendimiento", rodeándolos de ropajes flotantes. Su discípulo, Agnolo
Bronzino, destaca en "Venus abrazada por Cupido", censurando los vicios con seductores
cuerpos pálidos. En Parma, Corregio, influenciado por Leonardo y Rafael, pinta escenas
como "Dánae" y "El Rapto de Ganimedes", destacando la belleza del colorido y la sensación
de ingravidez. Parmigianino, formado junto a Corregio, muestra una estilización extrema en
obras como "La Virgen del cuello largo", con colores fríos y una luz irreal.
El pintor veneciano, Tintoretto, y El Greco se incluyen también en esta corriente
La pintura veneciana
La pintura veneciana se distingue por su culto al color sobre el dibujo, la sensualidad en la
representación de cuerpos femeninos y objetos lujosos, la exaltación del lujo y la riqueza, la
importancia del paisaje y temas anecdóticos, y la inclusión de elementos exóticos. Este
estilo se desarrolla gracias a las condiciones únicas de Venecia, como la neblina que
difumina los contornos, la luz dorada, la prosperidad de la sociedad y la influencia oriental
por el comercio.
En el siglo XV, Giorgione, figura misteriosa, destaca por su énfasis en el color, la técnica de
pinceladas sueltas y la representación de paisajes y desnudos. Obras como "La Tempestad"
y "La Venus de Dresde" muestran su habilidad para evocar misterio y sensualidad.
En el siglo XVI, los tres grandes representantes son Tiziano, Veronés y Tintoretto. Tiziano, el
más prominente, se distingue por su estilo personal que privilegia el color sobre la forma. Es
conocido por sus retratos, mitologías y temas religiosos, donde destaca la sensualidad y la
maestría en el uso del color y la luz.
Veronés se especializa en escenas de lujo y grandeza, con composiciones arquitectónicas y
figuras ricamente adornadas. Sus obras reflejan la alegría y el placer de la vida veneciana,
con una paleta cromática vibrante y detalles exquisitos.
Tintoretto, influenciado por Tiziano y Miguel Ángel, se caracteriza por su estilo dinámico y
teatral, con composiciones asimétricas, fuertes escorzos y dramáticos claroscuros. Sus
obras religiosas, como "El milagro de San Marcos" y "Susana y los viejos", exhiben su
habilidad para crear escenas cargadas de tensión y emoción.
Obras a comentar: 84. El tributo de la moneda. MASACCIO 85. La Trinidad. MASSACIO
86. Anunciación* FRAN ANGÉLICO 87. Madonna del Duque de Urbino. PIERO DELLA
FRANCESCA 88. El nacimiento de Venus. BOTTICELLI 89. La primavera. BOTTICELLI 90.
Virgen de las Rocas. LEONARDO DA VINCI 91. La Última Cena. LEONARDO DA VINCI
92. La Gioconda. LEONARDO DA VINCI 93. La Escuela de Atenas. RAFAEL 94. Capilla
Sixtina 95. Autorretrato. SOFONISBA ANGUISSOLA 96. Retrato de la familia Aguissola.
ANGUISSOLA 97. La Virgen del cuello largo. PARMIGUIANINO 98. La Tempestad.
GIORGIONE 99. Carlos V en Mühlberg.. TIZIANO 100.Venus de Urbino TIZIANO 101.El
lavatorio. TINTORETTO 102.Las bodas de Canaá. VERONÉS
EL ARTE ESPAÑOL DEL SIGLO XVI
Se introducen de forma lenta y tardía (finales del S. XV), a pesar de que las relaciones con
Italia son intensas en la época de los Reyes Católicos. La presencia de artistas italianos en
España o el viaje de artistas españoles a Italia. En un primer momento sólo se introducen
elementos decorativos
En el Renacimiento español se asimilan las formas clásicas pero escasamente la ideología
humanista, crítica y secular.
El triunfo de la Contrarreforma acentúa el del arte español. Esto es el reflejo del escaso
desarrollo urbano, comercial y burgués de una sociedad en la que la iglesia siguen siendo
las clases dominantes.
El desarrollo del arte renacentista está ligado a la a las familias nobles adineradas
LA ARQUITECTURA
El estilo plateresco, que abarca la primera mitad del siglo XVI durante el reinado de los
Reyes Católicos, es una fusión de elementos renacentistas, mudéjares y góticos en la
arquitectura. Se caracteriza por fachadas profusamente decoradas, con columnas
entrelazadas, blasones y escudos que aportan un aire de majestuosidad. Aunque inspirado
en el Renacimiento, el plateresco carece de unidad y equilibrio, mostrando influencias
islámicas y góticas flamígeras en su gusto por la decoración exuberante.
La obra cumbre del plateresco se encuentra en Salamanca, con la Fachada de la
Universidad diseñada por Enrique Egas. Esta fachada destaca por su ornamentación
detallada y organizada en frisos y calles, que incluyen grutescos, amorcillos, animales
reales y fantásticos. La decoración se gradúa en tamaño de abajo hacia arriba, pensando
en el espectador, y se remata con una crestería y columnas abalaustradas.
Enrique Egas también dejó su huella en otras obras importantes como el Hospital de la
Santa Cruz en Toledo, la Catedral y la Capilla Real de Granada. Otros edificios destacados
del plateresco incluyen San Gregorio y San Pablo en Valladolid, la Escalera Dorada de
Diego de Siloé en la catedral de Burgos, y los hostales de San Marcos en León y de los
Reyes Católicos en Santiago de Compostela.
El estilo purista, desarrollado paralelamente al plateresco y que alcanzó su apogeo
durante el reinado de Carlos V, se caracteriza por la búsqueda de la pureza y la simplicidad
en la arquitectura. Inspirado en los viajes de artistas españoles a Italia y la influencia de
obras clásicas, el purismo se manifiesta en la utilización de espacios lisos, bóvedas de
cañón y vaídas, y una decoración reducida y proporcionada.
La fachada ya no es tratada como un elemento separado, sino que está integrada en un
conjunto arquitectónico claro y ordenado. Esta adopción tardía del clasicismo renacentista
se refleja en la reducción del papel de la decoración y en un aspecto severo, monumental y
equilibrado. Ejemplos destacados del purismo son la Fachada de la Universidad de Alcalá
de Henares, diseñada por Rodrigo Gil de Hontañón, y el Palacio de Carlos V en la Alhambra
de Granada, obra de Pedro Machuca.
A diferencia del plateresco, el purismo se centra en la simplicidad, la claridad y el orden, y
tiene una influencia limitada en la arquitectura española posterior debido a su rareza y a
menudo quedó incompleto.
El estilo herreriano, también conocido como estilo escurialense, se desarrolla en la
segunda mitad del siglo XVI durante el reinado de Felipe II y se encuadra dentro del
manierismo. Juan de Herrera, arquitecto de gran influencia, fue su principal exponente y
creador de un estilo propio basado en la total ausencia de decoración, la proporción
matemática y el empleo del orden gigante en las columnas.
El edificio más representativo del herrerianismo es el Monasterio del Escorial, encargado
por Felipe II para conmemorar la victoria de San Quintín y como un símbolo de su poder y la
religión católica. El monasterio, un complejo cultural con una biblioteca importante, se
destaca por su falta de decoración y su monumentalidad. La austeridad decorativa subraya
la espiritualidad y el espíritu austero del monarca.
La planta del edificio es un amplio cuadrilátero dividido en tres partes, con la iglesia en el eje
central y rodeada por el palacio del monarca y el monasterio. La horizontalidad de las
ventanas y las líneas horizontales en las fachadas enfatizan la solidez y pesadez del
conjunto. Los elementos decorativos se reducen a una combinación estudiada de elementos
constructivos, como las ventanas enmarcadas y los frontones de las puertas.
Desde el punto de vista formal, el herrerianismo se caracteriza por su complejidad y su
ruptura con las normas clásicas, utilizando elementos renacentistas para empequeñecer y
abrumar al espectador. Aunque originalmente asociado con el espíritu de la Contrarreforma
y el Imperio español, el estilo herreriano tuvo un renacimiento durante el periodo inicial del
franquismo.
Escultura
En el siglo XVI, la escultura española experimenta una transición gradual de formas góticas
a renacentistas, influenciada por la protección de los reyes y nobles que importan obras o
traen artistas italianos y franceses. La escultura renacentista se caracteriza por la
predominancia del relieve, la expresión realista sobre la belleza ideal y el uso de la madera
policromada en retablos, donde se alterna el relieve y la imagen exenta. Aunque el mármol
y la piedra se reservan principalmente para monumentos funerarios, el bronce apenas se
utiliza en la escultura española.
En el primer tercio del siglo XVI, hay un grupo de escultores que siguen dentro de la
tradición realista, pero gradualmente se introducen formas renacentistas. Diego de Silóe y
Damián Forment son ejemplos destacados de esta evolución, con obras como el retablo de
la Capilla del Condestable y el retablo mayor de la basílica del Pilar de Zaragoza,
respectivamente.
En el segundo tercio del siglo XVI, la escultura renacentista española alcanza su momento
cumbre, destacando dos autores de la escuela escultórica de Valladolid. Estos artistas
asimilan las formas renacentistas italianas y las fusionan con el espíritu religioso español,
creando obras de gran relevancia artística y devocional.
Alonso de Berruguete, escultor de origen borgoñón educado en Italia, se caracteriza por su
preocupación por la perfección técnica y su fusión de influencias renacentistas y
borgoñonas con el ambiente castellano. Sus obras, como el Retablo de San Benito en el
Museo de Valladolid, muestran una expresión dramática y un sentido religioso marcado,
destacando el sacrificio y el martirio.
Berruguete se aleja de la búsqueda de la belleza ideal y enfoca en cambio en la expresión
de los sentimientos, como se evidencia en obras como el Retablo del Santo Entierro en la
catedral de Segovia y el Entierro de Cristo en el Museo de Escultura de Valladolid. En estas
obras, todo está diseñado para expresar angustia y dolor, desde la composición hasta el
movimiento de los paños y los gestos de las figuras.
Juan de Juni, otro destacado escultor del siglo XVI, también muestra influencias de Miguel
Ángel y se destaca por su realismo dramático, como se ve en obras como El Santo Entierro
de la catedral de Segovia y El Entierro de Cristo en Valladolid.
En el último tercio del siglo XVI, se introduce el Manierismo en la escultura, destacando la
escultura regia desarrollada por artistas como Leone Leoni. La obra más importante de
Leoni es el grupo funerario de Carlos V y Felipe II en el presbiterio de la iglesia del Escorial,
realizada en bronce dorado y esmaltes, que muestra monumentalidad, realismo y estudio
anatómico.
La pintura renacentista española se desarrolla tardíamente debido a la influencia italiana,
adaptándose a las demandas de una clientela eclesiástica predominantemente. Se
caracteriza por su temática religiosa, siendo un vehículo de expresión de la fe católica y una
herramienta de propaganda contra el protestantismo.
La técnica más utilizada es el óleo sobre tabla y lienzo, y se observa una progresiva
introducción de técnicas renacentistas italianas, como el interés por el dibujo, la figura
humana y la perspectiva lineal. Destaca Pedro Berruguete, cuya obra combina influencias
flamenca e italiana, y Juan de Juanes, que fusiona el sfumato de Leonardo con la influencia
de Rafael.
En la segunda mitad del siglo XVI, la influencia de Miguel Ángel y la pintura veneciana se
hace evidente, y se introduce el Manierismo, un estilo caracterizado por colores fríos,
formas desproporcionadas y movimientos exagerados. Destaca Luis de Morales, conocido
como "El Divino", por sus obras piadosas de gran misticismo y expresividad.
En la corte de Felipe II, destacan los pintores italianos que decoran el Escorial y los
retratistas como Alonso Sánchez Coello, Antonio Moro y Juan Pantoja de la Cruz.
El Greco, uno de los pintores manieristas más importantes, nació en Creta y se formó en
contacto con la iconografía de los iconos. En Venecia, adoptó el uso del colorido brillante y
los modelos compositivos italianos, mientras que en Roma se impresionó con las figuras
musculosas de Miguel Ángel. Al no encontrar éxito en Italia, viajó a España atraído por la
grandeza del Escorial y la corte española.
En su etapa inicial en Toledo, mantuvo cierto realismo en sus obras, pero luego desarrolló
un estilo propio, alejado de la realidad. Sus figuras se alargaron y sus colores se volvieron
fríos, expresando visiones místicas. Rompió con la armonía en la composición,
contrastando espacios llenos con espacios vacíos, y rechazó lo "normal" en sus temas,
optando por representaciones fantásticas y religiosas.
Su pintura, caracterizada por formas alargadas y expresividad, refleja la sociedad española
de la época, que buscaba el misticismo y rechazaba el realismo. El Greco es considerado
un pintor manierista por sus objetivos y formas. Aunque no fue valorado en su tiempo, su
obra, como "El Entierro del conde de Orgaz", es reconocida por su poder emotivo y
expresivo, con contrastes lumínicos y figuras que transmiten un sentido de trascendencia.
Obras a comentar: 103.Universidad de Salamanca, fachada 104.Palacio Carlos V en
Alhambra. PEDRO MACHUCA 105.Monasterio San Lorenzo de el Escorial. JUAN DE
HERRERA 106.Sacrificio de Isaac del retablo San Benito*,Valladolid. BERRUGUETE
107.Santo Entierro. JUAN DE JUNI 108. La prueba del fuego. PEDRO DE BERRUGUETE
109. La Santa Cena. JUAN DE JUANES 110. Virgen con Niño. LUIS DE MORALES 111.La
Santa Liga o Adoración del nombre de Jesús. EL GRECO 112.El entierro del Señor de
Orgaz. EL GRECO 113. Vista de Toledo. EL GRECO
