UNIVERSITÀ DI BRASILI

Facoltà di Comunicazione
Dipartimento di Audiovisivi e Pubblicità
Ufficio di Base per l'Audiovisivo
Professor David R. L. Pennington
Tatiana Tenuto

Scritto il: 05/04/2008

BERNARDET, Jean-Claude. Che cos'è il Cinema. 2 ed. San Paolo: Brasiliense, 1985.

Il libro di Jean-Claude Bernardet analizza il cinema sotto aspetti storici, culturali e

politici, mostrando l'impatto della riproduzione del movimento sulle popolazioni nel corso del tempo.
Inizialmente, la registrazione del movimento fu affidata all'inglese Muybridge, che voleva analizzare il
galope del cavallo, e del francese Marey - che crea il “fucile fotografico” -, che analizza il volo di un
uccello. Entrambi cercano di fissare movimenti che non possono essere analizzati a occhio nudo. Tra la fine
del XIX secolo e all'inizio del XX secolo la Rivoluzione Industriale ha trasformato la società con

invenzioni come l'elettricità, il telefono e il cinema. La borghesia praticava l'arte cinematografica

come la riproduzione della realtà. Nella letteratura, c'era l'interferenza dello scrittore; nella pittura, c'era la
intervento della mano del poeta. Al cinema, la meccanica garantirebbe l'oggettività, e l' "occhio
Il "mecânico" (come veniva chiamato il cinema dell'epoca) rifletterebbe il reale, il movimento della vita.

Un'analisi più profonda della cinematografia, tuttavia, ci consente di identificare alcuni

fallimenti: il movimento cinematografico è un'illusione, poiché l'immagine che vediamo è il risultato di

proiezione di fotogrammi di un movimento con intervalli molto brevi, impercettibili all'occhio

umano. Inoltre, il cinema non ritrae la realtà senza interventi. La posizione della telecamera, il
il ritaglio della scena e l'inquadratura dei personaggi sono fatti in modo da insinuare interpretazioni e
sentimenti, cioè, le riprese sono fatte con una certa intenzione.
Un fattore che ha favorito l'implementazione del cinema è la differenza tra questo e un'opera teatrale.

teatro o una presentazione di orchestra: copie. A prima vista, un film può essere presentato
simultaneamente in diversi luoghi a un numero illimitato di persone, cosa che non accade nei
altre situazioni già citate. Investire in copie significa anche ottenere il rimborso dei
costi di produzione più rapidamente e, di conseguenza, ottenere profitti maggiori. Questo sistema
ha permesso l'espansione del mercato cinematografico mondiale; con un pubblico sufficientemente
numerosi, i profitti arrivavano più rapidamente agli uffici, e il produttore commercializzava le copie
per prezzi ancora più bassi. Essendo così economico, la produzione cinematografica di paesi poco o non-
gli industrializzati non riuscivano a competere, creando un circuito di esposizione in funzione dell'importazione
di film. Questa situazione ha permesso la dominazione del mercato brasiliano da parte delle cinematografie europee.

È possibile, tuttavia, trovare barriere per questo commercio: il ritardo tecnologico (mancanza di
elettricità, poca urbanizzazione), culture molto diverse, aree di influenza politica conflittuale,
ecc. Anche se ci sono leggi protezioniste per difendere la produzione nazionale, i grandi
i produttori riescono a eludere le leggi associandosi a produttori locali o fanno pressione sui
relazioni economiche, minacciando le importazioni. Tutti questi fattori mostrano il dominio dei paesi
sottosviluppati, che sono influenzati ancora nei gusti, nelle abitudini e nei ritmi. Nel caso brasiliano, il
lo spettatore è costretto a seguire la trama attraverso i sottotitoli, non dando tempo per potersi soffermare sulle

immagini.
La merce cinematografica è astratta. All'arrivo alla biglietteria, lo spettatore non acquista il
film; lui compra un biglietto che gli dà il diritto di assistere al film in una poltrona della sala
esibizione. Questa caratteristica commerciale ha strutturato l'industria e il commercio cinematografico in tre
livelli: il produttore, il distributore e l'esibitore. Ciò che circola a questi livelli sono i diritti del film, e
non la merce concreta. Con lo sviluppo del cinema, si è visto che il linguaggio
predominante era la fiction. Le strutture narrative e la relazione con lo spazio divertivano il pubblico,
e con il tempo, ci sono state evoluzioni nel linguaggio di presentazione dei film, come il spostamento
dalla telecamera (travellings e panoramiche). Oltre al movimento, la telecamera filmava anche frammenti
di spazio, ampi o ristretti, ritagli che sono diventati elemento linguistico caratteristico del
cinema. Di fronte a ciò, si vede che filmare è un atto di analisi - c'è la selezione delle immagini nella ripresa e

l'organizzazione delle immagini in una sequenza temporale -, chiarendo che il linguaggio

La cinematografica è un processo di manipolazione che distorce qualsiasi interpretazione del cinema come
riproduzione del reale. L'espressione di questo montaggio dipende dalla relazione che si stabilisce con altri
elementi, cioè, gli elementi acquisiscono significato attraverso l'inserimento in un insieme, nonostante questo

la significazione non è mai precisa, il che ci porta sempre all'ambiguità.

Il film, come merce, deve piacere al pubblico attraverso un linguaggio attraente. Evitare
cortes di piani chiusi a aperti, o viceversa, per esempio, e fare transizioni fluide; non
cortare da un piano fermo a un altro in movimento; evitare anche che la fotocamera occupi posizioni
poco comuni nella vita quotidiana Nella costruzione del linguaggio, tuttavia, si trovano differenze. Per
i sovietici, il montaggio non è costruzione del reale immediato, ma costruzione di una nuova realtà.
Eisenstein rifletteva che il cinema può produrre idee, poiché la struttura del montaggio è la
struttura del pensiero. In Germania, l'Espressionismo degli anni '20 e '30 non si rivolse a
tentativo di produrre il reale. Influenzato dalla letteratura, questo movimento mostrava immagini che
poco avevano in comune con la vita quotidiana. L'“Avanguardia” francese cercava di esprimere
sentimenti e stati d'animo, anziché situazioni drammatiche. Nonostante tanta diversità
tra questi paesi, c'è un punto in comune: si oppongono al sistema cinematografico dominante come
forma di produzione, linguaggio e relazione con il pubblico.
 Con la crescita del cinema, l'industria ha applicato maggiore rigore alla pianificazione del film,
provocando le divisioni di funzione. E questa frammentazione del lavoro ha portato alla frammentazione della

percezione. Lo spettatore impara a differenziare la trama, la scenografia e il copione. Per il pubblico

continuare motivati, il sistema industriale ha bisogno di novità; tuttavia, la novità è rischio per
questo sistema, che può essere danneggiato dalla sua stessa rigidità. Per aggiornarsi e mantenere il pubblico, la
l'industria si rivolge a produttori indipendenti e aziende più piccole, i cui film sono meno
condizionati dalle esigenze del mercato. Diversamente dalla produzione privata vigente nei
Stati Uniti e Europa, la produzione cinematografica dell'URSS è totalmente statalizzata, che non
visa direttamente ai profitti, ma al rimborso dell'investimento e all'ampliamento della produzione. Nel
In Brasile, la produzione è privata, ma con una forte partecipazione statale.
Per garantire le operazioni commerciali che portano il nastro della produttrice fino allo schermo del cinema,

si avvale di meccanismi come la celebrità, che dà al film il suo valore di scambio. Invece di sapere se
Un film è buono o no, lo spettatore vuole vedere il film di Marlon Brando. Questo sistema
condiziona gli intrighi al percorso di un personaggio, un percorso individualista. Altro
Il meccanismo utilizzato è la classificazione dei film in generi, poiché questo permetteva l'etichettatura di ciò
otteneva successo, e così era più facile esplorare i buoni punti del mercato. Di fronte a ciò, si vede una
necessità di ripetizione, in cui le trame cambiano, ma obbediscono a strutture praticamente
immutabili; affinché nuovi film arrivino nei circuiti commerciali, devono utilizzare una
linguaggio con cui il pubblico sia familiare, ovvero adottare forme drammatiche familiari
al cinema di mercato.
Dopo la Seconda Guerra Mondiale (1939-1945), iniziano a proliferare i festival, e il
anche il movimento editoriale cresce: appaiono saggi critici, nascono riviste di estetica e di
discussione politica. Il cinema diventa anche disciplina universitaria, con corsi di storia e
critica. Di questa fase che inizia dopo la Seconda Guerra, si può dire che la storia del cinema è
dominata da quello che si chiama "Nuovi Cinema". In questo movimento, i cineasti si rivolgono
per la vita quotidiana dei proletari, contadini e piccola classe media; la strada e ambienti naturali
sostituisci gli studi; il linguaggio si semplifica, cercando di catturare questa quotidianità. Nascono
correnti come il Neo-Realismo in Italia, l'Espressionismo in Germania e la Nouvelle Vague
Francia. In generale, questo cinema si afferma in opposizione al film di industria e di produttore. Il
l'autore cinematografico tende a essere il proprio produttore, cioè, l'autore non realizza un'opera di
incarico, la tua opera corrisponde a una volontà di espressione, di comunicazione. Il cinema nuovo più
vigoroso e originale nei giorni nostri è il tedesco, che riprende e rinnova l'espressionismo all'inizio del
secolo.
Con il Cinema Novo in Brasile, le élite iniziano a trovare nel cinema una forza culturale
che esprime le sue preoccupazioni politiche, estetiche, antropologiche. Fino al colpo di Stato del 1964, il
Il Cinema Novo si concentra principalmente sulla tematica rurale, offrendo una visione ampia dei
problemi di base della società brasiliana. Dopo il colpo di stato, il tema rurale si ritira e si concentra su
classe media. Nei pressi del 1968, ebbe inizio il cinema militante, che si sviluppò intensamente
negli ultimi anni. In generale, sono film cortometraggi di cineasti che lavorano per
movimenti specifici o prodotti dai movimenti o partiti politici stessi. In
diversi paesi latino-americani, il cinema militante ha conosciuto un fiorire nei periodi più
liberais, focalizzando questioni contadine, movimenti studenteschi e operai. È stato in Argentina
che questo cinema si è sviluppato di più. Negli ultimi venti anni, si sono sviluppati nuovi circuiti di
cinema, conosciuto come mercato parallelo o circuiti alternativi.

Scritto il: 05/04/2008