CAPITULO 1

Fotografía
La fotografía (de foto- y -grafía)2 es el arte y la técnica de
obtener imágenes duraderas debido a la acción de la luz. 2 Es el
proceso de proyectar imágenes, capturarlas y plasmarlas, ya sea
por medio del fijado en un campo sensible a la luz o por la
conversión en señales electrónicas. Basándose en el principio de la
cámara oscura, se proyecta una imagen captada por un pequeño
agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la
imagen queda reducido. Para capturar y guardar esta imagen, las
cámaras fotográficas utilizan película sensible para la fotografía
química, mientras que en la fotografía digital se emplean sensores
tipo CCD, CMOS, etc.; que graban luego las imágenes en
memorias digitales. El término fotografía sirve para denominar Daguerrotipo con una vista de
tanto al conjunto del proceso de obtención de esas imágenes como Barcelona, España, en 1848.
a su resultado que son las propias imágenes obtenidas Imagen invertida lateralmente,
o como en un espejo.

«fotografías».

Etimología
El término «fotografía» proviene del griego φῶς phōs (raíz φωτ-
phōt, ‘luz’), y γράφω grafo (raíz γράφ- graf, ‘rayar, dibujar,
escribir’) que, en conjunto, significa ‘escribir/grabar con la luz’.

Varias personas pueden haber acuñado el mismo término nuevo a

partir de estas raíces de forma independiente. Hércules Florence,
un pintor e inventor francés que vivió en Campinas, Brasil, utilizó
la forma francesa de la palabra, fotografía, en notas privadas que
un historiador brasileño cree que fueron escritas en 1834.3 Esta
afirmación está ampliamente difundida, pero todavía no se
reconoce en gran medida a nivel internacional. El primer uso de la
palabra por el inventor franco-brasileño se dio a conocer
ampliamente después de la investigación de Boris Kossoy Retrato al daguerrotipo de una
en bailarina de la escuela bolera, hacia
1980.4
el año 1850. Podría ser la Guy
(Marie Guy-Stéphan),1 que actuaba
El periódico alemán Vossische Zeitung de 25 de febrero de 1839 en el Teatro del Circo, en Madrid.
contenía un artículo titulado Photographie, en el que se Fototeca del IPCE.
examinaban varias reivindicaciones de prioridad, en especial la de
Henry Fox Talbot, en relación con la reivindicación de invención
de Daguerre.5 El artículo es la primera aparición conocida de la palabra en la prensa pública. 6 Estaba
firmado "J.M.", se cree que era el astrónomo berlinés Johann von Maedler.7 También se atribuye al
astrónomo John Herschel el haber acuñado la palabra, independientemente de Talbot, en 1839.8 No
obstante, Joan Fontcuberta en su libro El beso de Judas (1997),9 ha demostrado que Henry Fox Talbot no
conocía el griego lo suficiente para poder entender que fotografía significa más bien «escritura aparente»
y que en realidad no significa escribir con luz, sino «escritura de las apariencias».

Los
inventores Joseph Nicéphore Niépce, Henry Fox Talbot y Louis Daguerre no parecen haber conocido
o utilizado la palabra «fotografía», sino que se refirieron a sus procedimientos como «heliografía»
(Niépce), «calotipo» (Talbot) y «daguerrotipo» (Daguerre).7

Historia
La invención de la técnica fotográfica es el resultado de la
combinación de diversos descubrimientos técnicos relacionados
con la captura y tratamiento de las imágenes. Entre los precursores
se encuentran el filósofo chino Mo Di, los griegos Aristóteles y
Euclides, que describieron una cámara oscura en los siglos V y
10 11
IV a. C.; el matemático bizantino Antemio de Tralles, que en
el siglo VI utilizó una forma de cámara oscura en sus
experimentos;12 y cuatro siglos después, el matemático árabe
Alhacén hizo un claro y profundo estudio acerca de la cámara Primera fotografía permanente
11 13 denominada Vista desde la ventana
oscura y la proyección estenopeica. En el campo de la
en Le Gras, de Niepce, 1826.
química, San Alberto Magno descubrió las propiedades del nitrato
de plata,14 y Georges Fabricius (1516-1571) las del cloruro de
plata. En 1568, Daniele Barbaro describió el mecanismo de un
diafragma,15 y en 1694, Wilhelm Homberg describió el efecto
fotoquímico
que producía el oscurecimiento de algunos materiales
en presencia de la luz.16 Los artistas ya empleaban la cámara
oscura como un recurso para reproducir imágenes y en la
L'Encyclopédie de 1751 se describen diferentes tipos que podían
utilizarse.17
El grabado heliográfico más
Un primer procedimiento fotográfico experimental fue el antiguo que se conserva,
reproduciendo un grabado
heliograbado, descubierto por Joseph Nicéphore Niépce en la
flamenco. Ensayo realizado en
década de 1820. En 1826, consiguió su primera imagen (positivo
1825 por Niépce, por contacto, sin
directo) permanente: una vista desde su ventana en Le Gras, cámara oscura.
utilizando una cámara oscura y como material sensible a la luz una
mezcla de betún de Judea. El tiempo de exposición necesario para obtener estas imágenes era muy largo:
varias horas en un día soleado. En su búsqueda de un método más efectivo, se asoció con Louis Daguerre
y experimentaron con compuestos de plata, fundamentándose en un estudio previo de Johann Heinrich
Schulze de 1816, donde mostraba que una mezcla de plata y tiza se oscurecía con la exposición a la luz.
Tras la muerte de Niépce en 1833, Daguerre continuó trabajando en solitario, desarrollando en 1837 el
procedimiento conocido como daguerrotipo y difundiéndolo al mundo en 1839. Los estudios previos de
Niépce fueron ampliamente superados, y por eso la mayoría de los historiadores consideran que 1839 es
el año cero de la fotografía propiamente dicha.
La fotografía nace en un momento de tránsito de la sociedad
preindustrial a la sociedad industrial, favorecida por las
innovaciones técnicas de la época. También influye en su
nacimiento la filosofía positivista, que establece que cada
elemento de la Naturaleza debe ser probado empíricamente. La
burguesía es la clase social dominante del momento, que utiliza el
retrato como instrumento de autorrepresentación y afirmación de
su
ascenso social.18

El daguerrotipo consiste en la obtención de una imagen sobre una

superficie de plata pulida. Para economizar, lo normal era que las
placas fueran de cobre plateado, pues solo era necesario disponer
de una cara plateada. La imagen se revelaba con vapores de
mercurio, apareciendo en la cara plateada de la placa, que
previamente se había sensibilizado con vapores de yodo.19 Pero
Ventanal de la abadía de Lacock
era un procedimiento caro y el equipo pesado; se precisaba de un (Lacock, Wiltshire). Fotografía de
tiempo de exposición alto, de varios minutos, al principio. Fox Talbot, en agosto de 1835,
Además, los vapores de mercurio eran realmente dañinos para la ensayando su procedimiento del
salud. calotipo. Copia positiva, a partir del
negativo más antiguo que se
En 1840, William Henry Fox Talbot desarrolla un sistema conserva.
negativo-positivo, en otro procedimiento llamado calotipo.
Consistía en obtener un negativo de papel, que luego por contacto
era positivado sobre otra hoja de papel. El papel se humedecía en
una solución ácida de nitrato de plata, antes y después de la
exposición, y antes de ser fijada. Supuso el invento de la copia
fotográfica, ya que un único negativo podía dar lugar a varios
positivos.

En 1842, el astrónomo y químico inglés John Herschel introduce

el proceso llamado cianotipia. También fue el primero en aplicar
los términos "positivo y negativo" a las imágenes fotográficas. En
1819, Herschel descubrió el poder solvente del hiposulfito de
sodio en torno a las sales de plata insolubles, estableciendo un
precedente a su utilización como un agente fijador en la fotografía.
Informó a Talbot y Daguerre de su descubrimiento en 1839, y que
este podía ser utilizado para fijar imágenes de un modo Zaragoza, La torre nueva o torre
inclinada (1865-1867). Fotografía
permanente. Hizo el primer negativo de cristal a finales de 1839.
original de José Martínez Sánchez,
asociado a J. Laurent. Copia a la
Para mejorar la nitidez de las imágenes (evitando las rugosidades
albúmina, a partir de un negativo de
del papel) en 1850 Blanquart Evrard emplea el papel de albúmina.
vidrio al colodión húmedo, de 27 ×
En estas copias a la albúmina, las fibras del papel están 36 centímetros.
recubiertas con una capa de albúmina de huevo. Luego este papel
se sensibilizaba en nitrato de plata.

En 1851, Gustave Le Gray presenta el nuevo procedimiento fotográfico del colodión húmedo. El
colodión se vierte líquido sobre las placas de vidrio, muy limpias. A continuación, las placas se
sensibilizan en un tanque con nitrato de plata, y se cargan en los chasis. Permite la obtención de imágenes
negativas muy nítidas. Se llama «colodión húmedo» porque la
placa ha de permanecer húmeda durante todo el procedimiento de
toma y revelado de las imágenes. Esto suponía que los fotógrafos
tenían que llevar consigo un laboratorio fotográfico portátil, a fin
de preparar la placa antes de la toma y proceder a revelarla
inmediatamente. Se generalizó así el uso de tiendas de campaña y
carruajes convertidos en laboratorios para los fotógrafos de viajes
que trabajaban en el exterior.

A partir de 1855, triunfa el colodión, el procedimiento más usado

en el mundo hasta 1885. Entre los fotógrafos más importantes que
Fotografía en color, hacia 1915, por
trabajaron en España en este periodo, empleando los negativos de
Serguéi Mijáilovich Prokudin-
vidrio al colodión, hay que citar al británico Charles Clifford, al Gorskii.
francés J. Laurent,20 21 y al español José Martínez Sánchez.22 En
1861, el científico escocés James Clerk Maxwell, conocido por su
teoría electromagnética, desarrolla un método para ver fotografías en color mediante la superposición de
filtros de color rojo, azul, amarillo; obteniendo de esa forma la primera fotografía cromática permanente,
mediante la técnica denominada aditiva.23 En 1862, el fotógrafo y científico francés Louis Ducos du
Hauron realizó imágenes en color usando los métodos aditivo (rojo, verde y azul) y sustractivo (cian,
magenta y amarillo). En 1871, nace el procedimiento de las placas secas al gelatino-bromuro, que supone
el empleo de una placa de vidrio sobre la que se extiende una solución de bromuro, agua y gelatina
sensibilizada con nitrato de plata; que ya no necesita mantener húmeda la placa en todo momento. Se
rebaja el tiempo de exposición a un cuarto de segundo, lo que permite posteriormente acercarse al
concepto de instantánea fotográfica. Pero las placas al gelatino-bromuro solamente triunfaron después de
1880.

En 1888, George Eastman lanza la cámara Kodak. Su gran éxito comercial fue la introducción en el
mercado del carrete de película fotográfica, lo que provocó la progresiva sustitución de las placas de
vidrio. En 1907, la fábrica Lumière comercializa la fotografía en color. Son diapositivas o transparencias
en vidrio, conocidas como placas autocromas o Autochrome. En 1931, se inventa el flash electrónico, que
se utiliza sobre todo cuando la luz existente no es suficiente para tomar la fotografía con una exposición
determinada. El flash es una fuente de luz intensa y dura, que generalmente abarca poco espacio y es
transportable. En 1948, nace la fotografía instantánea de Polaroid: una cámara que revelaba y positivaba
la imagen en tan solo 60 segundos.

Hasta
la década de 1970, las fotografías en blanco y negro aún era el estándar en las tomas fotográficas
de entonces. Finalmente, en 1990, comenzó la digitalización del ámbito fotográfico: las imágenes son
capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles y desde allí se
archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria. La fotografía digital juega un papel
importante en la sociedad, es una conexión inmediata entre las personas, debido a que pueden
compartirse con facilidad y rapidez por cualquier medio electrónico, a diferencia de la fotografía
analógica o tradicional, en donde se archivaba como un recuerdo en la memoria de algún evento o
situación pasada, por el contrario el tiempo de uso de la fotografía digital es menor e inmediato y esta
pierde su razón cuando la persona no la encuentra o la elimina.24
Si bien la digitalización de las cámaras ya se había dado en la década de 1990, es recién en la década del
2000 donde se hace masivo su uso, con la incorporación de cámaras digitales en los teléfonos celulares y
demás dispositivos electrónicos.

Funcionamiento de la cámara
.
La cámara oscura es el dispositivo formador de la imagen, mientras que la película fotográfica o el sensor
electrónico se encargan de captarla. El almacenamiento de las imágenes capturadas depende del tipo de
cámara, quedando guardadas en la misma película si se trata de máquinas clásicas, o en algún dispositivo
de memoria en las digitales. En este último caso, la imagen resultante se almacena electrónicamente
como información digital, pudiendo ser visualizada en una pantalla o reproducida en papel o en película.

Para realizar una toma, el fotógrafo configura previamente la cámara y la lente con el fin de ajustar la
calidad de la imagen lumínica a ser proyectada sobre el material fotosensible. Al dispararse el obturador,
dicho material es finalmente expuesto, provocando en él alteraciones químicas o físicas que constituyen
una «imagen latente», aún no visible pero presente en su estructura interna. Tras un proceso adecuado,
esta información se convierte en una imagen utilizable. En las cámaras clásicas el material sensible es
una película o placa fotográfica; mientras que las digitales utilizan dispositivos electrónicos sensibles a la
luz, que pueden estar basados en tecnología CCD o en CMOS.

La cámara de cine es un tipo especial de cámara fotográfica que toma una secuencia rápida de fotografías
en tiras de película. Cuando se reproducen a una determinada velocidad los ojos y el cerebro de una
persona unen la secuencia de imágenes separadas y se crea la sensación de movimiento.

En todas las cámaras, excepto en algunas especializadas, el proceso de obtención de una exposición
correcta se produce a través del ajuste de una serie de controles con los que se trata que la fotografía sea
clara, nítida y bien iluminada. Los controles habituales que se incluyen son los siguientes:

Una cámara histórica: Contax-S de

1949 —la primera cámara réflex con
pentaprisma—
 Control Descripción
El ajuste que sitúa el punto más nítido de la
imagen donde se desee. En las cámaras
Enfoque modernas, existen puntos de autoenfoque sobre
los que el sistema de autoenfoque de la cámara
trata de enfocar.
El ajuste del diafragma de la lente, medible
mediante el número f, el cual controla la cantidad
de luz que pasa a través del objetivo. La apertura
tiene efecto en dos elementos: la profundidad de
campo y la difracción: cuánto más alto sea el
Apertura número f, más pequeña será la apertura, menor la
cantidad de luz que entre por el objetivo, mayor la
profundidad de campo y también mayor el efecto
difuminador de la difracción. La longitud focal
dividida por el número f es lo que da el diámetro
efectivo de la apertura.
El ajuste del lapso durante el cual el captor o la
película es expuesto a la luz en cada toma. Las
velocidades de disparo rápidas, lo que supone
Velocidad de
tiempos de exposición cortos, disminuyen la
obturación Torre Eiffel, 1902.
cantidad de luz. Así como la posibilidad de
trepidación debida al pulso, cuando se usa la
cámara sin trípode.
En equipos digitales, la compensación electrónica
de la temperatura de color asociada a unas
determinadas condiciones lumínicas,
asegurándose que la luz blanca es registrada
como tal en el captor de imagen y, por lo tanto, los
colores en la imagen parecerán naturales. En las
Balance de cámaras de carrete, esta función se ejerce
blancos mediante la elección de determinados tipos de
película fotográfica o con filtros correctores de
color. Además de usar el balance de blancos para
registrar la coloración natural de la imagen, los
fotógrafos la pueden emplear con fines estéticos,
por ejemplo, para obtener temperaturas de color
más cálidas.
Cálculo de la exposición, de tal forma que tanto
las luces altas como las sombras estén expuestas
según las intenciones del fotógrafo. Antes de
haber exposición automática en las cámaras, esta
era calculada mediante el uso de un dispositivo
medidor de luz llamado exposímetro o mediante el
Medición
conocimiento y la experiencia del fotógrafo a la
hora de tomar las medidas. Para convertir una
determinada cantidad de luz en un determinado
tiempo de exposición y apertura usables, el
medidor necesita que es ajuste la sensibilidad
ASA de la película o ISO del captor a la luz.
Escala de Tradicionalmente ha sido usada para indicar a la
sensibilidad cámara la velocidad ASA/DIN de la película
fotográfica utilizada en cámaras de película. Hoy en día las
ASA/DIN/ISO velocidades ISO son empleadas en las cámaras
del captor. modernas para indicar la ganancia de luz del
sistema en formato numérico y para controlar el
sistema de exposición automático. Cuanto mayor
sea el número ISO, mayor será la sensibilidad de
la película o del captor a la luz, mientras que con
un número ISO menor, la película es menos
sensible a la luz. Con una correcta combinación
 de velocidad ISO, apertura, y velocidad de disparo se consigue una imagen que no es ni
demasiado oscura ni demasiado clara, y por lo tanto 'correctamente expuesta'.

Otros elementos también pueden tener un efecto pronunciado sobre la calidad o la estética de una
fotografía; entre ellos los siguientes:

Longitud focal y tipo de objetivo (Teleobjetivo u objetivo "largo", Objetivo macro, gran
angular, ojo de pez, u objetivo zoom)
Filtros fotográficos, se sitúan entre el sujeto a fotografiar y el captor, pudiendo situarse
por delante o detrás del objetivo.
Sensibilidad del medio a la intensidad de la luz y longitud de onda de cada color.
La naturaleza del captor de luz; por ejemplo, su resolución medida en pixeles o granos de
haluro de plata.

Proceso
Las fotografías no digitales se producen con un proceso químico
de dos pasos. En el proceso de dos pasos, la película sensible a la
luz captura una imagen negativa (los colores y las luces/oscuridad
se invierten). Para producir una imagen positiva, lo más habitual
es transferir ("imprimir") el negativo sobre papel fotográfico. La
impresión del negativo en película transparente se utiliza para
fabricar películas cinematográficas.

Alternativamente, la película se procesa para invertir la imagen Fotografía de larga exposición del
negativa y obtener transparencias positivas. Estas imágenes Very Large Telescope.
25

positivas suelen montarse en marcos, denominados diapositivas.

Antes de los recientes avances de la fotografía digital, los profesionales utilizaban mucho las
transparencias por su nitidez y precisión en la reproducción del color. La mayoría de las fotografías
publicadas en revistas se tomaban con transparencias en color.

Tipos de fotografías
Originalmente, todas las fotografías eran monocromáticas o pintadas a mano en color. Aunque ya en
1861 existían métodos para revelar fotos en color, no se generalizaron hasta los años 40 o 50, y aun así,
hasta los años 60 la mayoría de las fotografías se tomaban en blanco y negro. Desde entonces, la
fotografía en color ha dominado la fotografía popular, aunque todavía se utiliza el blanco y negro, por ser
más fácil de revelar que el color.

Las imágenes en formato panorámico pueden tomarse con cámaras como la Hasselblad Xpan en película
estándar. Desde la década de 1990, las fotos panorámicas están disponibles en la película Advanced
Photo System (siglas en Inglés APS. En Español Sistema de fotografía avanzado). APS fue desarrollado
por varios de los principales fabricantes de películas para ofrecer una película con diferentes formatos y
opciones informatizadas disponibles, aunque las panorámicas APS se creaban utilizando una máscara
en
cámaras con capacidad panorámica, mucho menos deseable que una verdadera cámara panorámica, que
consigue su efecto mediante un formato de película más amplio. APS ha perdido popularidad y se ha
dejado de utilizar.

La llegada del microordenador y la fotografía digital han propiciado el auge de las impresiones digitales.
Estas impresiones se crean a partir de formatos gráficos almacenados como JPEG (sigas en Inglés para
Joint Photographic Experts Group), TIFF (sigas en Inglés para Tagged Image File Format) y RAW.
Entre los tipos de impresoras utilizados se encuentran las impresoras de inyección de tinta, las impresoras
de sublimación, las impresoras láser y las impresoras térmicas. Las impresiones de inyección de tinta
reciben a veces el nombre acuñado de "Giclée".

La Web ha sido un medio popular para almacenar y compartir fotos desde que Tim Berners-Lee publicó
la primera fotografía en 1992 (una imagen del grupo musical Les Horribles Cernettes del CERN (sigas en
Inglés para European Organization for Nuclear Research), nombre en Español Organización Europea
para la Investigación Nuclear). Hoy en día, millones de personas utilizan sitios populares como Flickr,
Photobucket y 500px para compartir sus imágenes.

Conservación

Carpetas de papel
El almacenamiento ideal de las fotografías consiste en colocar cada una de ellas en una
carpeta individual
26
fabricada con papel tamponado o libre de ácido. Las carpetas de papel tamponado se recomiendan
especialmente en los casos en que una fotografía se haya montado previamente en un material de mala
calidad o con un adhesivo que provoque aún más la creación de ácido.27 Guarde las fotografías que
midan 8x10 pulgadas o menos verticalmente a lo largo del borde más largo de la foto en la carpeta de
papel tamponado, dentro de una caja de archivo más grande, y etiquete cada carpeta con la información
pertinente para identificarla. La naturaleza rígida de la carpeta protege la foto de desprendimientos o
arrugas, siempre que la caja no esté demasiado apretada o poco llena. Las fotos más grandes o frágiles
pueden apilarse en plano dentro de cajas de archivo con otros materiales de tamaño similar. 28

Cerramientos de poliéster
El más estable de los plásticos utilizados en la conservación de fotografías, el poliéster, no genera ningún
elemento químico nocivo, ni tiene capacidad para absorber los ácidos generados por la propia fotografía.
Las fundas y el encapsulado de poliéster han sido elogiados por su capacidad para proteger la fotografía
de la humedad y la contaminación ambiental, ralentizando la reacción entre el objeto y la atmósfera. Esto
es cierto, pero con la misma frecuencia el poliéster atrapa estos elementos junto al material que debe
proteger. Esto es especialmente arriesgado en un entorno de almacenamiento que experimenta
fluctuaciones drásticas de humedad o temperatura, lo que provoca ferrotipado, o adherencia de
la
fotografía
al plástico.26

Las fotografías enfundadas o encapsuladas en poliéster no pueden almacenarse verticalmente en cajas

porque se deslizarían unas junto a otras dentro de la caja, doblándose y plegándose, ni el archivero puede
escribir directamente sobre el poliéster para identificar la fotografía. Por lo tanto, es necesario apilar las
fotografías protegidas con poliéster horizontalmente dentro de una caja o encuadernarlas en una carpeta
de tres anillas. Apilar las fotos horizontalmente dentro de una caja plana reducirá en gran medida la
facilidad de acceso, y los archivadores dejan tres lados de la foto expuestos a los efectos de la luz 29 y no
sujetan la fotografía uniformemente por ambos lados, lo que provoca que se desplome y se doble
dentro
del
archivador. El plástico utilizado para las carcasas se ha fabricado para que sea lo menos friccionante
posible, a fin de evitar que las fotos se rayen al introducirlas en las fundas. Desafortunadamente, la
naturaleza resbaladiza de la funda genera una acumulación de electricidad estática que atrae el polvo y las
partículas de pelusa. La estática también puede atraer el polvo al interior de la funda, donde puede rayar
la fotografía.26

Asimismo, estos componentes que ayudan a la inserción de la fotografía, denominados agentes

deslizantes, pueden descomponerse y transferirse del plástico a la fotografía, donde se depositan en forma
de película aceitosa, atrayendo más pelusas y polvo. Por el momento, no existe ninguna prueba que
evalúe los efectos a largo plazo de estos componentes sobre las fotografías. Además, las fundas de
plástico pueden presentar pliegues o arrugas en la superficie que arañan la emulsión durante
su
manipulación.29

Manipulación y cuidados
Lo mejor es dejar las fotografías tumbadas sobre la mesa cuando se vayan a ver. No se deben coger de
una esquina ni de los lados. Cada vez que la fotografía se dobla, aunque sea un poco, esto puede romper
la emulsión.30 La propia naturaleza de encerrar una fotografía en plástico incita a los usuarios a cogerla;
los usuarios tienden a manipular las fotografías encerradas en plástico con menos delicadeza que las
fotografías no encerradas, simplemente porque creen que la carcasa de plástico hace que la fotografía sea
impermeable a cualquier manipulación indebida. Mientras una foto esté en su carpeta, no es necesario
tocarla; basta con sacar la carpeta de la caja, colocarla en posición horizontal sobre la mesa y abrir la
carpeta. Si por alguna razón los investigadores o archiveros tienen que manipular la foto en sí, por
ejemplo para examinar el reverso en busca de escritura, pueden utilizar guantes si parece que hay riesgo
por aceites o suciedad en las manos.

Aplicaciones científicas
La fotografía ha fascinado a muchos científicos, que han
aprovechado su capacidad para registrar con precisión todo tipo de
circunstancias y estudios. Por ejemplo, durante las investigaciones
dedicadas a la locomoción humana y animal, de Eadweard
Muybridge (1887).

La fotografía ha constituido desde sus inicios un medio de gran

utilidad en la investigación científica. Gracias a su utilización a
nivel científico se tiene la posibilidad de registrar fenómenos que
no pueden ser observados directamente, como por ejemplo,
aquellos que se desarrollan en tiempos muy breves (fotografía
ultrarrápida), o extremadamente lentos (fotografía de baja Impacto de una gota.
velocidad), aquellos que se producen a escala microscópica,
aquellos que afectan a regiones muy vastas de la Tierra o del Espacio (fotografía aérea, orbital,
astronómica), aquellos ligados a radiaciones no visibles al ojo humano, o en situaciones en las que no
puede estar físicamente el ser humano, etc.

La
fotografía científica también tiene un importante componente educativo, enfocado a la comunicación
y divulgación científica. A través de determinadas iniciativas de divulgación científica que usan la
fotografía como componente principal, se puede dar a conocer de una forma mucho más visual al público
general en determinados aspectos de la ciencia y del respeto por el medio ambiente.31

Entre las más importantes especializaciones de la fotografía en el campo científico destacan la fotografía
ultrarrápida y estroboscópica, la fotografía estereoscópica, la fotografía infrarroja y ultravioleta, la
fotografía aérea y orbital, o la fotografía astronómica.

En el contexto de investigación, la fotografía tiene frecuente uso, debido a que permite construir
evidencias de las situaciones o circunstancias estudiadas, considerando factores ambientales, de ánimo y
de expresión que puedan afectar o ayudar en la investigación, la imagen no solo se debe percibir como un
simple objeto que permite guardar y verificar información o datos, sino como una estrategia que permita
el análisis y la reconstrucción de la realidad, permitiendo la construcción de relatos que identifiquen,
expliquen
y muestren hallazgos obtenidos en estas imágenes.32

Fotografía estereoscópica
La fotografía reproduce los objetos sobre una superficie plana y la
ilusión de la profundidad es lograda exclusivamente gracias a la
perspectiva y al claro-oscuro. Sin embargo, resulta posible
reproducir el efecto de la visión binocular observando
separadamente con nuestros ojos dos imágenes tomadas desde
puntos de vista a distancia pupilar, o mayor. El procedimiento está
basado en colocar en el mismo plano y continúas dos fotografías
del mismo objeto, desde ángulos distintos, en la primera fotografía
se aprecia un detalle ligeramente angulado hacia la izquierda del
objeto, y en la segunda fotografía se aprecia un detalle desde el Negativo estereoscópico, de vidrio
lado derecho. Las dos imágenes proyectadas sobre dos planos (por al colodión húmedo, tomado por J.
Laurent, en Valladolid, hacia el
ejemplo, P1 y P2) paralelos y situados continuamente son vistas
año 1865. Fototeca del IPCE.
por nuestros ojos como una sola imagen; los ejes ópticos son
paralelos
y no hay un ángulo de convergencia.33

Las primeras imágenes estereoscópicas de la historia de la

fotografía son unos daguerrotipos del año 1842.

La fotografía estereoscópica estuvo muy de moda en varias

décadas del siglo XIX. Muchos fotógrafos realizaban vistas
estereoscópicas utilizando cámaras especiales de dos objetivos, o Tarjeta estereoscópica de finales
bien con cámaras de un objetivo desplazable lateralmente. Autores del siglo XIX.
clásicos, como J. Laurent, tomaban sistemáticamente vistas
estereoscópicas, además de las normales. El Ministerio de Cultura de España conserva, en el Archivo
Ruiz Vernacci, cerca de 1000 placas estereoscópicas de Laurent, del procedimiento de vidrio al colodión
húmedo, en el formato 13 x 18 centímetros, con vistas de España fechables entre los años 1857 y 1880, y
de Portugal del año 1869.34 Además se conservan otras 11 000 placas de vidrio de formatos mayores,
realizadas tanto por Laurent como por sus colaboradores.

La imagen estereoscópica también es utilizada para fines cartográficos.

Fotografía con luz infrarroja y ultravioleta

Las películas normales son sensibles a la luz ultravioleta. Uno de
los métodos para realizar este tipo de fotografía consiste en
utilizar una fuente de luz ultravioleta para iluminar al objeto, de
forma que el objetivo de la cámara esté provisto de un filtro que
permita únicamente el paso de esta luz. Otro método se sirve de la
fluorescencia causada por la luz ultravioleta. El filtro del que está
provista la cámara absorbe la luz ultravioleta y permite el paso de
la fluorescente. Una importante aplicación de este tipo de
fotografía es el estudio de documentos falsificados, ya que la luz
ultravioleta detecta los rastros de escritura borrada. Este tipo de
fotografía permite obtener imágenes imposibles de ser captadas
por la vista del hombre.

Los plásticos y otros productos químicos que reaccionan a la luz

ultravioleta sustituyen a la emulsión de haluros de plata de las Imagen del telescopio Spitzer en el
películas normales en diversos procesos, para producir imágenes espectro infrarrojo.
fotográficas con la gama ultravioleta del espectro.

En uno de estos procesos, la superficie de sustancias plásticas expuestas a los rayos ultravioleta se
endurece en proporción directa a la exposición, y la eliminación de las zonas no endurecidas hace surgir
una imagen fotográfica.

En otros procesos se coloca una fina película de productos químicos entre las hojas de plástico. Estos
productos químicos emiten burbujas de gas en cantidades proporcionales a la exposición recibida en la
zona cuando se les expone a los rayos ultravioletas. Las burbujas crecen y se hacen visibles con la
aplicación de calor en las hojas, creando así una transparencia en la que las burbujas de gas forman la
imagen.

Otro tipo de plástico, al ser calentado, reacciona químicamente con las burbujas de gas, de modo que se
obtiene en las hojas de plástico una imagen positiva con manchas. La película fotocromática, creada por
la National Cash Register Company, utiliza un tinte sensible a la luz ultravioleta. Se pueden obtener
enormes ampliaciones, ya que este tinte no posee estructura granular. Por ejemplo, se pueden conseguir
ampliaciones de una película que contenga un libro entero en un espacio del tamaño de un sello o
estampilla de correos.

Fotografía aérea y fotografía orbital

Véase también: Ortofotografía
 La fotografía aérea supone un análisis de la superficie terrestre
mediante el empleo de máquinas fotográficas instaladas a bordo
de diversos medios aéreos. Encuentra aplicaciones en el campo de
la investigación arqueológica o geológica, así como en agricultura
para recabar información sobre la naturaleza de los terrenos y la
extensión de los cultivos, o en el campo militar para obtener
información sobre objetivos estratégicos. En arqueología se utiliza
como método de prospección del subsuelo para descubrir
estructuras en el subsuelo sin necesidad de excavar.
Una fotografía aérea del faro de
Westerheversand, Alemania
Desde el comienzo del
hecha con un dron.
siglo XXI, la fotografía
aérea desde aviones y
helicópteros no tripulados (drones) vive un crecimiento notorio.
Estos drones están generalmente equipados de herramientas de
navegación (GPS, giroscopio, etc.). Sin embargo, son pocos los
países que han establecido normas específicas para regular el
vuelo de estas naves: el comportamiento de las autoridades frente
al vuelo de drones varía en cada nación.
Fotografía orbital de Groenlandia;
foto: NASA, agosto de 2008.
La fotografía orbital permite la obtención de imágenes de altura
muy superior a aquellas propias de la fotografía aérea, de la cual
constituye una extensión, mediante aparatos fotográficos situados sobre vehículos espaciales o satélites
en órbita en torno a la Tierra. Entre sus varias aplicaciones cabe señalar los estudios meteorológicos, la
investigación sobre la contaminación de los mares o sobre los recursos naturales, etc.

Fotografía subacuática
A pesar de que la fotografía subacuática es una modalidad muy practicada en el buceo deportivo, e
incluso una especialidad competitiva de la Federación Española de Actividades Subacuáticas (FEDAS),
se trata de una especialidad fotográfica muy utilizada por diferentes ciencias entre las que cabe
mencionar: arqueología subacuática, biología marina o de aguas continentales, ecología u oceanografía.
Tres son las dificultades fotográficas que plantea el medio subacuático a los fotógrafos: la alta presión del
medio que hace que los equipos fotográficos deban ser no solo totalmente estancos sino resistentes a la
presión, o bien protegidos en el interior de cajas estancas especiales; la falta de luz del entorno
subacuático y el efecto de filtrado selectivo de los colores en la columna de agua, lo que hace que
habitualmente se deban emplear complejos equipos de flash para restaurar la coloración original de los
sujetos fotografiados; y la difracción del agua que hace que los objetivos fotográficos aumenten su
longitud focal con respecto a la que tienen en la fotografía subaérea.

Existen diversos tipos de fotografía con un enfoque distinto a lo anterior, dependiendo del entorno y el
propósito para la cual fue capturada. La fotografía publicitaria, relacionada directamente con la
promoción y publicidad de bienes y servicios para el consumo. La fotografía documental, histórica o
periodística enfocada a fines informativos de reportaje o seguimiento de un evento histórico. La
fotografía científica, muestra imágenes que no se pueden ver a simple vista y es capturada a través de
diversos instrumentos y herramientas sofisticadas como telescopios, microscopios y simuladores.
La
fotografía de paisaje, captura la belleza de la naturaleza y puede
ser aérea, submarina o terrestre. La fotografía artística, centrada
principalmente en el aspecto estético y la fotografía de retrato, es
la más utilizada capturando la imagen de alguna persona u objeto
atractivo
en un instante de tiempo.35

Macrofotografía
La macrofotografía (del griego makros, grande) es la rama de la
fotografía en la que el sujeto fotografiado resulta “más grande”
de lo habitual en la fotografía; por ejemplo si el tamaño de una
hormiga, abeja o cualquier insecto en la fotografía es igual o más
grande que su tamaño en la vida real, esa es una fotografía macro.
El principal objetivo de este tipo de fotografía es hacer visibles
escenas, sujetos y objetos que cotidianamente pasan
desapercibidos. Otros usos más objetivos son el de la
investigación biológica, que es un campo que le debe mucho a la
Macrofotografía subacuática de un
fotografía macro, pues esta ha permitido documentar muchos pez payaso rosa protegiéndose
estudios relacionados con muchas especies animales y vegetales. entre los tentáculos de una
anémona
También gracias a la macrofotografía es posible contemplar y
disfrutar de algunas joyas u objetos valiosos cuyo tamaño muy
reducido normalmente impide que sean apreciados en todo su
detalle. Para la macrofotografía es posible iniciar con una cámara
compacta en la herramienta MACRO que usualmente está
identificada por la imagen en negro de un tulipán, aunque sí se
desea profundizar si necesitamos un equipo especial, ya sea este
un objetivo o una serie de tubos de extensión o lentes de
aproximación. Otra forma de hacerlo es utilizar el objetivo de la
cámara invertido, únicamente nos queda el foco que lo conseguiremos acercándonos o alejándonos del
objeto a fotografiar. Para utilizar este método se precisa de un anillo adaptador que tiene el propio
fabricante de la cámara. Con este sistema perdemos los automatismos utilizados en las cámaras actuales,
tanto en diafragma como en enfoque.

Así en general la recomendación sería buscar algún objetivo de distancia focal de entre los 50 y los
90 mm, que lleve la palabra macro en la descripción, y preferiblemente que tenga una apertura de
diafragma lo más grande posible (valor f/ bajo), algo así alrededor de los f/2.8 puede ser una opción
idónea.

A continuación, la recomendación para objetivo macro para las 4 marcas más populares de cámaras
réflex:

Para Canon: Canon, objetivo EF 100 mm f/2,5 USM con macro

Para Nikon: Tamron, objetivo digital 90 mm f/2,8 Di 1:1 SP AF con macro y motor integrado
Para Pentax: Sigma, objetivo 70 mm f/2,8 EX DG con macro
 Para Sony: Tamron, objetivo 60 mm f/2,0 Di II SP AF 1:1 con macro para Sony36

Fotografía como arte

La fotografía no fue siempre considerada un arte. Su integración al
arte fue un proceso muy discutido que comenzó con los fotógrafos
retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como
reemplazo del retrato pintado ya que aquel era mucho más barato.
De hecho, fotógrafos pioneros como Daguerre, fueron antes
pintores o dibujantes. Debido a la popularización creciente del
retrato fotográfico en detrimento del pintado, gran cantidad de
pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para
sobrevivir. Este fue el caso de Félix Tournachon, Gustave Le Gray
y el segundo de los hermanos Bisson. Incluso Paul Delaroche Isla Pagoda en la desembocadura
llegó a vaticinar la muerte de la pintura sustituida por la fotografía del río Min de John Thomson, 1870.

por el nivel de detalle que esta permitía. Este fue el primer ingreso
de la fotografía al medio artístico. Además estos pintores fueron
algunos de los que lucharon porque la fotografía fuera considerada
un arte.

Muchos pintores sin embargo apoyaban las críticas de Baudelaire

en 1859, para quienes los primeros fotógrafos eran pintores
fallidos que escondían su falta de talento en lo mecánico de un
medio que dejaba escasas posibilidades a la creatividad. Así la
fotografía reproduce con exactitud la naturaleza, lo cual impide la
subjetividad e imaginación del artista, algo que se considera Campo de cebollas de George
fundamental en la producción de una obra que se considere Davison, 1888.
artística.

A mediados del siglo XIX apareció una nueva tendencia artística, el

naturalismo. La aparición de esta nueva tendencia, centrada en la
objetividad, buscaba imitar la realidad y la naturaleza con un alto
grado de perfección y despreciaba la subjetividad. Así, el
naturalismo fue la puerta que se abrió para dar a la fotografía una
verdadera importancia en el arte ya que al imitar de una forma casi
perfecta la realidad, superaba ampliamente a la pintura en este
aspecto. Por otra parte, el constante desarrollo de la fotografía en
esa época, básicamente con las nuevas técnicas sobre la utilización
Atomicus Dalí, fotografía de 1948
de la luz del sol, dio origen a fotos con un mayor significado de Philippe Halsman, donde
estético, lo que llevó a un nuevo acercamiento de la fotografía explora la idea de la suspensión,
hacia el arte. representando tres gatos que
vuelan, un cubo de agua lanzada y
Más tarde se descubrieron técnicas usando clara de huevo, que Salvador Dalí en el aire.
hacían posible que la imagen por sí misma se quedara grabada en
el papel. Esta técnica se fue perfeccionando gracias a la comprensión del fenómeno químico implicado y
a una continua experimentación con materiales alternativos. Pronto fue posible tener una caja con un
papel fotosensible oculto de la luz, un cañón con el que enfocarla, y un obturador para hacer pasar la luz
el tiempo suficiente para que impresionara la película.

La fotografía como arte, ciencia y experiencia humana fueron evolucionado en paralelo durante este
tiempo. En cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de manejar apareció la
posibilidad de influir en el espectador mediante la posición de la cámara y su enfoque, lo que permitían
trasladar la subjetividad del fotógrafo a la fotografía, además de ir construyendo un lenguaje artístico.

En sus principios, para que una obra fotográfica sea considerada obra de arte se han tomado como pilares
aquellos considerados por la pintura, incluido el retrato, el paisaje, el desnudo, etc.: la belleza y la verdad.

Según la visión de los movimientos vanguardistas (cubismo, futurismo, expresionismo, etc.), el arte tiene
que ver con la experimentación de nuevas formas expresivas, convirtiendo así a la cámara en un medio
artístico. Algunas experimentaciones fueron mediante combinaciones, solarizaciones (Man Ray),
retículas, desenfoques, granulados, encuadres, etc.

En Manthattan, Nueva York se abrió la famora Photosecession de Stiegliz que hizo que la fotografía
alcanzara estatus de obra de arte e introdujo la vanguardia europea en América, exponiendo obras de
Cézanne, Picasso, Matisse entre otros. Luego se sumaron los dadaístas y los surrealistas, quienes tuvieron
gran aceptación en América. Para entonces la fotografía era un medio de expresión plástica con valores
que radican en el factor mecánico. A Marcel Duchamp se le atribuye la frase «arte es lo que el artista
dice
que
es arte», como una provocación contra el esteticismo elitista dominante.37

De esta manera el fotógrafo artista vuelve a recuperar su sensibilidad, su visión singular. Así artistas
como Man Ray mezclaban la fotografía con la pintura, el grabado creando imágenes singulares, collages
y fotomontajes. Por otra parte, ya entonces, y aun hasta la actualidad, estas producciones fotográficas son
consideradas obras de arte desde el momento en que informan, transforman, revelan, cuestiona, etc.

Ya en las décadas de 1970 y 1980, escritores como Craig Owens, argumentaron que la tarea fundamental
del arte era reflexionar sobre cómo las imágenes crean significado.

Como señala el artista y escritor Victor Burgin en su artículo de 1977 titulado «Looking at Photographs»:
«La fotografía es un lugar de trabajo, un espacio estructurado y estructurante en cuyo interior el lector
despliega, y es desplegado por los códigos con los que está familiarizado con el fin de crear sentido».

La fotografía se convierte así en un medio ideal para crear sentido en los más diversos temas. Robert
Mapplethorpe, por ejemplo, utilizó la fotografía como medio para abordar temas de identidad sexual,
entre otros.

A su vez, como toda obra de artes es inherente a su contexto, la fotografía refleja los distintos tiempos en
que se desarrolla.

En su libro de 1996 El arte moderno en la cultura de lo cotidiano, Thomas

Crow admite que las radicales
ambiciones de la vanguardia artística nunca se hicieron del todo realidad: «La cultura bajo las
condiciones del capitalismo desarrollado muestra los dos momentos de la negación y la tendencia,
últimamente irresistible, a la acomodación». Para Crow, el valor del arte reside en la lucha constante por
mantener la identidad independiente, ya que el arte no es para el mercado sino para los públicos, siempre
diversos y cambiantes.38
En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo. Los movimientos artísticos
durante las primeras décadas del siglo XX, particularmente el modernismo y sus ramas derivadas que van
desde el impresionismo en la pintura y su consiguiente marcha hacia lo abstracto tuvieron una gran
influencia en la fotografía.39 Ya en la actualidad, la fotografía artística pura es casi completamente
subjetiva y la manipulación de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su
expresión artística; la fotografía de Annie Leibovitz, Helmut Newton y David LaChapelle entre otros,
siguen siendo parte de la nueva revolución fotográfica.

El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la pintura. Sin embargo, rápidamente amplió su
léxico gracias a la facilidad de hacer enfoques extremos (picados, contrapicados, etc.), la captura del
movimiento con largos tiempos de obturador y la decisión del momento. La presión sobre el fotógrafo
para marcar su subjetividad en la fotografía forjó un lenguaje lleno de sutilezas pero perfectamente
comprensible, muy directo para cualquier observador.

La fotografía es un elemento esencial en cualquier cultura, por eso enfocarse en la misma genera un
proceso de reflexión artístico para lograr la comunicación visual que se pretende proyectar,
considerándola como un aspecto que permite la representación y caracterización de diversos grupos de la
sociedad, además de lo anterior, instituye una referencia visual que permite revelar información y generar
emociones, para utilizarla como un instrumento de investigación y documentación en cualquier contexto
social.40

Hoy la fotografía es practicada por millones de personas en todo el mundo armados con buenas cámaras
fotográficas. Actualmente se prefieren las cámaras con una buena óptica y muchas opciones que añadan
flexibilidad, frente a las cámaras orientadas al consumidor, donde la óptica y el obturador quedan
dirigidos por la electrónica restando al hecho de hacer una foto gran parte de su imprevisibilidad. La
aparición de las cámaras digitales, cámaras mixtas con vídeo y la fotografía en entornos de realidad
virtual complican, enriqueciendo, el futuro de este arte.

Según Roland Bartes, en «La cámara Lucida», Lo que caracteriza a las sociedades llamadas avanzadas
es que tales sociedades consumen en la actualidad imágenes y ya no, como las de antaño, creencias: son,
pues, más liberales, menos fanáticas, pero son también más «falsas» (menos auténticas).41

Mitos y creencias
Véase también: Aniconismo

Como los daguerrotipos se reproducían sobre una superficie espejada, muchos espiritistas se convirtieron
también en practicantes de esta nueva forma de arte. Los espiritistas afirmaban que la imagen humana en
la superficie espejada era como mirar dentro del alma. Los espiritistas también creían que abriría sus
almas y dejaría entrar a los demonios. Entre los musulmanes, es makruh (desagradable) realizar el salah
(culto) en un lugar decorado con fotografías.42 Las anomalías y artefactos de la fotografía y el cuarto
oscuro
a veces llevan a los espectadores a creer que se han capturado espíritus o demonios en las fotos.43

Derechos de autor
El derecho de autor considera a las imágenes fotográficas a los
fines de tutelar las imágenes de personas o de aspectos, elementos
o hechos de la vida natural o social obtenidas mediante el empleo
de un procedimiento fotográfico o proceso análogo.

Todos los autores, sean profesionales o no, tienen, por el solo

hecho de haber creado su obra, en exclusiva una serie de derechos
de carácter económico y moral sobre esta.

Los derechos morales definen el respeto de su autoría sobre la Fotógrafos de prensa, Londres,
obra y, por tanto, el deber de hacer constar siempre su nombre, y 1929. (Autoría desconocida).
el derecho que no se modifique la obra sin su consentimiento. Los
derechos morales son irrenunciables e inalienables. Por lo tanto,
siempre han de ser respetados y no tiene valor la renuncia.

Corresponde al fotógrafo, salvo en algunas cuestiones relativas a

los retratos fotográficos, el derecho exclusivo de reproducción,
difusión y venta. Sin embargo, si la obra se ha obtenido en el
marco de contrato de arrendamiento de servicios o de trabajo, y
bajo expreso consentimiento del autor, el derecho de
reproducción, difusión y venta puede corresponder al responsable Fotografiando flores en el parque de
del encargo contractual, mientras que los derechos de autoría son Kowloon, 2012. (Autor: Michael
irrenunciables. La duración de los derechos sobre la fotografía la Elleray.)
determina el acuerdo legal entre el autor y el responsable del
encargo contractual.

El Derecho también protege la privacidad del sujeto fotográfico. De hecho está permitida la difusión de
fotografías sin el permiso del sujeto solo en los casos de personajes públicos, entendidos como personas
que, por trabajo o cargo público, resultan de notoriedad pública. En el resto de los supuestos, el fotógrafo
titular de la obra debe obtener el permiso del sujeto a la publicación y exposición pública. En caso de
hacerlo sin permiso del sujeto fotografiado, este tiene derecho a denunciar al fotógrafo.

La fotografía móvil: una nueva era

Durante las últimas décadas, los avances tecnológicos y el desarrollo de teléfonos inteligentes cada vez
más inteligentes —especialmente tras la aparición del primer iPhone de Apple y la evolución que trajo
aparejada— han llevado la fotografía a un nivel que va más allá de las nuevas técnicas y programas de
postproducción: a la era de la fotografía móvil. Un punto en el que entran en juego desde la creación de
apps de edición y redes sociales, hasta la fabricación de lentes específicas para cámaras móviles. Y es que
todo ha cambiado desde que en el año 2000 Sharp y J-Phone crearan su primer teléfono dotado con
cámara fotográfica. La cámara del J-SH04 era capaz de tomar fotografías con una resolución de 0.1
megapixeles para un display de 256 colores. En todo caso, la cámara para móviles fue inventada en junio
de 1997 por Philippe Kahn, un invento para el que combinó portátiles, móviles y cámaras digitales; y con
el que compartió la fotografía de su hija recién nacida.
Hoy, la mayoría de los dispositivos —incluso los de gama baja—
cuentan con una resolución superior a los 16 megapixeles en la
posterior, 8 en la frontal, y son incluso capaces de grabar vídeos
en 4K. Sin embargo, hasta el año 2009 no se vivió una auténtica
revolución en este ámbito. Hasta entonces, Samsung, HTC, Nokia
y Sony Ericsson —entre otras marcas— habían jugueteado entre
los 3 y los 8 megapixeles. Pero no fue sino hasta 2009 cuando la
primera lanzó el Samsung M8910 Pixon12, un terminal que venía
con una cámara de 12 megapixeles. Nokia y Sony Ericsson
contraatacaron poco después con los 12 y 16 megapixeles del N8
y el S006, respectivamente.

A partir de entonces, el trabajo se ha centrado en la mejora de los

sensores, en la estabilización óptica, en la inclusión de controles
manuales y en el alumbramiento de nuevas tecnologías de
captación de la luz, incluso con la cámara frontal. El añadido de Monte Fitz Roy en la Patagonia
una cámara posterior más ha sido otro de los grandes aterrizajes en
el sector de la fotografía, pues permite jugar con el desenfoque a
posteriori como si de una edición en RAW se tratase.

Los avances tecnológicos y la fotografía móvil dieron lugar a la

popularización de nuevas técnicas de fotografía como el
autorretrato o
selfi, muy ligados al uso de redes sociales.44

Unas innovaciones que, al mismo tiempo, han dado lugar a nuevos

profesionales y expertos en fotografía móvil como Kevin Russ, Pato mandarín tomado con un
teleobjetivo
Olly Lang, Rodrigo Rivas, Javier Castañeda, Koshi Nishijima, y
Nico Oppel, que aprovechan las dimensiones, tamaño y
perspectiva de estos dispositivos para dar lugar a nuevas
composiciones y técnicas.