L'origine dell'Educazione Artistica in Occidente

La cultura occidentale ha avuto le sue origini in Grecia, e i suoi grandi filosofi, Platone e Aristotele,
non solo hanno scritto sull'educazione ma anche sul posto che occupano le arti al suo interno
di lei; di conseguenza, qui è dove deve iniziare la storia dell'educazione artistica.

Nel periodo successivo saremo testimoni dell'ascesa e della caduta di Roma, dell'Europa
medievale, del Rinascimento italiano, della scoperta e conquista del Nuovo Mondo,
e della fondazione degli Stati Uniti.

L'educazione artistica nell'epoca classica

Si considerava che le arti fossero occupazioni poco dignitose, improprie per i figli delle
migliori famiglie. La pittura e la scultura erano considerate occupazioni inferiori,
paragonabili al lavoro comune, e perciò avevano solo un ruolo minore nell'educazione
formale della progenie degli aristocratici.

Coloro che si guadagnavano da vivere come ceramisti, tessitori, pittori o incisori imparavano
i suoi mestieri nei laboratori familiari, dove il padre trasmetteva le sue abilità ai figli.
A volte venivano introdotte persone estranee alla famiglia come apprendisti. Nell'ultima
epoca dell'Impero Romano, l'imperatore promuoveva lo studio dell'architettura con la
concessione di un stipendio agli studenti di maggior talento, grazie al quale la carriera
acquisì uno stato un po' più elevato.

La cultura ellenistica divenne di moda a Roma intorno al 200 a.C. e il possesso di

oggetti d'arte di alta qualità convertivano i loro proprietari in uomini raffinati e colti;
tuttavia, l'autore di tali oggetti rimase un mero artigiano.

L'educazione a Sparta

Nel 800 a.C. si recavano a Sparta artisti, poeti e musicisti degli estremi
più lontani dalla Grecia in cerca di riconoscimento e successo. Ma verso il 550 a.C. già
non patrocinava le arti, coltivava solo l'arte della guerra.

Dopo due guerre in cui la città-Stato fu coinvolta in una lotta fino alla morte
contro i meseni. Quando Sparta si sollevò con la vittoria, la sua classe dirigente si
si trasformò in un'aristocrazia militare terriera e la gente sotto il suo governo si trovò
ridotto allo status di una servitù contadina, il cui lavoro era necessario per la sussistenza
materiale degli spartani. Sparta era diventata uno Stato militare governato da
cittadini-soldati professionisti. Mentre le arti e tutto ciò che potrebbe contribuire
embellire la vita era stato messo da parte.

All'età di sette anni iniziava l'istruzione statale, oagogé, che durava tredici anni.
Tra i sette e gli undici anni i bambini vivevano a casa e frequentavano delle lezioni per
praticare giochi e allenarsi fisicamente. Tra i dodici e i quindici anni di età
abbandonavano la loro casa ed entravano in quello che veniva a essere un collegio spartano, dove venivano
imponeva un trattamento ancora più duro, dopo il quale ricevevano quattro anni di istruzione
militare formale. Terminato il loro addestramento, i nuovi soldati cominciavano a servire al
Stato.

Si insegnava anche qualcosa di lettura e scrittura, così come i poemi di Tirteo, le

canzoni nazionali, e anche musica e danza nella misura in cui inducessero allo spirito
La maggior parte degli ateniesi si guadagnava da vivere attraverso l'artigianato e il commercio, e
nonostante le differenze che potessero esistere riguardo alla ricchezza e al prestigio, erano
uguali davanti alla legge.

Sia la religione che la Costituzione che serviva da base al Governo secondo leggi, così
come i festival, il teatro e le opere degli artisti ateniesi, rafforzavano, ognuno a suo
maniera, gli stessi valori e tendenze culturali; ognuno contribuiva a un stesso
modello di vita comunale: lapolis.

L'istruzione ad Atene

A fini di preservare le antiche tradizioni si permetterà di occupare il posto della vecchia

aristocrazia. Sorsero una nuova concezione dell'istruzione il cui obiettivo era «il bene
vita», che si basava sullo sviluppo completo della personalità, inclusi i suoi aspetti
fisici, intellettuali, estetici e morali. Il modello educativo rifletteva una cura attenta
equilibrio tra la ginnastica e la musica (mousike: qualunque delle arti e delle scienze che
si trovavano sotto il dominio delle muse). La ginnastica era l'educazione della forza e la
la grazia del corpo, mentre la musica lo era dell'anima.

Lo Stato non forniva le scuole, ma stabiliva le condizioni che dovevano essere

adempiere per aprire scuole private, tra cui c'erano gli orari di apertura e
chiusura, così come i mezzi per garantire la sicurezza e la supervisione morale.

Una buona parte dell'educazione greca ruotava attorno all'apprendimento delle opere dei
grandi poeti, e la musica che accompagnava il testo forniva il ritmo e l'atmosfera
necessari per darle carattere.

Il disegno nell' Grecia ellenistica

Le prime lezioni di disegno ebbero luogo a Sicion, nel IV secolo a.C., grazie a
influenza di Panfilo, uno dei maestri di Apelle, e da lì si estese all'insieme di
Grecia.

Aristotele le classificò come una materia aggiuntiva che gli studenti aggiungevano al loro curriculum
normale di letteratura, ginnastica e musica, ma un secolo più tardi il professore di disegno
compariva come un membro regolare del personale educativo.

Si crede che i bambini apprendessero a disegnare con il carbone e a dipingere su una tavola di legno
de boj, e che l'attività principale consisteva nel disegnare modelli dal vivo.

L'educazione artistica nella Repubblica di Platone

Platone si interessò alle arti nella misura in cui facevano parte integrante dell'istruzione
adeguata per i governanti idonei.

A lungo tutta La Repubblica, Platone sostiene che l'arte suprema è l'arte di governare,
e concepisce lo statista sia come educatore che come legislatore. Sottolinea che ascoltare
poesia e contemplare belle sculture e opere architettoniche si trovano tra i maggiori
piaceri che hanno a disposizione i cittadini, ma che tale piacere non è un test sufficiente
per valutare l'efficacia dell'arte.

Per Platone, la realtà ultima doveva essere ricercata nelle «forme ideali», che sono eterne e
possono essere comprese solo attraverso l'educazione del potere della ragione. Le immagini
Le arti erano sotto sospetto perché erano imitazioni di imitazioni. Questo era così
vero nel caso delle statue e dei dipinti come in quello della poesia. Un secondo
la preoccupazione era il pericolo che rappresentavano per il decoro pubblico. Solo una delle arti,
la musica, sfuggiva a questa sanzione; poiché non imitava la natura ma le virtù
misme, si la considerava più vicina alle «forme ideali». Per questo motivo si attribuì
alla musica un posto più elevato nell'educazione di quello attribuito alle altre arti. Di
In ogni caso, non difendeva l'eliminazione delle arti dall'educazione.

L'arte e la Politica nella Politica di Aristotele

Per Aristotele non esisteva nessun mondo separato dalle forme. Tutte le cose di
la natura incarna certi «universali», che possono essere conosciuti direttamente attraverso
dei sensi. Rifiutava l'idea di Platone che la poesia e le altre arti fossero inferiori
come fonti di conoscenza, poiché presentando gli universali dell'esperienza il poeta
si concentra sull'aspetto realmente importante della conoscenza.

L'artista era una persona abile nella realizzazione di imitazioni. L'addestramento artistico
va oltre il semplice dominio del mezzo: gli artisti devono anche conoscere cosa sono le
cause e gli effetti nella natura e i motivi e le conseguenze nelle azioni
umane.

Aristotele considerava che la musica e la poesia fossero essenzialmente educative in un

senso morale; anzi, non limitava il suo ruolo educativo all'insegnamento dei giovani ma
che si estendeva anche alla cultura dei cittadini maturi.

Nella Politica, Aristotele distinse quattro branche dell'insegnamento, vale a dire, la lettura e la
scrittura, gli esercizi ginnici, la musica, e a volte il disegno. La lettura, la
la scrittura e il disegno si giustificano per la loro utilità nella vita; l'allenamento ginnico per
la sua capacità di infondere coraggio.

Pensavo che il tempo libero sia ciò che facciamo per la soddisfazione intrinseca che produce, e in
quello che possiamo trovare è la maggiore delle felicità. Tale è la natura della musica,
si tratta di un'attività intellettuale che viene valutata di per sé.

La musica merita di essere praticata «per il solo piacere», come un godimento intellettuale. Ma il
il vero fine di tale educazione è la virtù. Il godimento e il giudizio possono essere limitati in un primo
a livello dell'estetica della propria musica, ma a un livello superiore sono il godimento e il giudizio di
«i sorprendenti tratti di carattere e le nobili azioni che la musica è capace di
rappresentare» quelli che danno la loro importanza educativa.

La decadenza della musica e della ginnastica nell'epoca ellenistica

La musica e la ginnastica avevano perso il loro status come mezzi per l'educazione dei
giovani; in questo modo, quando l'educazione ellenistica passò a Roma, avevano smesso di essere
elementi importanti del curriculum.

Le arti nell'educazione romana

Al tempo di Cicerone, un romano ben educato era qualcuno che aveva una formazione
greca. La tradizione aristocratica di collezionare opere d'arte che prima riconoscevamo tra
I greci nell'epoca ellenistica si introdussero anche nella società romana. In realtà,
c'erano molti scultori a Roma che si guadagnavano da vivere facendo copie delle statue
La bellezza cominciò a definirsi come l'incarnazione delle forme ideali, ed era vista come
algo più che una fonte di piacere, costituiva anche una forma di apprensione intellettuale,
beh, l'arte rende le forme accessibili ai sensi.

L'insegnamento delle arti durante il Medioevo

Dopo la caduta di Roma, l'attività secolare nel campo delle arti visive rimase
virtualmente paralizzata, così come il commercio e la comunicazione. Il mecenatismo dei
artisti, i musicisti e i poeti è giunto virtualmente alla sua fine. Con l'estensione del caos
economico, i laboratori degli artigiani scomparvero gradualmente.

Con l'ascesa del sistema feudale, l'Europa è diventata un mosaico di feudi ereditari,
ognuno dei quali costituiva un'entità economica autosufficiente, comprese le
comunità monastiche inquadrate all'interno della Chiesa. Ogni feudo disponeva di laboratori
per elaborare gli utensili necessari per la vita quotidiana.

La Chiesa si sforzò attivamente di eliminare tutti i resti della cultura pagana.

Sia le arti che l'insegnamento stesso entrarono in un periodo di decadenza. Senza
embargo, alcuni elementi della cultura pagana furono conservati dai monaci e dai
scrivano, molti dei quali erano stati educati nella tradizione classica.

Le arti e le scienze, così come ogni pensiero e azione, emanavano dalla stessa.
concezione religiosa del mondo, secondo la quale il significato di tutte le cose rimaneva
espresso e spiegato in termini del mondo a venire.

La chiave per comprendere la società medievale è la terra. La terra le era stata consegnata
all'uomo per Dio, affinché potesse lavorare per la sua salvezza eterna. Il lavoro era
sempre direttamente o indirettamente legato ai lavori dei campi, che era allo stesso
il tempo una forma di penitenza e una forma di nobilitare la vita. I monaci dei
I monasteri erano principalmente reclutati tra le classi aristocratiche, e non era
infrequente che il figlio di un nobile, che «in altro modo non avrebbe mai maneggiato un
un pennello, uno scalpello o una spatola, entrerà in contatto diretto con le arti.

Le scuole monastiche, gli scriptorium e i laboratori

Il calo dei livelli di alfabetizzazione ha reso necessario un maggior uso delle arti per
guidare i credenti verso Dio. Ai tempi di Papa Gregorio Magno, si poteva
usare dipinti e statue per illustrare gli insegnamenti della fede, sebbene Gregorio avvertisse che
non si dovevano adorare le immagini in sé stesse, ma dovevano essere impiegate per guidare il
anima verso Dio. Ciò ha promosso un uso più ampio delle arti come mezzo per
propagare la fede. Il fine che perseguivano le prime scuole monastiche coincideva con il fine
ultimo della vita monastica: la salvezza delle anime.

Benito stabilì una serie di regole per guidare la vita nel monastero, conosciute come la
Regola Benedettina. La regola 43 dichiarava che l'ozio è il maggiore nemico dell'anima,
perciò tutti i monaci devono rimanere occupati in ogni momento, sia in lavori
manuali o in letture sacre. I monaci divennero abili artigiani di
legno, pelle, metalli preziosi e vetro. Diventarono agricoltori e
trasmettevano informazioni ai contadini su questioni agricole. Nei conventi
per le donne c'erano disposizioni simili riguardo ai lavori manuali, come
fare maglieria e ricamare. Il dovere di lettura fece in modo che nelle biblioteche del monastero si
potessero partecipare alle attività liturgiche quotidiane, e all'aritmetica necessaria per
calcolare la data delle celebrazioni religiose. La scuola monastica era l'unica
istituzione educativa che operava all'inizio del Medioevo, e sebbene la sua funzione
il principale era preparare i monaci, accettava anche alcuni giovani, che nella maggior parte
dei casi erano i figli dei nobili.

C'erano molti artigiani diversi coinvolti nella realizzazione di un libro. Il primo era
lo scrivano, che tracciava le lettere nere del testo. Più avanti veniva il pittore, che non solo
era un esperto disegnatore ma doveva sapere come preparare il mordente, applicare uno strato
dorata e darle lucentezza. Poi arrivava il rilegatore. All'inizio, le illustrazioni
erano limitate alle lettere maiuscole.

Alcuni monasteri avevano iniziato a sviluppare laboratori sofisticati che meritano il

numero di scuole d'arte monastiche. In numerosi monasteri —come ad esempio in
Fulda e Hildesheim - sono stati aperti laboratori di artigianato destinati principalmente a scopi
educativi, i quali fornivano un flusso costante di giovani artisti a
monasteri e cattedrali, così come le case feudali e le corti.

Nella bassa età medievale erano apparsi i gremi artigianali per i vari mestieri,
che sono diventate una parte importante del panorama educativo. Tali organizzazioni
operavano sotto licenze rilasciate da autorità civili o ecclesiastiche; in cambio di tale
riconoscimento, si occupavano di stampare una rigorosa disciplina e mantenere il controllo
tra i suoi membri.

Il sistema di apprendimento

La funzione latente del gremio era controllare l'offerta professionale attraverso una drastica
limitazione del numero di apprendisti che potevano accedere alla formazione e di quelli che
potevano impartirla, poiché prendere apprendisti era un privilegio che spettava solo a
i maestri. Di solito, gli apprendisti iniziavano il loro periodo di apprendimento all'età di
tredici o quattordici anni. In alcuni casi, la famiglia doveva pagare l'insegnante per i suoi
insegnamenti, anche se in altri casi gli apprendisti percepivano un compenso. Un apprendista con
il talento aveva molte più probabilità di ricevere una retribuzione per i suoi servizi in
Italia che nel nord Europa. Dopo un periodo di cinque o sei anni, l'apprendista riceveva
abitualmente un certificato, e dopo aver superato un test ufficiale, che spesso includeva la
elaborazione di un «pezzo maestro», era in condizioni di ottenere il rango di maestro.
Un maestro poteva aprire il proprio laboratorio e prendere apprendisti.

Nel corso di questo periodo di intenso addestramento tecnico, il giovane apprendista doveva obbedire
le rigide norme del gremio locale. Queste norme erano collegate a
preservazione dei segreti del mestiere; limitavano anche il diritto dell'apprendista di vendere
oggetti di propria realizzazione.

L'insegnamento avveniva attraverso l'imitazione del maestro o degli assistenti, e il

il risultato veniva giudicato in termini di accuratezza dell'imitazione. Il sistema non era
pensato per stimolare l'originalità artistica ma piuttosto per garantire la trasmissione
di un alto livello di qualità artigianale, e in questo senso adempiava molto bene al suo compito.

Trattati di Laboratorio

Durante il Medioevo alcuni artigiani scrissero trattati sui problemi

La separazione delle belle arti rispetto all'artigianato avrebbe avuto profonde
conseguenze per l'insegnamento dell'arte.

Il rinascimento umanista

Gli umanisti si concentravano sullo studio della letteratura dell'antichità, compresa la

storia, filosofia e poesia. Svilupparono la pratica di fare riferimento ai documenti
originali delle fonti classiche e bibliche. Sopra ogni cosa, gli umanisti diffusero
l'ideale che l'istruzione generale, in e per se stessa, fosse preziosa per tutti, e
che non dovrebbe essere limitata ai chierici o ai medici.

L'istruzione umanistica trionfò grazie all'istituzione di nuove scuole che

sapevano attrarre meglio i giovani rispetto alle scuole monastiche o cattedrali di epoche
precedenti. Queste nuove scuole si preoccupavano in particolare del recupero della
eredità intellettuale classica. Il risultato fu un nuovo modello di scuola secondaria che
avrebbe dominato l'istruzione europea per diversi secoli.

Le scuole degli umanisti si distinguevano dalle loro predecessrici medievali per la loro maggiore
uso dei testi stampati, invece delle letture proprie delle scuole precedenti. I
gli studenti hanno imparato ad apprezzare la bellezza della letteratura, dell'architettura, della poesia e del
teatro del passato. Per la prima volta si è data importanza all'educazione estetica, un elemento
completamente assente nell'educazione medievale.

La cultura neoplatonica e la sua influenza sulle arti

Nell'ultimo terzo del Quattrocento, un ristretto circolo di umanisti si riunì in

Firenze sotto il patrocinio di Cosimo e poi di Lorenzo de' Medici. Interprettarono
delle dottrine platoniche sull'amore e sulla bellezza, altamente allegoriche come tutte le sue
commenti sui testi classici, avrebbe un'influenza speciale sulle arti e il loro valore
dentro dell'esperienza umana.

Questi contribuirono ad aprire la strada verso l'accettazione dell'artista come un membro della
élite culturale, a differenza della concezione medievale dell'artista come mero artigiano
qualificato. Ora lo si vedeva come un individuo con doti uniche per partecipare a
lavori creativi quasi divini.

La teoria dell'Arte rinascimentale

Tre dei principi di Alberti riflettono chiaramente gli insegnamenti degli umanisti: 1.
Un dipinto deve evocare una sensazione di realismo spaziale e storico grazie a una
combinazione della prospettiva e di un sistema di proporzioni e scale basate su
figura umana. 2. Un dipinto deve avere una storia, o tema, una situazione drammatica o
episodio storico tratto dalla letteratura classica o dalla Bibbia. 3. Il tema scelto deve
rappresentarsi mediante un uso adeguato del colore, della luce, della proporzione e della
composizione, in modo che trasmetta allo spettatore un dramma vivo e plastico capace di
edificarlo, aterrorizarlo, deleitarlo o istruirlo.

Lo scopo dell'opera si raggiunge quando risveglia nello spettatore la giusta intuizione

morale o religiosa. Le opere che raggiungono questo obiettivo incarnano la vera concezione
umanistica dell'arte.

L'educazione artistica rinascimentale

Il fatto che l'artista fosse alla fine riuscito a occupare una posizione rispettabile nelle
i corti dei principi e dei papi aumentavano la necessità di una concezione più ampia
dell'educazione artistica che quella che poteva offrire il sistema medievale.

Sia Leonardo che Michelangelo mostrarono una vivace curiosità scientifica, e entrambi
riescono a imprimere il sigillo unico della loro personalità nelle loro opere. Non sono stati unicamente
riconosciuti come dei maestri dotati di abilità superlative, ma non come
geni il cui talento aveva un'origine divina. Non appena l'arte cominciò a essere vista
da questa prospettiva, tutto il programma educativo dei gremi, con la sua sottomissione servile al
Il maestro locale si è visto in pericolo.

Il risultato di ciò furono le accademie, dove i professori e gli studenti potevano

sviluppare e condividere la conoscenza della teoria e della filosofia della pratica artistica,
basata sulla ricerca del sapere artistico universale.

Le prime accademie rinascimentali consistevano piuttosto in gruppi di artisti di età

diverse, alcuni neofiti e altri artisti consumati, che si riunivano per disegnare o per
contemplare le dimostrazioni che facevano altri di tecniche o principi innovativi, o anche
per discutere teorie dell'arte e altre tendenze culturali di carattere generale. Si trattava di
circoli filosofici informali riuniti sotto gli auspici di un importante mecenate o simile
Vez un principe della Chiesa. Il curriculum, se possiamo chiamarlo così, consisteva in una serie di
teorie sviluppate dagli stessi artisti contemporanei, correlate con la
fondamentazione matematica delle arti, dell'anatomia o della ricerca umanistica della
antichità.

Le idee di Leonardo riguardo all'insegnamento dell'arte si trovano nel suo trattato sulla
pittura. "Prima di tutto, copiare disegni realizzati da un buon maestro a partire da
natura e non come esercizi; poi, copiare da un rilievo, avendo vicino un
disegno realizzato a partire dallo stesso rilievo; poi a partire da un buon modello; e tutto questo
dovrebbe servire come pratica.

Più tardi, le accademie private divennero qualcosa di comune in Italia verso la fine del
secolo XVI e principi del XVII. La sua esistenza può essere considerata una prova che la
La vocazione dell'artista aveva guadagnato rispetto sin dai giorni del primo Rinascimento.

Per i fratelli Caracci, Bologna - Italia, la pittura era una scienza che poteva essere insegnata.
a partire da una serie di regole fisse, e tali regole potevano essere scoperte attraverso lo studio del
esempio dei buoni insegnanti.

L'insegnamento aveva ridotto l'arte a un insieme di regole assolute basate su

autorità indiscussa dei geni dell'arte dell'alto Rinascimento.

L'epoca assolutista e l'Accademia francese

L'atteggiamento rinascimentale aveva lasciato spazio al dubbio e al interrogativo. Lo scisma della

La Chiesa, le guerre e le agitazioni sociali segnarono la fine del Rinascimento. La società
optò per l'assolutismo politico, per la ragione e la scienza. Nel XVII secolo iniziò a prendere
forma una nuova coscienza che avrebbe dovuto influenzare l'insegnamento delle arti fino a
fini del XIX secolo.

L'ideologia assolutista
L'architettura, la musica, la pittura e la scultura venivano utilizzate sistematicamente per
costruire un'immagine di gloria e grandezza. La grandezza era la strategia impiegata per
esprimere la legittimità divina dei re e allo stesso tempo collocare la Francia in una
posizione di leadership tra le altre nazioni d'Europa.

La novità del regno di Luigi XIV fu il grado in cui arrivò a istituzionalizzarsi tale
politica nell'apparato delle accademie istituite dal Governo per controllare il
mecenatismo, la censura e l'istruzione.

I cambiamenti introdotti nell'istruzione generale

Verso la fine del XVI secolo, tuttavia, i metodi dei maestri di scuola erano diventati
cominciato a degenerare in una sorta di formalismo linguistico, basato su esercizi che
si concentravano sulla ripetizione delle parole e sulla memorizzazione di routine. L'istruzione
la scuola secondaria era ridotta all'apprendimento delle regole, delle declinazioni e delle
coniugazioni della grammatica latina e alla memorizzazione di lunghi passaggi dei classici.

L'educazione artistica nell'Accademia francese

L'Accademia Francese di Pittura e Scultura fu fondata nel 1648. Gli artisti di corte
che non erano membri del gremio idearono un piano per sfuggire alle loro norme, a sapere, la
creazione di un'accademia. Hanno presentato una richiesta alla corona affinché ne creasse una
istituzione di questo tipo. La sua richiesta conteneva una bozza del programma di educazione artistica
che si sarebbe sviluppato nell'Accademia, che includeva insegnamenti di architettura, geometria,
prospettiva, aritmetica, anatomia, astronomia e storia.

L'Accademia era responsabile della trasmissione dei principi dell'arte ai suoi membri per
mezzo di conferenze e lezioni impartite agli studenti attraverso disegni presi
del naturale. Ogni mese veniva designato un nuovo insegnante, che era responsabile della scelta del
modello. Due ore al giorno erano riservate alla lezione di disegno dal vero. In nessun
luogo al di fuori dell'accademia era consentita la sua insegnamento.

Nel 1663 tutti i pittori di corte erano obbligati a entrare nell'Accademia, e non
farlo significava la perdita dei benefici del mecenatismo; ora, i membri di
l'Accademia godeva di un enorme prestigio, e il fatto di essere membro era considerato
più un privilegio che un obbligo.

L'Accademia aveva una capacità di dettare canoni estetici che avrebbe sorpreso e
scandalizzato Leonardo e Michelangelo. Gli artisti facevano ora parte dell'apparato
dello Stato.

Il programma dell'Accademia era suddiviso in una classe di livello superiore e un'altra di livello
inferiore. Gli studenti di livello inferiore dovevano copiare i disegni degli insegnanti,
mentre quelli di livello superiore disegnavano direttamente dal modello.

L'Accademia si concentrava nel fornire agli studenti le conoscenze teoriche a

attraverso le lezioni accademiche, mentre la formazione tecnica era a carico dei
talleri degli accademici.

Le lezioni dell'Accademia

Si concedeva grande importanza alle lezioni su prospettiva, geometria, anatomia e

importanti che i contadini, e così via. In cima alla scala c'era la
rappresentazione di eventi storici importanti.

Le manifatture reali

L'Accademia era responsabile della supervisione delle manifatture reali, dove si

elaboravano gli oggetti per la decorazione della residenza reale e degli edifici pubblici.

Le Brun e altri accademici fornivano i disegni degli oggetti che dovevano elaborare
gli artigiani che lavoravano in queste manifatture. Le Brun era anche responsabile della
educazione artistica degli artigiani, e usava con loro essenzialmente lo stesso sistema
di insegnamento che con gli artisti. Così, l'Accademia era qualcosa di più di una scuola di
arte: faceva parte dei piani per lo sviluppo economico della Francia attraverso le
arti.

L'educazione artistica per dilettanti

Nelle prime decadi del XVII secolo, gli ideali cortigiani di Castiglione si
trasformarono nel modello del buon cavaliere. Anche se si considerava che il dominio delle
Le arti visive erano una caratteristica cavalleresca, non erano viste come un hobby serio.

Nei pensieri sull'istruzione, John Locke sottolineava che era desiderabile che un
un cavaliere appassionato di viaggi avesse una certa conoscenza del disegno, ma aggiungeva
rapidamente che non consigliava che «suo figlio diventasse un perfetto pittore», poiché ciò
resterebbe tempo a «altri progressi di maggiore importanza».

L'educazione artistica durante l'Illuminismo

Per il XVIII secolo l'assolutismo fu sostituito da sistemi di governo

parlamentare. Nel corso del secolo successivo i frutti della ricerca scientifica
hanno reso possibili una serie di miglioramenti nella tecnologia che hanno posto le basi per la
Rivoluzione Industriali. Il progresso tecnico e l'aumento delle libertà
costituzionalmente garantite segnarono senza dubbio questo periodo come un'epoca di
progresso.

La concezione del Mondo nel XVIII secolo

Nel XVIII secolo l'universo era paragonato a un gigantesco orologio, e Dio era il suo autore.
Dio aveva creato il sistema delle stelle e dei pianeti, così come le leggi che
governavano il loro movimento.

La religione del XVIII secolo doveva basarsi su principi razionali accessibili per le
persone educate.

Sorgono nuove politiche economiche per favorire l'espansione del commercio e la

accumulo di ricchezza privata.

L'idea che la società dovesse garantire l'istruzione a tutti i suoi membri anche
ha avuto una grande influenza. In questo spirito, i governanti degli stati germanici
furono pionieri nell'organizzazione di nuove accademie per l'insegnamento dell'arte che
rispondessero alle esigenze delle industrie. Negli stati protestanti del nord le
le opportunità per l'istruzione si erano enormemente ampliate, anche se l'insegnamento
l'istruzione obbligatoria non apparve fino all'inizio del XIX secolo.
Il generale della Massachusetts Bay Company approvò una legge secondo cui tutti i comuni
dovevano adottare misure affinché i bambini imparassero a leggere e scrivere, e fossero in grado di
comprendere i principi della religione e le leggi del paese. Stabiliva anche la
imposizione di multe per inadempimento. Queste leggi sulla scolarizzazione rappresentavano il
primo tentativo di stabilire un sistema scolastico universale, basato su tasse e
controllato dallo Stato, nell'America coloniale.

Tra i suoi detrattori c'era Benjamin Franklin, quando nel 1749 redasse il suo
proposta per stabilire un'accademia a Filadelfia. Raccomandava che si impartissero
materie pratiche come ad esempio inglese, lingue moderne, aritmetica, navigazione e
disegno. A noi interessa il sorprendente fatto che nemmeno si sia posto il
tema del disegno. Franklin ebbe successo nel ottenere il supporto economico dei cittadini
prominenti di Filadelfia, ma ha ricevuto una risposta chiaramente minore al momento di
assicurarsi il supporto per gli aspetti pratici della sua proposta, e poco dopo la
fondazione della scuola il curricolo tornò agli studi classici.

La posizione delle arti nel XVIII secolo

L'idea che l'arte fosse un articolo che si poteva comprare e vendere sul mercato vinse
una ampia accettazione. L'Inghilterra e gli americani del periodo coloniale non avevano alcuna
politica consapevole in relazione alle arti. Avevano in comune il disprezzo per la
ornamentazione artistica in luoghi di culto.

A metà secolo, tuttavia, gli americani iniziarono a essere più ricettivi nei confronti delle
moda sull'architettura, mobili, abbigliamento, musica e danza che si originavano in Europa. I
oggetti di moda provenivano dall'importazione e gli studenti d'arte andavano a formarsi al
straniero.

L'educazione artistica formale nel XVIII secolo

Nel corso del XVIII secolo, l'Accademia francese servì da modello per le scuole di
arte in tutto il continente, e alla fine di quel secolo in America. A differenza dell'istituzione
francese, la maggior parte di queste nuove accademie e scuole d'arte non furono fondate da
motivi economici, bensì per motivi economici.

Francia l'idea che le belle arti fossero qualcosa di diverso dall'artigianato era così
impiantata che Luis XVI dichiarò che l'arte doveva contribuire alla perfezione delle arti di
l'industria e la promozione del commercio.

L'arte all'interno dell'educazione generale

Franklin propose l'idea di un'accademia che fornisse ai suoi studenti una

istruzione classica e anche studi pratici come l'inglese, la navigazione e il disegno.
Affermò: “Tutti dovrebbero imparare a scrivere con una buona calligrafia, e con rapidità, lo
che è sempre utile. E insieme a questo si dovrebbe imparare qualcosa di disegno, a partire da
imitazione di illustrazioni, così come alcuni dei principi di base della prospettiva.

Gli aspetti innovativi della proposta di Franklin non sono mai stati realizzati, e
le sue idee generali sulla direzione pratica dell'istruzione non hanno fatto breccia fino al
secolo successivo. Durante la prima metà del XIX secolo le accademie private si
divennero i principali centri di educazione secondaria, e in alcune di queste
nelle scuole si insegnava disegno.