(2ª Parte)

LA IMAGEN FIJA Y SU
CULTURA AUDIOVISUAL

CAPACIDAD EXPRESIVA
La fotografía y su evolución como lenguaje. Corrientes y
autores más importantes.
1. ANTECEDENTES

La aparición de la fotografía entendida, según nos dice J. Casares, como: “arte de fijar y reproducir
por medio de reacciones químicas las imágenes obtenidas en la cámara oscura” se debe a la confluencia
o síntesis de dos experiencias muy antiguas: la primera fue el descubrimiento de la cámara oscura, la
segunda es el descubrimiento de la sensibilidad de algunas sustancias frente a la acción de la luz

Por un lado, el extraño fenómeno de una imagen

invertida proyectada en una pared interior intrigo
a pensadores antiguos en Europa y Asia. Ellos
dirigieron la luz a través de una pequeña abertura,
dejándola proyectar sobre una superficie plana en
una habitación oscura. La técnica tomo el nombre
de Cámara oscura.

El erudito árabe del siglo X, Ibn Haytham, conocido en Occidente como Alhazen, utilizó la cámara
oscura en sus experimentos y también comparo la vista humana con su óptica. Para Leonardo da Vinci, la
cámara oscura era como un cine en vivo, con figuras en movimiento.

El verdadero avance llegó cuando la cámara oscura se convirtió en una pequeña caja portátil. Cada uno
de los inventores de la fotografía poseía una cámara oscura portátil, y su uso proporciono un importante
avance para conocer cómo una imagen automática y permanente podría ser generada.

Por otro lado, ya desde la antigüedad ya se conocía la acción de la luz sobre ciertos cuerpos. La
amatista o el ópalo ven modificadas sus tonalidades por acción de la luz. Del mismo modo, todos
sabemos que los colores se marchitan por una larga exposición al sol. Los alquimistas de la Edad Media
conocían la propiedad de las sales de planta que se oscurecían bajo la acción de la luz. Pero no será
hasta el siglo XVIII cuando estas propiedades sean objeto de estudio sistemático. Primero el científico
sueco Schelle (1747 – 1786) que en su obra De l’air el du feu, demuestra que el negro que produce la
luz en el luna cornata (cloruro de planta) es plata reducida. Uno de sus seguidores, el ginebrino Sébier
(1742 – 1809) proporciono una escala sensitométrica con las variaciones en el tiempo de oscurecimiento
del cloruro de planta. Mas tarde, Thomas Wedgwood (1771 – 1805) y Humphrey Davy (1778 – 1829)
publicaron una Memoria en 1802 en la que se indica que “Una copia de un cuadro, inmediatamente

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obtenidos, debe conservarse en la oscuridad. Se puede, como mucho examinarlas a la sombra, por en
este caso la exposición no puede ser sino de escasos minutos… Los intentos llevados hasta ahora para
impedir que las partes teñidas (…) sean luego impresionadas por la luz resultados son éxito”.

Falta un fijador. En 1819, el astrofísico John Herschel indicaría la acción del hiposulfito de sosa como
fijador de las sales de plata, pero no se le ocurrió aplicar tal propiedad a los experimentos de
Wedgwood y de Davy, que conocía.

Faltaría alguien que reuniera en uno solo todos esos experimentos diseminados, tanto de carácter
óptico como químico.

2. EL DESCUBRIMIENTO

A principios del siglo XIX, Joseph-Nicephonre Niepce invento algo que se va a convertir en la
fotografía, tal y como la conocemos. Aunque conviene precisar que, al ser este invento fruto de muchas
tentativas en el campo de la física y de la química ensayadas al mismo tiempo en distintos países,
también Fox Talbot e Hippolyte Bayard merecen compartir tal paternidad.

En sus primeras experiencias, Nicephone dispuso en el fondo de una cámara oscura, de hojas de papel
emulsionadas con sales de plata, las que se ennegrecían bajo la acción de la luz. Niepce obtuvo entonces
en mayo de 1816, la primera reproducción de una imagen de la naturaleza, una toma hecha desde su
ventana. Se trataba de un negativo, pero la imagen no permanecerá fijada, porque en plena luz, el papel
terminar por ennegrecerse completamente. Llama a estas imágenes “retines”.

Joseph-Nicephonre Niepce

En 1823, realizo la primera y más antigua fotografía conocida. Es evidente que la calidad de la imagen,
recogida desde el tejado de la casa de Niepce, no es buena, pero su valor histórico es indudable. Para
conseguir la fotografía se empleó una lámina elaborada en una aleación de estaño, zinc y y plomo,
conocida como “peltre”. La lámina fue recubierta por una solución de aceite de lavanda y betún de judea.
Esta mezcla tendría la propiedad de adquirir suficiente dureza al contacto con la luz. El autor bautizo
su método fotográfico como HELIOGRAFÍA.

En 1827., Joseph Niepce conoció a Louis Daguerre, y firmaron un acuerdo de trabajo que le dejo a este
último todo el conocimiento de las técnicas fotográficas de Niepce, tras su muerte en 1833. Daguerre
añadió al mecanismo una placa de plata pulida, sobre la cual se producían las impresiones, reduciendo así
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enormemente el tiempo de exposición. Así nació el DAGUERROTIPO, bautizado en su nombre. Esta
nueva técnica permitía hacer retratos, y fue la forma más conocida de fotografía durante mucho
tiempo. Consistía en lamias de cobre plateadas y tratadas con vapores de Yodo. Redujo los tiempos de
exposición a 15 o 30 minutos, consiguiendo una imagen apenas visible, que posteriormente revelaba en
vapores calientes de mercurio y fijaba lavando con agua caliente con sal.

https://youtu.be/pnB8RicARlo
¿Cómo se hace un daguerrotipo? - Vídeo Dailymotion

Louis Deguarre

Sin embargo, al mismo tiempo, otros procesos para fijar imágenes eran desarrollados por otros
científicos también pioneros de los inicios de la fotografía tales como William Fox Talbot, quién crea el
CALOTIPO en 1842. Este método, a diferencia del anterior ofrecía la posibilidad de obtener un
negativo previo y no una única imagen positiva, con lo que se podían realizar infinitas copias positivas de
la misma. El proceso consistía en tratar un papel con nitrato de plata y yoduro de potasio. Después, este
se exponía a la luz entre 1 y 5 minutos, creándose una imagen poco visible. Una vez esta se secaba
(negativo), se revelaba con la misma mezcla preparada al inicio y se fijaba con hiposulfito de socio. Por
último, el negativo se bañaba en cera derretida para obtener el positivo. Un proceso largo y costoso,
pero que supuso un gran avance para la fotografía.

W. Fox Talbor

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Pese a su importancia, ni el autor ni el público supieron ver la importancia de este invento. Por ello, no
tuvo mucho éxito a nivel comercial. La gente prefería la nitidez que proporcionaba el Daguerrotipo, pese
a que esta nueva técnica reducía el tiempo de exposición a tan solo 30 segundos.

https://youtu.be/5CZHMNwecKc
https://youtu.be/PvNCEi-s-4s

Desde entonces el progreso fotográfico fue imparable y pocas semanas después de la cesión del invento
en Paris, se produjeron daguerrotipos en Inglaterra, Alemania, Suiza, España, Polonia y Estados Unidos.

Años después, en 1884, George Eatman (1854 – 1932) saca a la venta la primera película en rollo sobre
papel y en 1888 la primera cámara de serie, la Kodak, cargada con película transparente, que bajo el
lema “Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto”, puso la fotografía al alcance de millones de
personas: A partir de aquí el desarrollo de la fotografía fue fulgurante: aparecían las películas en color
y las primeras diapositivas Kodachorme.

George Eatman (1854 – 1933)

En 1913 sale la primera Leica, gracias a Oskar Barnack. Se trata de una cámara fotográfica de 35 mm.
En este momento la cámara se hace asequible par el gran público y, poco a poco, la imagen se va a
democratizar. Nosotros podemos realizar incluso el revelado de nuestras propias imágenes.

Primera Leica (1913)

3. PRIMEROS PASOS DE LA FOTOGRAFÍA

Los primeros fotógrafos no fueron conscientes del potencial del invento y se limitaron a intentar
“pintar con la cámara”. Las primeras aplicaciones no pasan de ser retratos o imágenes documentales
(con lo que se pone de moda el reportaje de parajes exóticos).

En el campo del retrato cabe destacar a la inglesa Julia Margaret Cameron, que descubrió la
fotografía a los 48 años y se dedico a ella de forma obsesiva. Sus retratos no son técnicamente
ejemplares, pero tienen un encanto especial. Sus composiciones a partir de varios negativos se hicieron
famosas.

Por Julia Margaret Cameron Por Julia Margaret Cameron

Pero el fotógrafo retratista por excelencia sería Gaspar Felix de Tournachon, conocido como Nadar,
que inmortaliza a la alta sociedad del Paris de la época. Son famosas sus retratos de Sara Bernald o de
Baudelaire, por citar alguno entre muchos. En su estudio se realiza la primera exposición colectiva de
las que serían conocidos como los “Impresionistas”.

Charles Baudelaire por Nadar Sarah Bernard por Nadar

André-Adolphe Disderí es el paradigma del
fotógrafo comercial. Inventa una cámara con
cuatro objetivos con las que obtiene unos
retratos (La Carte de visite) que vende a un
precio muy bajo. Esto tiene dos consecuencias:
todo el mundo puede tener una imagen propia y,
en segundo lugar, hunde el mercado parisino del
retrato, obligando a cerrar muchos estudios.

Napoleón III y su familia por André Adolphone

Disderi

Aparece la figura del fotógrafo viajero, que cargando con un equipo pesado (mas de 50 kg.) y
voluminoso, documenta para el gran público paisajes y gentes de tierras remotas.

Destaca el británico Francias Frith que realiza tres viajes a Egipto consiguiendo impresionantes
imágenes del desierto y del Nilo. Trabajando la placa húmeda con grandes problemas.

Samuel Brourde realiza fotografías del Himalaya y puede decirse que fue el primer fotógrafo que hizo
tomas a gran altitud y con condiciones atmosféricas muy adversas.

Por Francis Frith Por Samuel Brourde

4. LOS PICTORISTAS

Los montajes de Julia Margaret Cameron fueron el precedente de un intento de asimilación de la

pintura con una fotografía llamada artística, que buscaba sus temas en la literatura y produjo sobre
todo composiciones alegóricas. Sus practicantes fueron denominados “pictorialistas”.

El sueco Oscar Gustave Rejlander es el primer representante de esta corriente, con sus
ejemplarizante Los dos caminos de la vida, montaje de treinta negativos realizado en 1872 y que ilustró
la obra de Charles Darwin La expresión de las emociones en el hombre y los animales.
Los caminos de la vida por Oscar Gustave Rejlander

Henry Peach Robinson, marcado por sus comienzos de pintor prerrafaelista, es conocido por su obra
Los últimos instantes (1858), montaje de cinco negativos y por sus libros teóricos. Picture Making by
Photography (1884) fue la inspiración del movimiento pictórialista que surgió en el Camera Club de
Viena.

Por Henry Peach Robinson Por Robert Demachy

Uno de sus más destacados representantes fue el francés Robert Demachy, banquero y pintor de la
alta sociedad, que se especializo en paisajes impresionistas y retratos femeninos, utilizando lo que
bautizo como “objetos de artista” e “impresiones nobles”, al referirse a las técnicas utilizadas que
buscaban obtener imágenes pictóricas con técnicas fotográficas. Es muy curiosa la aparición de los
“objetivos de artistas”, que suponían un retroceso en la técnica óptica, pero que tenían como objetivo
conseguir imágenes con un desenfoque “pictórico” que recordaban a las de J.M. Cameron. En esta
búsqueda de “lo pictórico” mediante la degradación de la imagen fotográfica se llegó al extremo de
utilizar cámaras estenopeicas (sin lente).

Las técnicas utilizadas (Papel Fresson, goma bicromatada o bromoleo) perseguían, mediante
manipulación de laboratorio muy laboriosas, conseguir imágenes que tuvieran ese aspecto de pintura.

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A demás de Demachy hay que citar en este movimiento a C. Puyo, L. Missone y al holandés Richard
Polak que recrea cuadros de Vermer y atrezo fotográfico.

5. EL REPORTAJE FOTOGRÁFICO

El primer uso testimonial de la fotografía aparece en el campo de batalla. La guerra de Crimea (1854 –
56) fue la primera que el público presencio vía fotografía.

Suele considerarse como primer reportero de guerra a Roger Fenton, que documento la contienda con
tanto verismo que la sensibilidad victoriana de la época no soporto la crudeza de sus imágenes y tupo
que dedicarse a fotografiar paisajes.

Foto de Roger Fenton

Mathew Brady y Alexander Gardner, se han a conocer documentando la guerra de Secesión

norteamericana, mientras que la Comuna de Paris lo fue por Liébert que publico un libro titulado Crimes
de la Commune, en el que recreo los hechos a su manera, en una serie de fotomontajes manipulados
que tergiversaban la realidad pero que se vendieron muy bien. Todo un procedente de la manipulación
informativa que posteriormente se manifestaría con demasiada frecuencia.

La Segunda Guerra Mundial es documentada con el soporte de las grandes revistas ilustradas, que en
esa época ya disponían de un gran número de lectores interesados en conocer de primera mano las
condiciones de vida de sus familiares ene l frente. Se da el caso de que los reporteros al servicio de las
potencias del Eje daban a sus imágenes un carácter épico, casi idílico, ocultando la crueldad de la
guerra (en el cine Leni Rifenstal es un claro ejemplo), mientras que los que trabajaban con los Aliados
narraban de forma realista los acontecimientos de que eran testigos.

Foto de Robert Capa

Asalto a la playa de Normandía foto de R. Capa
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Destaca sin duda el fotógrafo de origen húngaro Andrei Friedmann, conocido por su seudónimo Robert
Capa, que con la experiencia de su paso por la guerra civil española, se convirtió en el máximo exponente
de este género con sus publicaciones en la revista Life. La fotografía del soldado republicado que cae
muerto ante la cámara en Cerro Muriano (Córdoba) se convirtió en un símbolo que le valío el
reconocimiento internacional. Perdió la vida el 25 de mayo de 1954, en Thai Binh, Indochina, al pisar una
mina.

5. EL NUEVO REALISMO

La fotografía artística pierde, al final de la Primera Guerra Mundial, toda su atracción a favor de una
nueva visión por parte de las generaciones jóvenes, que al fina comprenden que la fotografía debe
buscar su propio camino. Aparece lo que se llamo “nuevo realismo”, que pone el acento en la nitidez y la
exactitud que caracterizan al medio fotográfico.

Paul Strand, Edward Weston y Albert Reger-Patzsh, que ya antes de surgir la corriente practicaban
este tipo de fotografía, son los primeros en entender que los límites de la fotografía se encuentran
dentro del amplio espectro de gradaciones entre luces y sombras, líneas, superficies y espacios.
Renger-Patzsh público en 1929 Die West ist schön (El mundo es hermoso) que actuó como manifiesto
del renacido realismo.

Foto de Paul Strand Foto de Alexander Rodtscchenko

Mientras en la Unión Soviética Alexander Rodtschenko, que había sido un pintor pionero del arte
abstracto se entregaba al foto realismo, en Estados Unidos Alfred Stiegliz, que califico las fotos de
Strand como “ajenas a todo engaño”, funda el movimiento Photo-Secessión. A través de su revista
Camara Work, Stieglitz y su grupo propagan su idea de una fotografía libre de manipulaciones y ajena
a la pintura.

6. LA FOTOGRAFIA COMO ARMA POLITICA Y DE DENUNCIA SOCIAL

La utilización cotidiana de la fotografía en la prensa y la proliferación de agencias como respuesta a la

creciente demanda de material gráfico se produce durante la Segunda Guerra Mundial y al término de
esta. Pero pocos son los fotógrafos que consiguen controlar el uso que se da a sus fotografías, que
muchas veces son tergiversadas ofreciendo un significado opuesto al que el fotógrafo pretendía.
Reencuadres, yuxtaposición de imágenes, titulares o pies de foto que cambian el sentido de lo que
muestra la imagen. Una fotografía de un bróker de bolsa gritando puede significar caídas estrepitosas
o ganancias extraordinarias, según el pie de foto que le acompañe.
El propio hecho de encuadrar implica una selección que puede dejar fuera un elemento importante,
desvirtuando o haciendo cambiar el mensaje que la situación transmite y todo esto nos lleva a valorar,
más si cabe, el trabajo de esos reporteros que han dado testimonio de todo tipo de injusticias y que, en
muchas ocasiones, han conseguido mejorar un poco el mundo gracias a su esfuerzo.

La fotografía utilizada con un marcado sentido de denuncia y preocupación por las circunstancias
sociales tuvo como pionera a Francis Benjamin Jhonson, que publico reportajes sobre las condiciones
de vida de los mineros de Pensilvania y las escuelas de negros en la década de 1880.

August Riis y Lewis-Hine documentaron el desastroso estado de las condiciones de vida en los barrios
desfavorecidos de las grandes capitales, como Londres o Nueva York, en la época del cambio del siglo
XIX al XX. La denuncia descarnada que Riis realizó en su estudio Como vive la otra mitad publicado en
1890 tuvo importantes repercusiones en el urbanismo neoyorkino, y su amistad con el que sería
presidente de los Estados Unidos, Franklin D. Roosevelt, puede que no fuera ajena a la política del New
Deal que este impulso tras la Gran Depresión.

Foto de August Riis Foto de Lewis Hine

Hide cubrió para la Cruz Roja la Primera Guerra Mundial y ya empleó una cámara de pequeño formato,
anticipándose en veinte años. Impactantes son sus imágenes de la construcción de los rascacielos
neoyorkinos.

Dorotea Lange realizó un trabajo imprescindible

denunciando las condiciones de trabajo de los
habitantes de las áreas rurales durante la Gran
Depresión. Ese fue su trabajo más conocido, pero
no fue menos importante su reportaje acerca de
los campos de internamiento en que fueron
confinados los ciudadanos de origen japones
durante la Segunda Guerra Mundial.

Foto de Dorotea Lange

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La foto-denuncia se vio favorecida por el avance de la tecnología en forma de cámaras cada vez más
pequeñas, que minimizaban el impacto que su propia presencia causaba en la escena. El paso de la
aparatosa cámara de placas a la Leica de 35 mm trajo consigo que el fotógrafo pudiera pasar
inadvertido o que, al menos, no se convirtiera en el protagonista.

7. CARTIER BRESSON Y EL MOMENTO DECISIVO

El reportaje fotográfico evoluciona tras la Segunda Guerra Mundial y amplia su vertiente social
asumiendo un aumento del espacio frente al texto. Henry Cartier Bresson (1908 – 2004) es su máximo
exponente y su obra ha sido fuente de inspiración hasta hoy. Su Leica, que siempre le acompaño era “la
prolongación de su ojo” como el mismo decía. Después de un periodo de búsqueda y experimentación en
la década de los 30, en la que se vio influido por el surrealismo, centra su interés en los temas
cotidianos y sociales, dotándolos con una estética tan característica que hace inconfundibles sus
fotografías. Su intención, además de documentar era inducir a la reflexión y agitar las conciencias. Sus
protagonistas siempre era la figura humana, muy frecuentemente en primer plano y siempre atrapando
ese momento que sintetiza toda una forma de vida. Es el concento del “instante decisivo” que para el
fotógrafo es el “… momento importante en el flujo constante de la vida y lo capta en una fracción de
segundo”. “la fotografía es, para mí, el impulso espontáneo de una atención visual perpetua, que atrapa
el instante y su eternidad”.

Foto de H. Cartier Bresson

Foto de H. Cartier Bresson

Pero no pensemos que el oportunismo que implica para muchos ese instante primaba sobre los aspectos
formales. Cartier Bresson cuidaba minuciosamente la composición de sus imágenes, de manera que en
primer lugar compone y luego espera a que “suceda algo”. Y entonces dispara y materializa la imagen
buscada. El oportunismo tiene una gran componente de aleatoriedad y por sin solo no produce ningún
resultado si no sabemos lo que esperamos.

8. LA FOTOGRAFÍA DE LA MODA

El mundo de la moda mueve fortunas y la fotografía de la moda, desde que se manifestó como género en
la revista Vogue, al comprarla en 1909 la Editorial Conde Nast, ha desempeñado un papel relevante no
solo como escaparate de un tipo de producto, sino como alojamiento de grandes fotógrafos, que
encontraron en este tipo de fotografía el cauce perfecto para desarrollar su talento. No se trata
solamente de vender ropa, en muchas ocasiones se consiguen imágenes verdaderamente artísticas.
Detrás de Vogue vino su competencia, Harper’s Bazaar. Las dos fueron las reinas de la fotografía de
moda durante las décadas de los años 1920 y 1930. La intervención de fotógrafos como Edward
Steichen, Horst P. Horst y Cecil Breaton transformo este género en una manifestación artística.

Audrey Hepburn por Cecil Beaton

Charlotte Rampling por H. Newton

Después de la Segunda Guerra Mundial la rivalidad entre las dos revistas lideres continuo, y fotógrafos
como Irving Penn, Richard Avedon o Martin Munkácsi transformaron el género en un semillero de
estética y belleza, abandonando los clichés clásicos de la foto en estudio. Desde que, en 1936 Munkácsi
retrato a sus modelos en la playa, abriendo sus sesiones a platos naturales, cada vez más exóticos y
sorprendentes. Helmut Newton, Herb Ritts, Horst P. Horst y más modernamente Terry Richardson,
Annie Leibovitz, Patrick Demarchelier, Steven Meisel, Mario Sorrenti o Mario Testino, han llevado a
sus modelos a parar en los lugares más insospechados, convirtiendo la fotografía de moda en un desafío
para la imaginación.

Foto de Irving Penn Foto de Horst P. Horst

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No puede hablarse de fotografía de moda sin citar a Richard Avedon. Nacido en Nueva York en 1923,
comenzó a trabajar en la revista Harper’s Bazaar a los 22 años, y enseguida se convirtió en el
fotógrafo más importante de la revista. Era un extraordinario retratista y sus fotografías en blanco y
negro tanto de la moda como del retrato de ños más diversos personajes. Su vertiente de fotógrafo
social no es menos importante, destacando sus campañas para el Movimiento de los derechos civiles o
contra la guerra de Vietnam.

Tampoco puede dejar de citarse, al peruano (Lima 1954) Mario Testino, uno de los fotógrafos de moda
actuales mas impactantes del mundo. Con base en Londres, se hizo famoso tras sus fotografías de Lady
Di publicadas en Vanity Fair en 1997. Fotógrafo de primeras marcas mundiales como Gucci, Dior o
Burberry, por delante de su cámara han pasado las mejores modelos y celebridades como Elizabeth
Hurley, Gisele Bünchen, Nicole Kidman, Emma Watson, Kate Moss y otras muchas. Puede decirse que es
el fotógrafo “oficial” de la realiza europea, siendo distinguido por la Casa Real Inglesa con la Orden del
Impero Británico en 2014.

Lady Di por Mario Testino Foto de Mario Testino

9. FOTOGRAFOS ESPAÑOLES- DE ORTIZ ECHAGÜE A CHEMA MADOZ

El ingeniero y piloto José Ortiz Echagüe (1886 – 1980) fue quizás el primer fotógrafo español
importante cronológicamente, y lo sigue siendo por su recorrido internacional. Ya en 1935 fue
distinguido como uno de los tres mejores fotógrafos del mundo por la revista American Photography y
muchos le consideran que sigue siendo el mejor de nuestro país, lo cual tiene doble mérito ya que nunca
se profesionalizó y toda su obra se realizó en ratos libres durante 75 años, en los que capto miles de
imágenes costumbristas, paisajes y retratos que conforman un retrato polifacético en blanco y negro
de la España de la época.

Siroco de José Ortiz Echagüe

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Pictoricista, consigue unos resultados con una estética inconfundible gracias al empleo de técnicas como
el Carbón Fresson, de un aspecto inconfundible pero que exige una técnica depuradísima y un proceso
muy laborioso.

Uno de los grandes protagonistas de la movida madrileña en los ochenta fue la fotógrafa Ouka Leele,
cuyas obras eclécticas y alocadas se hicieron famosas. Ouka Leele estaba obsesionada con el color y
experimentaba sin parar probando y creando el arte más atípico. Lo más famoso son sus fotografías en
blanco y negro, que después ella coloreaba con acuarelas de forma onírica, inventando realidades.

Fotos de Ouka Leele

Primera fotógrafa miembro de la agencia Magnum es Cristina García Rodero De ella podemos decir que
es la fotografía del folklore y los festivales tradicionales de la España del siglo XX. Uno de los máximos
exponentes del documentalismo español. Su obra manifiesta un profundo interés por el comportamiento
humano y las dualidades y dualidades de la existencia (religioso - pagano, natural - sobrenatural, vida –
muerte, …). Su mirada indaga sobre las tradiciones y ritos que han sobrevivido durante siglos y las
nuevas creencias y manifestaciones.

El alma dormida de Cristina García Rodero Rituales en Haití de Cristina García Rodero

La mitad invisible: El alma dormida | RTVE Play

Otro fotógrafo español de prestigio internacional es Chema Madoz que desde 1990 trabaja en crear un
espacio de objetos fotografiados con una visión que se puede denominar “paradójica” y ciertamente
emparentada con el surrealismo. Premio Nacional de fotografía y ganador de numerosos premios
internacionales, Madoz nos introduce en un universo que provoca desde la perplejidad a la reflexión,
pasando por la sonrisa y desde luego haciendo gala de una imaginación fuera de serie.

Fotos de Chema Madoz

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